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Character design

L'arte digitale: guida completa per iniziare il tuo percorso nel mondo dell'illustrazione digitale

Ryan
Feb 08, 2024
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Intraprendere un percorso nel mondo dell’arte digitale è un vero e proprio passo in avanti verso un mondo di nuove possibilità creative.

Sia che tu provenga dall’arte tradizionale o che stia muovendo i primi passi nel mondo dell’arte, lavorare in digitale ti permette di applicare la tua immaginazione alle meraviglie della tecnologia, per trasformare le tue idee in bellissime illustrazioni digitali e animazioni.

Per gli artisti che utilizzano metodi tradizionali o per i principianti che stanno imparando a disegnare, passare all’arte digitale può sembrare complicato.

Esistono così tante possibilità di scelta nel mondo digitale, sia per quanto riguarda i software che per quanto riguarda gli stili, che talvolta ci si può sentire sopraffatti.

Per aiutarti a trovare la tua strada nel mondo dell’arte digitale, esamineremo alcuni argomenti importanti sia per gli artisti che provengono dall’arte tradizionale sia per chi ha appena iniziato.

Vedremo come scegliere il software giusto, ad esempio Procreate per la sua semplicità d’uso o Photoshop per le sue numerose funzioni. Scoprirai quali sono le abilità di base, come la gestione dei livelli e dei pennelli, e approfondiremo idee più complesse, come l’uso dei colori e della luce nelle tue opere.

Ogni sezione di questa guida è stata pensata per aiutarti a migliorare le tue abilità passo dopo passo, semplificandoti il percorso di apprendimento del disegno digitale. Il nostro obiettivo è quello di fornirti una base solida e consigli utili per rendere ancora più belle le tue opere d’arte, indipendentemente dal livello di partenza.

Dopo aver letto questo articolo, avrai una solida base per iniziare il tuo percorso nel campo dell’arte digitale.

Impara ad usare un programma

Il tuo viaggio nel mondo dell’arte digitale inizia con una decisione importante: Procreate o Photoshop?

Scegliere tra questi due strumenti può condizionare la tua esperienza iniziale e il grado di confidenza con l’arte digitale.

In questa sezione ti proponiamo una breve panoramica, non una spiegazione dettagliata, per aiutarti a scegliere il software giusto. Per una comparazione più dettagliata, ti consigliamo di leggere questo articolo.

Procreate

Procreate ha un'interfaccia molto semplice

Procreate è ideale per i principianti grazie alla sua interfaccia intuitiva per iPad e al supporto di Apple Pencil. Inoltre, il software Procreate offre un’esperienza creativa semplice e potente, ma che non richiede un’eccessiva esperienza da parte dei nuovi utenti.

Tuttavia, Procreate non è adatto solo ai principianti.

Gli artisti professionisti ne apprezzano soprattutto la scorrevolezza e la reattività, che sono fondamentali per realizzare bozzetti veloci e lavori dettagliati.

I neo-utenti riscontrano che il layout di Procreate è semplice e le scorciatoie intuitive, il che rende più semplice la fase iniziale di apprendimento.

Per esempio, è possibile toccare con due dita per annullare e con tre dita per ripristinare, il che consente ai principianti di correggere gli errori all’istante.

Sebbene siano sufficienti poche ore per apprendere le nozioni di base di Procreate, potrebbe volerci qualche settimana per prendere confidenza con le funzioni più complesse di Procreate, come le modalità di fusione dei livelli e le varie dinamiche dei colori.

Un ottimo corso da seguire è “Procreate per principianti“, che ti aiuterà ad acquisire le conoscenze di base di questo software in modo semplice e divertente.

Il corso ti offre un percorso di apprendimento strutturato, partendo dalle tecniche fondamentali dell’uso dei pennelli, fino ad argomenti più complessi, come il lavoro sulle ombre e sulla texture.

Dai un’occhiata alla carrellata dei nostri corsi di Procreate per scoprire tutti i corsi che puoi seguire per dominare questo software.

Adobe Photoshop

Adobe Photoshop è un must dell'arte digitale

Photoshop è un pilastro fondamentale dell’arte digitale, soprattutto per i lavori di livello professionale. Inoltre, essendo disponibile su Mac, Windows e iPad, è accessibile a tutti.

