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Rhea
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Avez-vous déjà essayé de concevoir votre propre personnage et réalisé à quel point le processus peut être délicat ? Beaucoup de travail entre dans la conception d’un bon personnage, il peut donc être difficile de savoir par où commencer Heureusement, il y a quelques simples conseils de conception de personnages que vous pouvez utiliser pour améliorer considérablement vos conceptions!
Le character design a toujours eu un rôle clé dans l’industrie du concept-design. Que vous conceviez pour un film, une émission de télévision, des jeux, de la publicité ou un projet personnel, il faut beaucoup de créativité et de compétences pour créer un personnage efficace.
Pour comprendre à quoi ressemblent les grands designs de personnages, il suffit d’observer le travail de la célèbre société de médias de masse Disney, dont les personnages emblématiques restent des noms communs dans les foyers, bien que certains d’entre eux aient été introduits dès les années 1930.
Cependant, Disney n’est qu’un exemple – il existe de nombreux styles qui peuvent être utilisés pour créer des personnages efficaces, à condition de savoir comment utiliser ces styles. Voici donc 39 conseils et astuces de conception de personnages pour vous aider à créer vos propres personnages géniaux !
Que vous utilisiez Adobe Illustrator, Photoshop, Procreate, ou tout autre logiciel ou support, votre processus de conception de personnage commencera au même endroit !
Tout design de personnage commence par une idée. Cette idée peut souvent prendre la forme d’un brief client ou même d’un projet personnel !
Parfois, trouver de l’inspiration pour vos designs peut sembler impossible ! Mais ne vous inquiétez pas, il y a un tas de moyens différents pour débloquer votre créativité.
Regarder les œuvres étonnantes de vos artistes préférés peut vraiment aider à améliorer votre créativité et vous donner de nouvelles techniques et idées à essayer dans votre propre travail.
Par exemple, l’artiste talentueux Ross Tran, alias @rossdraws, est bien connu pour ses peintures numériques dans lesquelles il prend des images de lui-même ou d’objets du quotidien et les transforme en scènes fantastiques. Dans l’image ci-dessous, il s’est inspiré de bonbons en forme de cœur pour créer de magnifiques personnages. Pourquoi ne pas faire un essai en utilisant des objets de votre propre maison?
La musique peut être un autre exutoire créatif génial et pour cette raison, de nombreux artistes trouvent la musique incroyablement inspirante lorsqu’ils créent des dessins de personnages. Par exemple, prenez ce dessin de @the.flightless.artist, Isabel Burke. Isabel a transformé la chanson ‘A Burning Hill’ de Mitski en ce magnifique dessin !
Donc, prenez vos écouteurs et écoutez votre playlist préférée. Essayez de trouver des chansons qui vous rappellent votre personnage et laissez les paroles et les mélodies vous inspirer !
C’est quand la dernière fois que vous êtes allé dans une galerie d’art ? L’art traditionnel et l’art contemporain peuvent être une grande source d’inspiration lors de la création de dessins de personnages.
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De nombreuses galeries d’art proposent une entrée gratuite. Alors, allez trouver une galerie locale et allez voir les œuvres qu’elle expose ! Prêtez attention aux différents styles, textures et couleurs que les autres artistes utilisent, et commencez à réfléchir aux techniques que vous pouvez incorporer dans vos propres créations.
Parfois, le meilleur remède à un blocage artistique est de faire une pause dans votre travail et de faire quelque chose de relaxant. Le plein air fournit des formes d’inspiration infinies, des personnes que vous voyez en ville à l’environnement naturel magnifique.
Donc, si vous avez du mal à cerner les concepts finaux de votre design, allez vous promener et voyez quelles nouvelles idées vous pouvez trouver !
Une fois que vous avez une idée de personnage en tête, votre prochaine étape devrait être de commencer à faire des recherches. Posez-vous des questions comme:
Quel est le contexte de mon personnage ? À quoi ressemble l’endroit où ils vivent ? Que porteraient-ils pour ce climat ? À quelle époque vivent-ils ? Quel est leur statut socio-économique et comment cela affecterait-il leur design ?
