Dernier jour des soldes ! 75% sur l'adhésion annuelle.
Rhea
Le langage corporel est une technique qui communique des informations sur votre personnage en utilisant des formes basiques et familières. Les formes primaires que vous choisissez détermineront la façon dont votre public percevra votre personnage, il est donc important de prendre en considération la signification de chaque forme.
Le superbe livre de 21 Draw Le dessinateur de personnages est une excellente ressource si vous souhaitez en savoir plus sur la manière d’utiliser cette technique efficacement !
Le cercle : Les personnages ronds sont généralement amicaux et extravertis, le genre de personnages que vous avez envie de prendre dans vos bras. Cette forme est parfaite pour les Soignants, les enfants et autres personnages doux et innocents.
Le carré : Le langage corporel carré est idéal pour les personnages forts, fiables et confiants. Ce qui est intéressant avec cette forme, c’est qu’elle peut être utilisée pour créer des personnages intimidants ou réconfortants selon la manière dont vous l’utilisez. Vous trouverez souvent des carrés dans des héros ou des pères.
Le triangle : Connue comme la forme maléfique, les triangles sont généralement utilisés dans les personnages antagonistes. Le langage corporel triangulaire peut sembler assez agressif, c’est pourquoi ces personnages sont souvent considérés comme sinistres et imprévisibles. Il est important de noter que plus les formes triangulaires sont étirées, plus votre personnage aura l’air menaçant !
Remarque : Votre personnage ne doit pas inclure qu’une seule forme ! Les personnages complexes seront souvent une combinaison de deux formes. Par exemple, votre personnage peut être à la fois fort et gentil, ou maléfique et confiant.
Il existe de nombreux facteurs d’efficacité d’un design de personnage. Voici quelques conseils pour garantir de bons designs !
Tout d’abord, le croquis. Lorsque vous créez un personnage, il est très important de créer plusieurs versions. Ces petits croquis sont généralement appelés miniatures.
La création de plusieurs croquis permet d’affiner le design en identifiant les éléments les plus efficaces.
.com/andrew_erickson
Ce processus est indispensable chez les professionnels pour améliorer leur travail. Comme vous pouvez le voir dans ces miniatures d’Obsidian du designer Andrew Erickson, c’est une technique géniale pour tester plein d’idées.
Que cherchez-vous à communiquer avec votre design ?
Lorsque vous créez des personnages mémorables, il est super important de réfléchir à ce que vous essayez de communiquer avec votre design. Quelques facteurs que vous devrez prendre en considération sont l’exagération du personnage, le costume et les accessoires.
Si vous voulez que vos personnages laissent une impression forte et durable, il faudra exagérer vos designs. Accentuez certaines parties du personnage, simplifiez-en d’autres pour mieux transmettre leur personnalité.
Un bon design de personnage est reconnaissable même dans un style très simpliste. Par exemple, les super-héros populaires ont des caractéristiques distinctives qui restent identifiables quel que soit le style de dessin.!
Pour décider quelles parties de votre personnage exagérer, identifiez les traits principaux de sa personnalité et de son histoire. Par exemple, si votre personnage est timide et très à l’écoute, il pourrait avoir de grandes oreilles et une petite bouche.
Ou peut-être que votre personnage part en voyage mais qu’il est anxieux et essaie de se préparer trop, alors il a un sac à dos comiquement grand. Les possibilités de traits exagérés sont presque infinies et dépendent entièrement de ce que vous voulez mettre en avant chez votre personnage.
Une bonne façon de développer vos compétences en exagération est de pratiquer la création de dessins de style caricature à partir de références réelles. “Dessiner des caricatures” par LoopyDave est un cours excellent !
Le costume et les accessoires d’un personnage sont essentiels pour l’efficacité de votre design. Un bon design de personnage intègre un costume bien pensé qui reflète sa personnalité et son contexte.
Avant même de commencer à concevoir les vêtements de votre personnage, faites des recherches sur son environnement et ses activités. Le costume doit être fonctionnel.
Cela peut être un peu difficile lorsque vous débutez.Illustration numérique pour débutants de Laia Lopez est l’introduction parfaite à la conception de costumes !
Posez-vous des questions comme : Vivent-ils dans un climat froid ? Ont-ils besoin de vêtements ou d’accessoires spéciaux pour y vivre ? Leurs vêtements sont-ils adaptés à leur occupation ? Une fois que vous avez étudié tous ces facteurs, vous pourrez passer à l’ajout de personnalité à la conception du costume.