Sebbene sia più complesso di Procreate, l’ampio ventaglio di strumenti di Photoshop lo rende uno strumento di grande valore.

Il programma mette a disposizione degli utenti le tecniche di base dell’arte digitale, oltre a competenze avanzate come la complessa gestione dei livelli, la texturizzazione dettagliata e le composizioni.

Nonostante la complessità iniziale, imparare Photoshop permette ai principianti di acquisire una serie di competenze versatili, utili in vari contesti professionali.

La sua ampia gamma di funzioni, dal fotoritocco a complesse illustrazioni digitali, fa sì che Photoshop si mantenga uno strumento importante e potente, man mano che le tue capacità migliorano.

Per i principianti che scelgono Photoshop, il corso “Disegno su Photoshop per principianti” è un metodo completo che copre sia le tecniche di base che quelle più avanzate. Questo corso si concentra sull’interfaccia di Photoshop, sugli strumenti essenziali, sulle regolazioni del colore e sulla gestione dei livelli, fornendo ai principianti una solida base su cui sviluppare le loro abilità artistiche digitali.

Procreate o Photoshop?

La scelta tra Procreate e Photoshop dipende dalla profondità e dall’estensione che vuoi raggiungere: Procreate è eccellente per il disegno e la pittura digitale più semplice.

Se invece stai pensando di dedicarti a un’attività di illustrazione più ampia, che preveda il layering avanzato, il texturing o l’integrazione con altri software di disegno, Photoshop offre una maggiore versatilità. È l’ideale se prevedi un futuro in diversi settori creativi o in progetti di illustrazione più complessi.

Consolida le tue competenze nel software scelto

Nel momento in cui gli artisti digitali passano da un livello base a uno intermedio, la padronanza delle funzioni avanzate del software diventa essenziale. Questo progresso migliora la creatività e l’efficienza e consente un’espressione artistica più complessa e precisa. Ecco alcune abilità che imparerai in questa fase del tuo percorso.

  • Gestione avanzata dei livelli Approfondisci l’arte del layering. È fondamentale per le illustrazioni più complesse e dettagliate.
  • Texturing: dai vita alla tua arte con le texture. È tutta una questione di realismo e profondità.
  • Padronanza delle tecniche dell’uso del pennello: I pennelli saranno i tuoi strumenti. Conoscerli a fondo rivoluziona la tua arte.
  • Metodo di lavoro efficiente: La velocità è importante. Impara le scorciatoie da tastiera per un processo creativo più fluido.
Impara a usare gli strumenti di disegno digitale

Ecco alcuni corsi di arte digitale che ti aiuteranno in questa fase.

Per gli appassionati di Photoshop, il corso “Disegno digitale su Photoshop – Intermedio” è ottimo per imparare tecniche avanzate di Photoshop.

Per coloro che amano Procreate, “Come disegnare un personaggio dei cartoni animati” è il corso più adatto.

Entrambi i corsi offrono un bagaglio di conoscenze che ti permetterà di affinare le tue tecniche e di dare vita alle tue idee con maggiore profondità e precisione. Segui questi corsi per acquisire competenze pratiche in grado di perfezionare la tua arte digitale.

In questa fase, ti consigliamo anche di dare un’occhiata agli altri nostri corsi di illustrazione digitale.

Non solo software: le abilità necessarie per migliorare a livello artistico

Per migliorare come artista digitale è essenziale avere una buona interazione fisica con il dispositivo digitale che utilizzi. Tali abilità, fondamentali per il tuo sviluppo artistico, includono:

  • Coordinazione occhio/mano: per trasporre con precisione sulla tela digitale ciò che vedono i tuoi occhi.
  • Abilità motorie: controllo del polso e delle dita per lavorare in modo più dettagliato e minuzioso.
  • Stabilità e controllo: arricchisci il tuo lavoro con tratti fluidi e puliti. Mantieni la mano ferma.
  • Memoria muscolare: più ti eserciti, più perfezionerai la tecnica. Studia le pennellate e le varie tecniche.
  • Postura ed ergonomia: rispetta il tuo corpo. Mantenere una corretta postura ti permetterà di disegnare più a lungo e più comodamente.
  • Controllo della sensibilità della pressione: impara a conoscere la tua penna digitale. Esercitati per scoprire la giusta pressione e disegnare con un tratto ottimale.