Une fois que vous avez répondu à ces questions, essayez de trouver autant d’informations écrites et visuelles que possible. Compilez des planches d’humeur et des notes à partir de vos trouvailles.
Un personnage bien documenté aura beaucoup plus de crédibilité et résonnera vraiment avec son public. Lorsque vous avez terminé vos recherches, vous devriez avoir suffisamment de matériel de référence pour commencer à concevoir votre personnage.
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Un bon exemple de la façon d’utiliser vos images de référence peut être vu dans cet exemple tiré de notre Cours “Comment dessiner un personnage de bande dessinée” par Maria Lia Malandrino.
Il s’agit d’un cours de dessin de personnages
Une partie essentielle de la création de bons personnages de dessins animés est d’avoir une bonne compréhension de la forme et de l’anatomie. Voici quelques exercices pour améliorer vos compétences :
Les études de vie sont une pratique artistique séculaire qui est incroyablement efficace pour améliorer vos compétences en matière de conception de personnages. Les études d’anatomie de Léonard de Vinci en sont un exemple. Da Vinci se consacrait à l’acquisition d’une compréhension complète de la forme humaine pour améliorer son travail.
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Lorsque vous concevez un personnage, il existe une tonne d’archétypes différents dont vous pouvez vous inspirer. L’utilisation de ces types de personnages bien connus permet à vos créations d’être facilement comprises par leur public. De nombreux concepteurs de personnages utilisent des archétypes dans leurs conceptions !
Le cours de Randy Bishop, ‘Fundamentals of Character Design’ fait un excellent travail pour entrer dans le détail de tous ces archétypes et de la façon de les utiliser dans vos designs.
Une fois que vous connaissez ces archétypes, vous serez en mesure de créer des designs qui communiqueront clairement la personnalité de votre personnage. Si aucune de ces catégories ne vous semble tout à fait adaptée à votre personnage, vous pouvez toujours combiner plusieurs tropes, ou les subvertir complètement pour créer des designs uniques à l’infini !
Lorsque vous concevez un personnage, il est important de savoir qui est votre public. Par exemple, un design qui plaît aux enfants ne plaira pas toujours aux adultes ou vice versa. Donc, avant de commencer votre conception, prenez un moment pour penser à votre public. Quel âge ont-ils ? Sont-ils d’un sexe en particulier ? Où vivent-ils ? Répondre à ces questions vous permettra d’orienter vos conceptions davantage vers votre public et donc de vous assurer que votre personnage est engageant.
Jetez un coup d’œil à ces deux designs de Raven de Teen Titans. Le premier design est destiné aux jeunes enfants tandis que le second est destiné aux adolescents. Comme vous pouvez le voir, des designs plus simplifiés sont préférés lors de la conception pour les jeunes téléspectateurs.
Le langage des formes est une technique qui permet de communiquer des informations sur votre personnage en utilisant des formes de base que notre cerveau connaît bien. Les formes primaires que vous choisirez décideront en grande partie de la façon dont votre public percevra votre personnage, il est donc important de prendre en compte la signification de chaque forme.
La langue des formes est une technique qui permet de communiquer des informations sur votre personnage en utilisant des formes de base que notre cerveau connaît
L’étonnant livre d’art de 21 Draw ‘The Character Designer’ est une excellente ressource si vous voulez en savoir plus sur la façon d’utiliser efficacement cette technique dans votre travail !
Cercle : Les personnages qui utilisent un langage de forme circulaire sont généralement amicaux et extravertis – le genre de personnages que vous avez vraiment envie de prendre dans vos bras. Cette forme est parfaite pour les soignants, les enfants et d’autres personnages doux et innocents.
Square: Le langage de forme carré est idéal pour les personnages forts, fiables et confiants. La chose cool à propos de cette forme est qu’elle peut être utilisée pour créer des personnages vraiment intimidants ou très réconfortants selon la façon dont vous l’utilisez. Vous trouverez souvent des carrés utilisés dans des personnages tels que des héros, des pères et d’autres personnages ayant un rôle paternel similaire.