Quelles couleurs votre personnage aime-t-il ? Qu’est-ce qu’elles représentent sur le personnage ? Les couleurs, les motifs, les textures et les formes que vous utilisez dans les vêtements de votre personnage communiquent beaucoup de choses.
Quand vous créez des personnages, pensez à leur attitude générale. Imaginez comment ils se comporteraient au quotidien. Sont-ils timides, confiants, courageux, extravertis, paresseux, travailleurs, ou ont-ils une autre personnalité ? Comprendre la personnalité de votre personnage vous guidera dans le choix des poses et des expressions lors de l’illustration !
Bien que la personnalité soit stable, les émotions d’un personnage peuvent fluctuer. C’est quelque chose qui devrait transparaître dans vos créations. Par exemple, un personnage habituellement confiant peut parfois se sentir timide selon les circonstances.
Chaque personnage exprimera ses émotions différemment, il est donc important de le prendre en compte quand vous choisissez des expressions faciales !
Comme toute personne réelle, vos personnages ont des objectifs ou des désirs qu’ils cherchent à accomplir. Cela les rend bien plus captivants, avec un but à poursuivre !
Les désirs d’un personnage influenceront les actions qu’il est susceptible de poser, rendant ainsi plus facile le choix des poses clés pour illustrer votre personnage.
Pour en savoir plus sur la création de personnages expressifs avec des personnalités bien définies, consultez Créer des personnages expressifs par le designer Kenneth Anderson !
Quand vous créez vos personnages, il est utile de comprendre les principales différences entre les proportions et le langage des formes masculines et féminines.
Pour mieux saisir ces différences, rien de tel que d’étudier régulièrement des références photos ou de la vie réelle. Même si les proportions de chacun sont uniques et que tout le monde ne se conforme pas nécessairement à ces catégories de genre, il y a quelques règles de base que vous pouvez appliquer à votre travail pour rendre vos personnages plus masculins ou féminins.
Quand on dessine des visages, il y a quelques différences principales entre les visages masculins et féminins. Comparé à un visage féminin, un visage masculin aura tendance à avoir :
En revanche, les visages féminins ont tendance à avoir :
En raison des différences hormonales, les hommes et les femmes ont des morphologies différentes, notamment la répartition des graisses et la musculature.
Il est important de noter que, en raison de la diversité génétique, pas tous les hommes et femmes ne correspondent à ces règles. C’est une bonne nouvelle ! Une fois que vous comprenez ces caractéristiques, vous pouvez choisir celles qui conviennent le mieux à vos personnages !
Trouver les bonnes poses pour vos personnages est essentiel dans le processus de conception. La manière dont un personnage se tient en dit long sur sa personnalité !
Pour créer des poses de personnages incroyables, commencez par le dessin gestuel ! Le pratiquerl à partir de références de la vie réelle, de films ou de photos rend vos poses de personnages plus dynamiques. Chez 21 Draw, on propose un cours fantastique qui vous apprendra tout sur le dessin gestuel pour améliorer vos compétences !
Petits conseils pour le dessin gestuel
La pose de votre personnage en dit long sur sa personnalité, ses émotions et ses désirs.
Par exemple, utiliser une ligne d’action concave (en forme de “c”) pour la pose de votre personnage peut lui donner l’air timide ou triste, tandis qu’une courbe convexe peut être utilisée pour le rendre plus confiant ou heureux.
Avant de choisir votre pose, réfléchissez à ce que vous souhaitez exprimer sur votre personnage et comment illustrer ces informations à travers les courbes, les inclinaisons et les expressions !
Il y a tellement de façons différentes de rendre la pose de votre personnage plus efficace. Si vous voulez améliorer vos poses, je vous recommande vivement le cours de Tony Bancroft sur Dessiner des poses qui ont de la personnalité !
Après avoir finalisé votre design, pensez à la pose de votre personnage. Un moyen simple de vérifier si la pose fonctionne est de créer une silhouette et de voir si elle reste lisible. Les bonnes poses sont facilement compréhensibles même en ombre chinoise !
Dans la pose de gauche, quand le personnage est en silhouette, ses pompons de pom-pom girl et une partie de son costume sont cachés à cause de la pose, ce qui rend difficile de comprendre son caractère.
avec la pose à droite, son action et son design restent clairs même en silhouette, transmettant beaucoup plus d’informations sur le personnage au spectateur.
En faisant des choix de pose forts pour vos personnages, vous améliorerez considérablement la lisibilité de votre personnage !
Vous avez déjà travaillé sur un dessin tellement longtemps que vous ne pouvez plus vraiment dire s’il a des erreurs ? C’est parfois difficile de repérer les défauts dans son propre travail, il est donc vraiment important d’avoir des retours !