Impara le basi

Ogni genio artistico ha iniziato dallo studio dei fondamenti dell’arte, sia che si tratti dei creatori dei fumetti Marvel o degli artisti che hanno creato le vivaci animazioni Disney.

Anche i fumetti, i cartoni animati e le animazioni più originali si basano su principi di base come l’anatomia, la prospettiva e la teoria del colore.

La tecnica e lo stile sono molto importanti, ma si basano sempre su queste competenze di base.

Quali sono le nozioni di base che tutti gli artisti devono imparare? Scopriamole!

Conoscenze anatomiche approfondite

La conoscenza dell’anatomia è importante per gli artisti digitali, soprattutto per chi disegna personaggi. Consiste nello studiare la struttura del corpo umano, compresi i muscoli, le ossa e il modo in cui le diverse parti sono strutturate e collegate tra loro.

Saper gestire queste caratteristiche è importante per far sembrare reali i personaggi, sia che si tratti di normali esseri umani, di supereroi o di creature immaginarie.

Studiare l'anatomia umana è fondamentale per gli studenti di arte digitale
@renecordovart

Per comprendere meglio l’anatomia umana, gli artisti si esercitano nel disegno anatomico e nel disegno gestuale. Il disegno anatomico consiste nell’abbozzare il corpo umano, prestando attenzione alle sue dimensioni e alla sua forma.

Disegno gestuale

Il disegno gestuale consiste nel creare degli schizzi che rappresentino il movimento e l’essenza di una posa, concentrandosi sulle linee di azione e sulla dinamicità del movimento.

Padronanza della prospettiva

La prospettiva conferisce profondità e dimensione alle opere d’arte, consentendo agli artisti di creare scenari che raffigurano con precisione il rapporto tra i vari spazi. I tipi di prospettiva più comuni sono quella a un punto, quella a due punti e quella a tre punti, ognuna delle quali offre un’angolazione e un’illusione di profondità diverse.

Tecniche di composizione

Le tecniche di composizione prevedono la comprensione e l’applicazione di principi come l’equilibrio, il contrasto, l’enfasi, il movimento, il modello, il ritmo e l’unità per creare pezzi visivamente armoniosi ed efficaci.

L’importanza dello storytelling

Inserire lo storytelling (o narrazione) nei tuoi lavori consiste nel fondere la narrazione con le emozioni, trasformando le tue illustrazioni in delle vere e proprie storie capaci di colpire profondamente il tuo pubblico.

Comprendere forma e volume

Padroneggiare il concetto di forma e volume significa saper scomporre gli oggetti complessi in forme più semplici. Questo approccio contribuisce ad ottenere una migliore integrità strutturale nelle tue illustrazioni, rendendole efficaci e coerenti dal punto di vista visivo.

La scala e le proporzioni

Saper cogliere le proporzioni e la scala nell’arte consente di stabilire rapporti dimensionali accurati tra i vari elementi, creando composizioni realistiche e visivamente coerenti. È la chiave per realizzare illustrazioni credibili e profonde.

Il metodo Loomis

Il metodo Loomis sfrutta le forme geometriche per rappresentare accuratamente le proporzioni e i tratti del viso, conferendo maggiore realismo alle illustrazioni dei personaggi.

Il metodo dei punti

Il metodo dei punti prevede l’utilizzo di punti accuratamente posizionati come guida per la strutturazione e il bilanciamento delle parti di un disegno. Questo aiuta a mantenere uniformità e armonia all’interno dell’illustrazione. È un metodo particolarmente utile per i progetti complessi, in quanto garantisce che tutti gli elementi siano allineati in modo proporzionato e contribuiscano a creare un insieme visivo omogeneo e accattivante.

Lo sviluppo di queste abilità è essenziale per creare illustrazioni digitali più sofisticate e curate.

Il corso “Fondamenti di disegno” è perfetto se vuoi consolidare le tue competenze di base, assicurandoti che le tue opere siano riconoscibili e chiare.

Questo corso ti aiuta a perfezionare le tue abilità e a portare le tue illustrazioni al di là della sola qualità. Dai un’occhiata a questo corso per fornire alle tue opere una marcia in più.