Triangle: Bien connu comme la forme maléfique, les triangles sont généralement utilisés dans les designs des personnages antagonistes. Le langage de forme triangulaire peut sembler assez agressif, ce qui explique pourquoi ces personnages sont souvent considérés comme sinistres et imprévisibles. Il est important de noter, que plus les formes triangulaires sont étirées, plus votre personnage aura l’air menaçant !
Note : Votre personnage n’est pas obligé d’inclure une seule des trois formes ! Les personnages plus complexes seront souvent une combinaison des deux formes qu’ils représentent le plus ! Par exemple, ton personnage peut être à la fois fort et gentil, ou maléfique et confiant.
Il y a beaucoup de facteurs différents qui contribuent à l’efficacité d’un design de personnage. Voici quelques conseils sur le design des personnages pour vous aider à créer de bons designs de personnages à chaque fois !
Pour commencer, parlons de la vignette. Lorsque vous concevez un personnage pour la première fois, il est super important que vous créiez plusieurs itérations différentes. Celles-ci doivent être de petites esquisses et sont généralement appelées vignettes de conception.
Créer plusieurs esquisses de votre personnage vous permet d’affiner votre conception, car cela vous aide à identifier les éléments les plus efficaces dans chaque itération.
Il est important d’avoir une bonne idée de ce que vous voulez faire
Ce processus est quelque chose que beaucoup de character designers professionnels utilisent pour améliorer leur travail. Comme vous pouvez le voir dans ces vignettes de concept art de ‘Obsidian’ par le concept artist Andrew Erickson, le thumbnailing est une technique géniale pour tester un éventail d’idées pour votre design.
Lorsque vous créez des personnages mémorables, il est super important de penser à ce que vous essayez de communiquer avec votre design. Quelques facteurs que vous devrez prendre en compte sont l’exagération du personnage, le costume et les accessoires.
Si vous voulez que vos personnages aient une impression forte et durable sur leur public, il est important d’utiliser l’exagération dans vos créations. Réfléchissez aux parties de votre personnage qui peuvent être accentuées et à celles qui peuvent être simplifiées pour transmettre au mieux leur personnalité.
Un bon design de personnage est un design qui peut être transféré dans un style très simpliste tout en restant identifiable – des exemples de ceci incluent les designs de la plupart des super-héros populaires – qui ont des caractéristiques facilement lisibles quel que soit le style dans lequel ils sont dessinés !
Pour décider des parties de votre personnage à exagérer essayez d’identifier les traits primaires de sa personnalité et de son intrigue. Peut-être que votre personnage est un timide et un très bon auditeur, il a donc de grandes oreilles et une plus petite bouche.
Ou peut-être que votre personnage part en voyage mais qu’il est anxieux et essaie de trop se préparer, donc il a un sac à dos comiquement grand. Les possibilités de caractéristiques exagérées sont presque infinies et dépendent complètement de ce que vous voulez souligner à propos de votre personnage.
Un bon moyen de travailler sur le renforcement de vos compétences en matière d’exagération est de vous entraîner à créer des dessins de style caricatural à partir de références réelles. ‘Drawing Caricatures’ par LoopyDave est une excellente ressource pour ceux qui veulent s’y essayer!
Le costume et les accessoires d’un personnage peuvent être vitaux pour l’efficacité de votre design. Un bon design de personnage est celui dont le costume est bien réfléchi et reflète fortement à la fois sa personnalité et son contexte.
Avant même de commencer à concevoir les vêtements de votre personnage, faites d’abord des recherches sur l’endroit où il vit et le type d’activités que votre personnage devra effectuer. Un bon costume sera fonctionnel dans le cadre du personnage.
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Ceci peut être un peu délicat lorsque vous débutez. Heureusement, ‘Illustration numérique pour débutants’ de Laia Lopez, vous fournira l’introduction parfaite à la conception de costumes pour les personnages!