Pour beaucoup de débutants, ces retours viennent de leurs professeurs. Mais même si vous n’êtes pas en cours d’études, vous pouvez demander des retours à vos amis, à votre famille ou même à d’autres artistes en ligne ! Il y a plein d’artistes sympas sur les réseaux qui seront ravis de vous aider !
Une fois votre design de personnage finalisé, vous pourrez penser aux couleurs que vous souhaitez utiliser dans votre illustration.
Les couleurs de votre personnage en diront beaucoup sur ce qu’ils sont et sur la manière dont ils se distinguent de leur environnement. Pour vous aider à choisir, vous pouvez sélectionner un schéma de couleurs.
La talentueuse Meike Schneider propose d’excellentes leçons sur la théorie des couleurs dans son cours Dessiner un personnage féminin qui vous aideront vraiment à comprendre ces combinaisons de couleurs !
Voici des superbes schémas de couleurs que vous pouvez essayer !
Les couleurs complémentaires se trouvent à l’opposé l’une de l’autre sur la roue chromatique. Cela crée un contraste fort et audacieux. Si vous voulez que votre personnage se démarque, un schéma de couleurs complémentaires est idéal !
Comme on le voit dans cet exemple, l’utilisation de couleurs complémentaires chez un personnage permet aux détails de bien ressortir ! C’est utile quand vous créez un protagoniste qui doit attirer l’attention dans votre dessin.
Un schéma de couleurs monochromes se limite aux nuances, teintes et tons d’une même couleur sur la roue chromatique. Cela donne un look unique et plein d’émotions. Si vous préférez des choix de couleurs simples, c’est une méthode idéale !
Ce schéma de couleurs fonctionne bien pour définir les traits d’un personnage qui peuvent être mieux exprimés avec une couleur spécifique. Si vous avez un personnage au design complexe, les couleurs monochromatiques peuvent simplifier son apparence et la rendre plus attrayante.
Utiliser un schéma de couleurs monochromatiques est également un bon moyen d’améliorer votre compréhension des valeurs lors de la coloration et de l’ombrage !
Pour apporter davantage de variété à votre palette de couleurs, la méthode triadique est une excellente option ! Elle consiste à utiliser trois couleurs également espacées sur le cercle chromatique.
Dans ce cas, privilégiez une couleur dominantes pour votre illustration, les deux autres serviront à mettre en valeur les détails.
Ce schéma de couleurs offre un rendu dynamique, même avec des tons doux. Il convient parfaitement aux personnages énergiques et ludiques, ce qui en fait un choix idéal pour les œuvres destinées à un public plus jeune !
En ce qui concerne les couleurs chaudes et froides, retenez que les objets chauds semblent plus proches du spectateur, tandis que les objets froids semblent plus éloignés.
Cela est dû à la perspective atmosphérique, l’effet des particules dans l’atmosphère renddnt les choses éloignées avec une teinte bleutée.
La température de couleur de vos personnages aura un effet similaire. Les personnages de couleur chaude se démarqueront et sembleront confiants, tandis que les personnages aux tons plus froids peuvent sembler plus fermés et mystérieux.
However, just like anything else in art, these rules can be broken if you feel like experimenting to create more unexpected designs!
Il y a deux grandes méthodes pour ajouter de la couleur à une illustration. La plus évidente, c’est d’appliquer directement la couleur, soit par-dessus, soit sous vos traits. C’est idéal si vous avez une idée précise des couleurs que vous souhaitez utiliser, et c’est un rendu assez proche de la peinture traditionnelle.
Une autre option consiste d’abord à peindre numériquement votre personnage en niveaux de gris, puis à utiliser une gamme de calques de fusion de couleur pour finaliser votre œuvre.
Cette méthode permet d’expérimenter davantage tout en obtenant les bonnes valeurs d’ombrage. Si vous essayez d’améliorer vos compétences en éclairage et en ombrage, je vous recommande vivement d’essayer cette méthode !
Maintenant que vous connaissez ces super conseils, vous êtes prêt à créer vos propres personnages ?
Si vous vouelz en savoir ENCORE PLUS, retrouvez nos cours géniaux mentionnés dans ce post !!
Une fois conscient de ces archétypes, vous pourrez créer des designs qui communiqueront clairement la personnalité de votre personnage. Si aucune de ces catégories ne convient, vous pouvez les combiner pour créer des designs uniques !