Il potere della posa

Pensa a una fotografia di un atleta impegnato in una gara. L’energia, la tensione… è tutta nella posa.

All’interno del tuo percorso nel mondo dell’arte digitale, la padronanza delle pose è fondamentale. Si tratta di dare vita ai tuoi personaggi attraverso le loro posture e i loro gesti, facendoli esprimere e raccontare storie. Il perfezionamento di questa abilità rende le tue opere più intense, trasformando ogni personaggio in un narratore dinamico.

Padroneggiare le pose è importante per l'apprendimento dell'arte
@pumbaaguy

Ecco alcune tecniche che dovresti imparare per dare vita ai tuoi personaggi.

  • Torsioni e inclinazioni: si tratta di regolare gli angoli e le posizioni delle parti del corpo di un personaggio, come la torsione del busto o l’inclinazione della testa per creare un senso di movimento ed emozione, facendo apparire i personaggi più realistici ed espressivi. Questa tecnica comunica l’azione, l’umore e la personalità nelle illustrazioni dei personaggi.
  • Schiacciamento ed estensione: questo principio di animazione dona vitalità ed elasticità ai personaggi. Consiste nel distorcere la forma di un personaggio in risposta al movimento o all’emozione, aumentando l’illusione di flessibilità e dinamismo delle sue azioni. Questa tecnica consente di creare animazioni o illustrazioni di personaggi fluide, espressive e coinvolgenti.
  • Linguaggio corporeo ed espressione: consiste nell’utilizzo della postura, dei gesti e delle espressioni facciali per trasmettere in modo efficace le emozioni, la personalità e i sentimenti interiori di un personaggio, rafforzando l’aspetto narrativo dell’opera.
  • Distribuzione del peso: indica l’equilibrio e il posizionamento del corpo rispetto alla gravità e all’ambiente circostante, mettendo in evidenza il modo in cui le parti del corpo sostengono il peso in varie pose e azioni, garantendo così un certo realismo fisico e un certo movimento all’interno delle illustrazioni.
  • Linea d’azione: è una linea immaginaria che valorizza il movimento e la postura, fondamentale per conferire energia e direzione alle pose, trasmettendo così in modo efficace le emozioni e l’intento narrativo di un personaggio.
  • Ritmo e fluidità delle pose: consiste nel creare pose che imitano il movimento naturale, facendo apparire i personaggi più realistici e credibili. Questa tecnica migliora la fluidità e il realismo nella rappresentazione del movimento.

Il post del nostro blog “I principi dell’animazione” ti aiuterà ad approfondire l’argomento.

Abbiamo visto come dare vita ai personaggi con l’utilizzo di pose dinamiche.
Se vuoi approfondire questo aspetto, il corso “Disegnare pose di personaggi con personalità” di 21 Draw ti permetterà di imparare come infondere emozioni e dinamismo ai tuoi personaggi.

Lo studio del colore

Nella tavolozza di un artista, il colore è molto più di un semplice pigmento: è emozione, profondità e storia. I colori trasformano una semplice illustrazione in una esperienza visiva piena di vita.

La teoria del colore è un concetto fondamentale nell'apprendimento artistico
@rheatibbey

Qui di seguito vedremo come usare il colore in modo efficace per migliorare la propria capacità di espressione artistica. Analizzeremo vari concetti, dalla ruota dei colori alla complessità della psicologia del colore, fornendoti le competenze necessarie per dare vita alla tua arte.

Scopriamo l’importanza del colore nell’arte!

La ruota dei colori

La ruota dei colori, una rappresentazione circolare delle tonalità di colore, mostra le relazioni tra colori primari, secondari e terziari. Conoscerla ti permetterà di creare combinazioni e armonie visivamente accattivanti.

La ruota dei colori è fondamentale per selezionare i colori complementari per il contrasto, i colori analoghi per l’armonia e gli schemi triadici per l’equilibrio. Saperla utilizzare consente agli artisti di impiegare i colori in modo efficace, migliorando l’impatto visivo e la risonanza emotiva delle loro opere d’arte.

Colori caldi e colori freddi

I colori caldi, per esempio i rossi e i gialli, esprimono energia e calore, mentre i colori freddi, come i blu e i verdi, creano un senso di calma e fanno arretrare gli elementi all’interno dell’illustrazione.