Posez-vous des questions comme :  ; Vivent-ils dans un climat froid ? Ont-ils besoin de vêtements ou d’accessoires spéciaux pour y vivre ? Leurs vêtements sont-ils adaptés à leur profession ? Etc. Une fois que vous aurez recherché tous ces facteurs, vous pourrez passer à l’ajout d’un peu de personnalité à la conception du costume.
Quelles sont les couleurs que votre personnage aime ? Que représentent-elles à propos du personnage ? Les couleurs, les motifs, les textures et les formes que vous utilisez dans les vêtements de votre personnage ont le potentiel de communiquer beaucoup de choses sur votre personnage.
Lorsque vous créez des personnages, il est important de réfléchir à ce que sera la disposition générale de votre personnage. Pour décider de cela, pensez à quel type de comportements votre personnage aurait par défaut dans une journée moyenne. Est-il timide, confiant, courageux, extraverti, paresseux, travailleur, ou toute autre personnalité générale de base à laquelle vous pouvez penser ? Comprendre la personnalité de votre personnage vous aidera à choisir de meilleures poses et expressions lors de l’illustration !
Alors que la personnalité est statique, les émotions d’un personnage peuvent toujours changer. C’est quelque chose qui devrait être représenté dans vos dessins. Par exemple, un personnage qui est habituellement confiant aura toujours des moments où il se sentira timide, en fonction des circonstances.
Il y a aussi des moments où le personnage est timide
Chaque personnage exprimera ses émotions différemment, il est donc important d’en tenir compte lorsque vous choisissez les expressions faciales !
Comme toute personne réelle, vos personnages devraient avoir des choses qu’ils veulent vraiment obtenir ou réaliser. Ces désirs les rendront beaucoup plus intéressants pour votre public, car ils donnent à vos personnages quelque chose vers quoi travailler !
Les désirs d’un personnage détermineront les actions qu’il est susceptible d’effectuer, ce qui rendra beaucoup plus facile le choix des poses clés pour illustrer votre personnage.
Les désirs d’un personnage déterminent les actions qu’il est susceptible d’effectuer
Pour en apprendre des tonnes sur la création de personnages émotifs avec des personnalités bien définies, consultez ‘Creating Expressive Characters’ par le concepteur de personnages Kenneth Anderson !
Lorsque vous concevez vos personnages, il est utile de comprendre certaines des principales différences entre les proportions et le langage des formes des hommes et des femmes.
Une bonne façon d’acquérir une compréhension de ces différences est d’étudier fréquemment des références photographiques ou réelles. Bien que les proportions de chacun soient totalement uniques à soi et que tout le monde ne rentre pas dans ces catégories de genre, il existe quelques règles de base que vous pouvez appliquer à votre travail pour que vos personnages paraissent plus masculins ou féminins.
Lorsqu’il s’agit d’illustrer des visages, il existe quelques différences essentielles entre les visages masculins et féminins. Par rapport à un visage féminin, un visage masculin aura tendance à avoir :
Par rapport aux visages masculins, les femmes ont généralement:
En raison de niveaux hormonaux variables, les hommes et les femmes vont avoir des compositions corporelles différentes. Surtout quand il s’agit de savoir où nous sommes susceptibles de retenir la graisse et comment nous gagnons du muscle. Certaines choses importantes à noter à ce sujet sont :
Il est important de noter, qu’en raison de l’impressionnante diversité de la génétique humaine dans le monde, peu d’hommes et de femmes répondront à chacune de ces règles. C’est une excellente nouvelle ! Cela signifie qu’une fois que vous avez une compréhension générale de ces caractéristiques, vous pouvez choisir lesquels de ces traits masculins et féminins correspondent le mieux à vos conceptions de personnages !
Poser correctement vos personnages peut être l’une des parties les plus importantes du processus de conception. La pose de votre personnage peut communiquer beaucoup sur sa personnalité à votre public!