Quand on crée un personnage, il est important de savoir qui est son public cible. Par exemple, un design qui plaît aux enfants ne plaît pas toujours aux adultes, et vice versa. Avant de commencer votre design, prenez un moment pour réfléchir à votre public. Quel âge a-t-il ? De quel(s) genre(s) ? Où vit-il ? Répondre à ces questions vous permettra d’adapter vos designs et donc de garantir que votre personnage soit engageant.
Jetez un œil à ces deux designs de Raven des Teen Titans. Le premier design est destiné aux jeunes enfants tandis que le second est destiné aux adolescents. Des designs simplifiés sont préférables pour les jeunes téléspectateurs.
Le langage corporel est une technique qui communique des informations sur votre personnage en utilisant des formes basiques et familières. Les formes primaires que vous choisissez détermineront la façon dont votre public percevra votre personnage, il est donc important de prendre en considération la signification de chaque forme.
Le superbe livre de 21 Draw Le dessinateur de personnages est une excellente ressource si vous souhaitez en savoir plus sur la manière d’utiliser cette technique efficacement !
Le cercle : Les personnages ronds sont généralement amicaux et extravertis, le genre de personnages que vous avez envie de prendre dans vos bras. Cette forme est parfaite pour les Soignants, les enfants et autres personnages doux et innocents.
Le carré : Le langage corporel carré est idéal pour les personnages forts, fiables et confiants. Ce qui est intéressant avec cette forme, c’est qu’elle peut être utilisée pour créer des personnages intimidants ou réconfortants selon la manière dont vous l’utilisez. Vous trouverez souvent des carrés dans des héros ou des pères.
Le triangle : Connue comme la forme maléfique, les triangles sont généralement utilisés dans les personnages antagonistes. Le langage corporel triangulaire peut sembler assez agressif, c’est pourquoi ces personnages sont souvent considérés comme sinistres et imprévisibles. Il est important de noter que plus les formes triangulaires sont étirées, plus votre personnage aura l’air menaçant !
Remarque : Votre personnage ne doit pas inclure qu’une seule forme ! Les personnages complexes seront souvent une combinaison de deux formes. Par exemple, votre personnage peut être à la fois fort et gentil, ou maléfique et confiant.
Il existe de nombreux facteurs d’efficacité d’un design de personnage. Voici quelques conseils pour garantir de bons designs !
Tout d’abord, le croquis. Lorsque vous créez un personnage, il est très important de créer plusieurs versions. Ces petits croquis sont généralement appelés miniatures.
La création de plusieurs croquis permet d’affiner le design en identifiant les éléments les plus efficaces.
.com/andrew_erickson
Ce processus est indispensable chez les professionnels pour améliorer leur travail. Comme vous pouvez le voir dans ces miniatures d’Obsidian du designer Andrew Erickson, c’est une technique géniale pour tester plein d’idées.
Que cherchez-vous à communiquer avec votre design ?
Lorsque vous créez des personnages mémorables, il est super important de réfléchir à ce que vous essayez de communiquer avec votre design. Quelques facteurs que vous devrez prendre en considération sont l’exagération du personnage, le costume et les accessoires.
Si vous voulez que vos personnages laissent une impression forte et durable, il faudra exagérer vos designs. Accentuez certaines parties du personnage, simplifiez-en d’autres pour mieux transmettre leur personnalité.
Un bon design de personnage est reconnaissable même dans un style très simpliste. Par exemple, les super-héros populaires ont des caractéristiques distinctives qui restent identifiables quel que soit le style de dessin.!
Pour décider quelles parties de votre personnage exagérer, identifiez les traits principaux de sa personnalité et de son histoire. Par exemple, si votre personnage est timide et très à l’écoute, il pourrait avoir de grandes oreilles et une petite bouche.
Ou peut-être que votre personnage part en voyage mais qu’il est anxieux et essaie de se préparer trop, alors il a un sac à dos comiquement grand. Les possibilités de traits exagérés sont presque infinies et dépendent entièrement de ce que vous voulez mettre en avant chez votre personnage.
Une bonne façon de développer vos compétences en exagération est de pratiquer la création de dessins de style caricature à partir de références réelles. “Dessiner des caricatures” par LoopyDave est un cours excellent !
Le costume et les accessoires d’un personnage sont essentiels pour l’efficacité de votre design. Un bon design de personnage intègre un costume bien pensé qui reflète sa personnalité et son contexte.
Avant même de commencer à concevoir les vêtements de votre personnage, faites des recherches sur son environnement et ses activités. Le costume doit être fonctionnel.
Cela peut être un peu difficile lorsque vous débutez.Illustration numérique pour débutants de Laia Lopez est l’introduction parfaite à la conception de costumes !