Saper interpretare i colori caldi e freddi può migliorare l’impatto emotivo e la percezione spaziale. I colori caldi possono attirare l’attenzione e aggiungere vivacità, mentre i colori freddi possono creare profondità e tranquillità. Questa conoscenza è essenziale per raggiungere l’equilibrio ed enfatizzare i punti focali nelle composizioni.

La psicologia del colore

La psicologia del colore studia l’impatto dei colori sulle emozioni e sui comportamenti. Grazie a queste conoscenze, gli artisti possono evocare sensazioni specifiche, come la serenità con il blu o l’entusiasmo con il rosso, aumentando la profondità emotiva delle loro opere.

Un esempio celebre è il periodo blu di Pablo Picasso nei primi anni del 1900. Picasso, che in quel momento attraversava una fase di depressione, dipingeva prevalentemente con tonalità blu, riflettendo la sua tristezza e malinconia.

Gerarchia visiva

La gerarchia visiva consiste nella disposizione degli elementi per indicarne l’importanza e guidare l’attenzione dello spettatore all’interno dell’opera. Utilizzando il contrasto di colore e le tecniche di saturazione è possibile evidenziare gli elementi chiave, trasmettere l’atmosfera desiderata e migliorare la composizione complessiva. Grazie alla gerarchia visiva, potrai creare opere d’arte coinvolgenti ed efficaci.

Schemi di colore

Gli schemi di colore sono delle combinazioni di colori, ad esempio monocromatici, analoghi, complementari e triadici, basate su dei principi di armonia.

Comprendere questi schemi ti consente di creare opere visivamente accattivanti e coese, di trasmettere efficacemente gli stati d’animo e di migliorare il valore estetico delle tue opere. La padronanza degli schemi di colore è fondamentale per gli artisti che desiderano creare opere di grande impatto visivo e che abbiano un’alta risonanza emotiva con gli spettatori.

Armonia cromatica

L’armonia cromatica prevede l’utilizzo di combinazioni di colori esteticamente piacevoli basate su specifici rapporti cromatici.

Conoscerla permette agli artisti di creare composizioni equilibrate e visivamente attraenti, evocando le emozioni desiderate, unificando i diversi elementi e migliorando l’impatto complessivo dell’opera d’arte, che diventerà più coinvolgente agli occhi del pubblico.

Il metodo della scala di grigi

Il metodo della scala di grigi è una tecnica della teoria del colore che consiste nel creare le opere d’arte in tonalità di grigio prima di aggiungere il colore. Così facendo è possibile comprendere il valore, ovvero la luminosità o l’oscurità di un colore, indipendentemente dalla sua tonalità. Padroneggiando i valori in scala di grigio, è possibile migliorare la profondità, il contrasto e l’atmosfera delle proprie opere.

Divertiti ad approfondire la teoria del colore e trasforma le tue illustrazioni in opere d’arte di grande impatto!

Il nostro corso “Introduzione alla teoria del colore” ti spiegherà come padroneggiare la teoria del colore, come mescolare i vari toni e l’effetto psicologico dei colori.

Questo corso costituisce una risorsa dettagliata per chi desidera approfondire la comprensione e l’applicazione dei colori all’interno di forme artistiche tradizionali e digitali.

Inserire una fonte di luce

Hai mai pensato a come i vecchi film in bianco e nero potessero essere così belli, o perché alcune foto in bianco e nero siano così d’impatto? La risposta è: grazie alla luce.

Una volta che avrai compreso come si comporta la luce, come interagisce con gli oggetti e come influisce sulla percezione, avrai una solida base per creare illustrazioni realistiche e dinamiche.

Tipi di luce

Conoscere i tipi di illuminazione ti permetterà di lavorare sull’atmosfera, sulla profondità e sul realismo delle tue opere. Ecco quali sono i principali tipi di luce:

  • Luce diretta: la luce diretta è un tipo di illuminazione in cui la sorgente luminosa illumina un oggetto o un’area direttamente, senza alcuna ostruzione o diffusione. In questo modo si ottengono ombre solide e ben definite e un elevato contrasto.
  • Luce diffusa: la luce diffusa si riferisce a una luce che si disperde o si diffonde, spesso risultante in un’illuminazione morbida e delicata, priva di ombre marcate.