La première étape pour créer des poses de personnages étonnantes est le dessin de gestes ! Pratiquer le dessin de gestes à partir de références de vie, de films ou de photographies est un excellent moyen de rendre vos poses de personnages plus dynamiques. Ici, à 21 Draw, nous avons un cours génial qui vous apprendra tout sur ‘Gesture Drawing’ et comment développer vos compétences en dessin de pose !
Quelques conseils de dessin de gestes pour vous aider à démarrer:
La pose que vous choisissez pour votre personnage peut communiquer beaucoup sur sa personnalité, ses émotions et ses désirs.
Par exemple, l’utilisation d’une ligne d’action concave (en forme de c,) pour la pose de votre personnage peut l’aider à paraître timide ou triste, tandis qu’une courbe convexe peut être utilisée pour le faire paraître plus confiant ou heureux.
Donc, avant de choisir votre pose, réfléchissez à ce que vous voulez dire de votre personnage et à la meilleure façon d’illustrer cette information par des courbes, des inclinaisons et des expressions !
Il y a tellement de façons différentes de modifier la pose de votre personnage pour la rendre plus efficace. Si vous êtes intéressé à améliorer votre pose, Tony Bancroft a un cours incroyable sur ‘Drawing Character Poses with Personality’ que je recommande fortement de vérifier!
Une fois votre design cloué sur place, vous pouvez commencer à réfléchir à la façon dont vous allez poser votre personnage. Un moyen facile de vérifier si votre pose fonctionne ou non est de créer une silhouette de la pose et de voir si elle se lit toujours bien. Les bonnes poses sont facilement compréhensibles même lorsqu’elles sont silhouettées !
Comme vous pouvez le voir avec la pose de gauche, lorsque la pose du personnage est silhouettée, ses pompons de pom-pom girls et la plupart de son costume sont masqués en raison de la pose, ce qui rend difficile d’avoir un aperçu de son caractère.
Par contre, dans la pose de droite, son action et son design restent clairs, même lorsqu’elle est silhouettée – communiquant beaucoup plus d’informations sur le personnage au téléspectateur.
En faisant des choix de pose forts pour vos personnages, vous améliorerez considérablement la lisibilité de vos dessins de personnages !
Vous avez déjà travaillé sur une pièce pendant si longtemps que vous ne pouvez plus vraiment dire s’il y a des erreurs ? Il peut être vraiment difficile de voir les erreurs dans votre propre travail, il est donc vraiment important de chercher à obtenir du feedback!
Pour beaucoup de débutants, ce feedback viendra de leurs professeurs. Cependant, si vous n’étudiez pas, il y a encore quelques endroits où vous pouvez obtenir du feedback, notamment en demandant à vos amis, à votre famille, ou même à d’autres artistes en ligne ! Il y a des tonnes d’artistes adorables sur les médias sociaux qui seront heureux de vous aider si vous le demandez !
Une fois que vous avez finalisé le design de votre personnage, vous serez prêt à commencer à réfléchir aux couleurs que vous voulez utiliser dans votre illustration.
Les couleurs que vous choisissez pour votre personnage peuvent dicter beaucoup de choses sur le type de personnage qu’il est ainsi que sur la façon dont il se démarquera de son environnement prévu. Pour faciliter cette décision, vous pouvez choisir un schéma de couleurs spécifique pour votre conception.
L’artiste talentueuse Meike Schneider a des leçons incroyables sur la théorie des couleurs dans son cours ‘Dessiner un personnage féminin’ qui vous aideront vraiment à comprendre ces combinaisons de couleurs !
Voici quelques-unes des combinaisons de couleurs géniales que vous pourriez vouloir essayer!
Les couleurs complémentaires sont l’exact opposé l’une de l’autre sur la roue chromatique. Cela donne un aspect très contrasté et audacieux. Si vous voulez que votre personnage se démarque, un schéma de couleurs complémentaires est parfait !
Comme vous pouvez le voir dans l’exemple ci-dessous, l’utilisation de couleurs complémentaires pour le design d’un personnage permet vraiment de faire ressortir les détails dans l’illustration ! Cela peut être un outil utile lorsque vous créez un protagoniste qui doit être le centre d’intérêt de votre dessin.