Conoscere le fonti di luce

Studiare le diverse fonti di luce è importante, in quanto queste influenzano il modo in cui ogni scena viene percepita.

Ad esempio, le fonti di luce naturale come il sole creano un’atmosfera e delle ombre diverse rispetto alle fonti artificiali come le lampade. Comprendere queste differenze permette agli artisti di rappresentare con precisione l’ora del giorno, il tempo atmosferico o gli ambienti interni.

Impara a gestire luci e ombre

Riflessi e ombre

Le ombre creano un senso di volume e di solidità, evidenziando i punti in cui la luce non arriva. I riflessi sono i punti in cui la luce diretta colpisce maggiormente il soggetto.

Applicare questo concetto ti permetterà di migliorare la tridimensionalità delle tue opere, rendendole più realistiche e coinvolgenti.

Ad esempio, posizionando correttamente riflessi e ombre all’interno di un cerchio piatto gli donerai volume, rendendolo una sfera. Utilizzare ombre e riflessi è indispensabile per creare illustrazioni credibili e realistiche.

Riflessione e rifrazione della luce

Nell’arte, la riflessione e la rifrazione della luce è una tecnica utilizzata per simulare il modo in cui la luce interagisce con diverse superfici.

La riflessione mostra il modo in cui la luce rimbalza sulle superfici lucide, creando un effetto a specchio, mentre la rifrazione rappresenta il modo in cui la luce attraversa materiali trasparenti come il vetro o l’acqua.

Gli strumenti utilizzati per ottenere questi effetti comprendono pennelli specifici, modalità di fusione dei livelli e diversi filtri all’interno di software come Photoshop o Procreate. Questi strumenti permettono agli artisti di replicare realisticamente il comportamento della luce su diverse superfici, aggiungendo profondità e autenticità alle loro opere.

Consigli specifici sui software

Per inserire fonti di luce nell’arte digitale utilizzando software come Photoshop o Procreate:

  • Utilizza le modalità di fusione dei livelli, come ad esempio “Colore scherma” per gli effetti di luce e “Moltiplica” per rendere le ombre più profonde.
  • Sperimenta con i pennelli: usa pennelli morbidi per una luce diffusa e pennelli duri per i riflessi più definiti.
  • Usa le maschere di livello e i livelli di regolazione: Per controllare l’intensità e l’area degli effetti di luce e ombra.
  • Applica i gradienti per creare una transizione omogenea tra aree chiare e scure.
  • Usa le regolazioni del bilanciamento del colore e della tonalità/saturazione. Modifica il colore delle fonti di luce per cambiare l’atmosfera generale.

Se vuoi padroneggiare l’arte di utilizzare luci e ombre nelle tue opere, ti consigliamo di seguire il nostro corso “Capire e realizzare luci e ombre.” Imparerai tecniche pratiche e utilissimi approfondimenti, migliorando la tua comprensione e la tua abilità nell’inserire l’illuminazione all’interno delle tue creazioni artistiche.

Crea un personaggio

Immergiti nelle meraviglie del character design se vuoi imparare a raccontare storie e trasmettere emozioni attraverso le tue opere d’arte. In questo modo, riuscirai a instaurare un legame più profondo con il tuo pubblico.

Crea un personaggio e affina le tue abilità artistiche digitali
@randybishopart

Di seguito, analizzeremo gli aspetti chiave del character design che gli artisti impiegano per raccontare storie coinvolgenti e a stabilire una connessione più profonda con il pubblico.

  • Storytelling. Per gli artisti, lo storytelling all’interno del character design comporta la realizzazione degli elementi visivi di un personaggio (come l’abbigliamento e le espressioni) per trasmettere la sua storia, la sua personalità e il suo ruolo all’interno della narrazione, migliorando il legame con lo spettatore e il suo coinvolgimento all’interno della storia.
  • Archetipi dei personaggi. Si tratta di modelli di base che rappresentano qualità e ruoli universali, come l’eroe, il cattivo o il mentore. Essi aiutano gli artisti a creare personaggi che abbiano una risonanza universale e si inseriscano perfettamente nella struttura della storia.
  • Costumi. I costumi sono fondamentali per definire l’epoca in cui si svolge la vicenda, l’identità e lo status sociale di un personaggio. Comunicano allo spettatore i tratti della personalità e il background del personaggio, rendendolo più interessante e migliorando la narrazione.
  • Model sheet o schizzi preparatori. I model-sheet sono delle rappresentazioni dettagliate del personaggio in varie pose e con varie espressioni. Fanno sì che l’aspetto del personaggio rimanga coerente in diverse scene e dai vari punti di vista, il che è essenziale per mantenere una certa continuità a livello visivo, soprattutto in progetti collaborativi che coinvolgono più artisti.
  • Line-up dei personaggi: si tratta di disegnare fianco a fianco i personaggi fondamentali della storia. Questo processo aiuta a mantenere l’equilibrio visivo e la differenziazione dei personaggi, aiutando il team a comprendere il ruolo e la relazione di ciascun personaggio all’interno della narrazione.

Il character design non si limita al disegno dei personaggi, ma comprende anche la narrazione, gli archetipi, i costumi e molto altro ancora. Questi elementi sono fondamentali per creare personaggi convincenti.
Il corso “Fondamenti del character design” ti offre approfondimenti dettagliati riguardo a queste tematiche, aiutandoti a migliorare le tue abilità nella creazione di personaggi.

Mettiamo tutto insieme

In questo paragrafo scoprirai come usare i colori, le texture e l’illuminazione all’interno delle tue opere digitali.

Stabilisci le basi

Crea una nuova tela: scegli la dimensione della tela e prendi confidenza con l’interfaccia del software digitale che stai utilizzando.

Imposta il tuo spazio di lavoro: organizza il tuo spazio di lavoro su Procreate in modo efficiente, tenendo conto delle impostazioni, dei gesti, delle scorciatoie e della selezione dei pennelli.

Bozzetto e sviluppo del concetto

Trovare l’ispirazione grazie ai riferimenti: scopri l’importanza di trovare dei riferimenti e di adattarli in modo creativo.

Sviluppa l’idea: abbozza l’idea iniziale, crea le miniature e valuta l’importanza della composizione nello sviluppo del tuo concetto.

Integrazione del personaggio nell’ambiente

Abbozza personaggi e sfondi: integra i personaggi negli sfondi, mantenendo delle dimensioni e una prospettiva corretta.

Anatomia semi-realistica: concentrati sul disegno di parti del corpo realistiche, collocando i personaggi all’interno dell’ambiente di fondo.

Tecniche di colorazione

Selezione del colore: impara i concetti di base della teoria del colore, como scegliere i colori e come utilizzare le maschere di ritaglio e i blocchi alfa.

Colori di base e variazioni: comprendi l’importanza dei colori piatti di base e scopri come modificarli per una maggiore profondità.

Luci e ombre

Modalità di fusione dei livelli: utilizza le modalità di fusione per creare effetti di luce e ombreggiature.

Conoscere le fonti di luce: comprendi la differenza tra le varie fonti di luce e le diverse ombre e luci che queste creano.

Ultimi dettagli e tocchi finali

Aggiungi gli ultimi dettagli: metti in risalto il la line-art, intensifica l’illuminazione e ripulisci i contorni della tua opera.

Ultime modifiche: regola il contrasto utilizzando le curve, e bilancia i toni dei colori.

Dai un’occhiata ai seguenti corsi di 21 Draw, “Illustrazione digitale con Procreate” e “Creazione di personaggi dark fantasy”, per imparare ancora di più!

Questi corsi ti offrono degli approfondimenti pratici sull’uso di Procreate e Photoshop, integrando perfettamente le competenze che hai appena iniziato a sviluppare.

Condividi le tue creazioni sui social!

I social sono le gallerie d’arte degli artisti moderni, dove le connessioni sono importanti quanto l’arte. Scopri come utilizzare i social media sia come vetrina che come community nella quale la tua arte possa dare vita a conversazioni con artisti come te.

Trova la tua identità artistica. Metti in evidenza l’unicità del tuo stile artistico sui social media. Distinguiti mettendo in mostra il tuo estro e la tua creatività.

Community Engagement.  Concentrati sul costruire relazioni partecipando attivamente alle community artistiche. Coinvolgi il tuo pubblico rispondendo ai commenti, collaborando con i tuoi colleghi e partecipando alle sfide.