Un schéma de couleurs monochromatiques utilise uniquement les tons, teintes et nuances d’une seule teinte sur la roue chromatique. Cela crée un aspect vraiment unique et souvent émotif dans une illustration. Si vous cherchez à faire des choix de couleurs relativement simples, cette méthode pourrait être la meilleure pour vous!
Ce schéma de couleurs est idéal pour créer des personnages aux traits bien définis qui peuvent être mieux exprimés par une couleur spécifique. Si vous avez un design de personnage très complexe, les couleurs monochromatiques peuvent également aider à simplifier leur apparence et à la rendre plus attrayante sur le plan visuel.
Un schéma de couleurs monochromatiques est également un excellent choix si vous cherchez à améliorer votre compréhension des valeurs lors de la coloration et de l’ombrage de votre travail!
Si vous cherchez à avoir un peu plus de variation dans votre palette de couleurs, la méthode triadique pourrait être ce qu’il vous faut ! Ces combinaisons de couleurs utilisent 3 couleurs qui sont également espacées sur la roue chromatique.
Lorsqu’il s’agit d’utiliser des couleurs triadiques, il est préférable de choisir l’une des trois pour être la plus proéminente dans vos illustrations et d’utiliser les 2 autres pour mettre en valeur les petits détails.
Cette combinaison de couleurs crée un look très vivant, même lorsque les couleurs sont atténuées. Il est mieux utilisé pour les personnages ayant une énergie ludique, car ces combinaisons de couleurs peuvent souvent donner une impression de jeunesse. Les couleurs triadiques sont donc parfaites pour les personnages destinés à un public plus jeune !
Lorsqu’il s’agit d’utiliser des couleurs chaudes par rapport à des couleurs froides, il y a quelques éléments clés à prendre en compte. Lorsqu’ils sont ajoutés à une illustration, les objets de couleur chaude sembleront généralement plus proches du spectateur, tandis que les objets plus froids sembleront plus éloignés.
Cela est dû à la perspective atmosphérique, qui n’est essentiellement que l’effet des particules dans l’atmosphère faisant que les choses plus éloignées ont une teinte bleutée.
La température de couleur de vos personnages aura un effet similaire, par exemple, les personnages aux couleurs plus chaudes se démarqueront et se sentiront en confiance, tandis que les personnages aux tons plus froids pourront paraître plus fermés et mystérieux.
Cependant, comme toute chose en art, ces règles peuvent être brisées si vous avez envie d’expérimenter pour créer des designs plus inattendus !
Il y a deux façons principales pour les artistes d’ajouter de la couleur à leurs illustrations. La première, probablement la méthode la plus évidente, est de commencer tout de suite avec de la couleur ou en dessous de votre dessin au trait. Cette méthode est excellente lorsque vous savez déjà quelles couleurs vous voulez utiliser et elle donne une sensation similaire à celle de la coloration ou de la peinture traditionnelle.
Cependant, une autre option de coloration consiste à d’abord peindre numériquement votre personnage en niveaux de gris avant d’utiliser une gamme de couches de mélange de couleurs pour finaliser l’aspect de votre pièce.
Cette méthode vous permet d’expérimenter davantage avec les couleurs de votre dessin, tout en obtenant les valeurs correctes dans votre ombrage. Si vous essayez actuellement d’améliorer vos compétences en matière d’éclairage et d’ombrage, je vous recommande vraiment d’essayer cette méthode !co
Alors, maintenant que vous avez tous ces conseils géniaux sur la conception de personnages, êtes-vous prêt à commencer à créer vos propres personnages ?
Si vous voulez en apprendre ENCORE PLUS, vous pouvez trouver les cours géniaux mentionnés dans ce post ici!
Rhea
Rhea est une artiste conceptuelle australienne qui étudie actuellement à l'université Griffith. Elle est passionnée par la diffusion de son amour de l'art auprès des autres.
These are excellent tips. I feel grateful that I had the opportunity to read this post!
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