Impara l’importanza delle statistiche e degli algoritmi: utilizza i dati per adattare i tuoi contenuti e ottenere una maggiore visibilità. Studia come interpretare le statistiche dei tuoi social in modo da capire cosa suscita l’attenzione del tuo pubblico.

Buone norme per la creazione di contenuti: consigli per la creazione di contenuti di qualità e coinvolgenti per il tuo pubblico. Questo comporta scegliere le immagini giuste, creare storie interessanti e mantenere una coerenza nella pubblicazione dei contenuti.

Account e Brand Design. Crea un’identità online armoniosa e visivamente accattivante che rifletta il tuo stile artistico unico.

Usa in modo efficace gli hashtag e le didascalie. Fai una ricerca e scopri gli hashtag più rilevanti; usane alcuni più di nicchia assieme ad altri più generali, scrivi didascalie coinvolgenti per i tuoi post, aggiungi delle call to action e rimani sempre al passo con gli ultimi trend. Così facendo, raggiungerai una maggiore visibilità e un maggiore coinvolgimento sui tuoi social media.

Sfruttare il potere dei social media è un passo fondamentale nel tuo percorso artistico digitale. In questa sezione abbiamo visto una panoramica delle strategie chiave, ma c’è molto altro da imparare.

Se vuoi capire come sfruttare i social per mostrare le tue opere e costruire una community, il nostro corso “Social Media per artisti” fa al caso tuo. Si tratta di un corso completo su come condividere le proprie opere d’arte sui social, coprendone tutti gli aspetti chiave. Imparerai come coinvolgere il tuo pubblico, quale strategia adottare per i tuoi contenuti, le tecniche specifiche per ogni piattaforma e molto altro. È una risorsa davvero inestimabile!

Esplora nuovi argomenti (facoltativo)

Proprio come uno chef che si diverte a sperimentare diverse ricette, anche nell’arte puoi fiorire se approfondisci vari ambiti.

Disegnare nuovi soggetti può aiutarti a scoprire dei talenti nascosti, sia che si tratti di immortalare l’eleganza di una gazzella o la serenità di un paesaggio al tramonto. Ciascun diverso soggetto ti apporta nuove competenze e migliora la profondità e la ricchezza della tua espressione artistica.

Se vuoi diversificare le tue abilità nell’illustrazione digitale e crescere come artista, ti consigliamo di conoscere bene i fondamenti dell’arte, di organizzare i tuoi strumenti in modo ottimale e di perfezionare la tecnica nel disegno di luci e ombre.

Puoi farlo sfruttando tutorial e corsi online, approfondendo la tua conoscenza dei software di disegno digitale e rimanendo in contatto con una community di artisti.

Così facendo, riceverai dei feedback costruttivi, potrai intraprendere nuovi progetti personali e rimarrai sempre al passo con i trend del settore.

In questo settore in continua evoluzione, la pazienza e la perseveranza sono fondamentali. Seguendo questi passi potrai ampliare i tuoi orizzonti creativi, arricchendo il tuo repertorio artistico con ogni nuovo genere che esplorerai.

Se vuoi scoprire come valutare i riferimenti e creare personaggi animali divertenti e di grande personalità, dai un’occhiata al nostro corso “Come disegnare simpatici animaletti,” tenuto dall’artista Rodgon.

Per chi è interessato ad avventurarsi nell’illustrazione di paesaggi, il corso “Introduzione ai paesaggi” di Philip Sue fornisce una preziosa descrizione passo a passo di tutto il processo artistico necessario per disegnare bellissimi paesaggi.

Ognuno di questi corsi è in grado di arricchire il tuo repertorio artistico, aggiungendo nuovi tasselli alla tua tavolozza di competenze artistiche e facendoti scoprire nuovi metodi di espressione creativa

Conclusioni

Il tuo viaggio nel mondo dell’illustrazione digitale va ben oltre l’apprendimento di semplici competenze; consiste piuttosto nel dare forma alla tua voce artistica. Dalla padronanza di software come Procreate e Photoshop all’approfondimento di colori e luci, ogni passo ti aiuterà a sviluppare tutto il tuo potenziale.

Ė un percorso da intraprendere con entusiasmo, per dare vita al tuo stile unico e personale. Ricorda: ogni capolavoro inizia da una pennellata. Non ti resta che crearne uno tutto tuo!

Ryan
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