Posez-vous des questions comme : Vivent-ils dans un climat froid ? Ont-ils besoin de vêtements ou d’accessoires spéciaux pour y vivre ? Leurs vêtements sont-ils adaptés à leur occupation ? Une fois que vous avez étudié tous ces facteurs, vous pourrez passer à l’ajout de personnalité à la conception du costume.
Quelles couleurs votre personnage aime-t-il ? Qu’est-ce qu’elles représentent sur le personnage ? Les couleurs, les motifs, les textures et les formes que vous utilisez dans les vêtements de votre personnage communiquent beaucoup de choses.
Quand vous créez des personnages, pensez à leur attitude générale. Imaginez comment ils se comporteraient au quotidien. Sont-ils timides, confiants, courageux, extravertis, paresseux, travailleurs, ou ont-ils une autre personnalité ? Comprendre la personnalité de votre personnage vous guidera dans le choix des poses et des expressions lors de l’illustration !
Bien que la personnalité soit stable, les émotions d’un personnage peuvent fluctuer. C’est quelque chose qui devrait transparaître dans vos créations. Par exemple, un personnage habituellement confiant peut parfois se sentir timide selon les circonstances.
Chaque personnage exprimera ses émotions différemment, il est donc important de le prendre en compte quand vous choisissez des expressions faciales !
Comme toute personne réelle, vos personnages ont des objectifs ou des désirs qu’ils cherchent à accomplir. Cela les rend bien plus captivants, avec un but à poursuivre !
Les désirs d’un personnage influenceront les actions qu’il est susceptible de poser, rendant ainsi plus facile le choix des poses clés pour illustrer votre personnage.
Pour en savoir plus sur la création de personnages expressifs avec des personnalités bien définies, consultez Créer des personnages expressifs par le designer Kenneth Anderson !
Quand vous créez vos personnages, il est utile de comprendre les principales différences entre les proportions et le langage des formes masculines et féminines.
Pour mieux saisir ces différences, rien de tel que d’étudier régulièrement des références photos ou de la vie réelle. Même si les proportions de chacun sont uniques et que tout le monde ne se conforme pas nécessairement à ces catégories de genre, il y a quelques règles de base que vous pouvez appliquer à votre travail pour rendre vos personnages plus masculins ou féminins.
Quand on dessine des visages, il y a quelques différences principales entre les visages masculins et féminins. Comparé à un visage féminin, un visage masculin aura tendance à avoir :
En revanche, les visages féminins ont tendance à avoir :
En raison des différences hormonales, les hommes et les femmes ont des morphologies différentes, notamment la répartition des graisses et la musculature.
Il est important de noter que, en raison de la diversité génétique, pas tous les hommes et femmes ne correspondent à ces règles. C’est une bonne nouvelle ! Une fois que vous comprenez ces caractéristiques, vous pouvez choisir celles qui conviennent le mieux à vos personnages !
Trouver les bonnes poses pour vos personnages est essentiel dans le processus de conception. La manière dont un personnage se tient en dit long sur sa personnalité !
Pour créer des poses de personnages incroyables, commencez par le dessin gestuel ! Le pratiquerl à partir de références de la vie réelle, de films ou de photos rend vos poses de personnages plus dynamiques. Chez 21 Draw, on propose un cours fantastique qui vous apprendra tout sur le dessin gestuel pour améliorer vos compétences !
Petits conseils pour le dessin gestuel
La pose de votre personnage en dit long sur sa personnalité, ses émotions et ses désirs.
Par exemple, utiliser une ligne d’action concave (en forme de “c”) pour la pose de votre personnage peut lui donner l’air timide ou triste, tandis qu’une courbe convexe peut être utilisée pour le rendre plus confiant ou heureux.
Avant de choisir votre pose, réfléchissez à ce que vous souhaitez exprimer sur votre personnage et comment illustrer ces informations à travers les courbes, les inclinaisons et les expressions !
Il y a tellement de façons différentes de rendre la pose de votre personnage plus efficace. Si vous voulez améliorer vos poses, je vous recommande vivement le cours de Tony Bancroft sur Dessiner des poses qui ont de la personnalité !
Après avoir finalisé votre design, pensez à la pose de votre personnage. Un moyen simple de vérifier si la pose fonctionne est de créer une silhouette et de voir si elle reste lisible. Les bonnes poses sont facilement compréhensibles même en ombre chinoise !
Dans la pose de gauche, quand le personnage est en silhouette, ses pompons de pom-pom girl et une partie de son costume sont cachés à cause de la pose, ce qui rend difficile de comprendre son caractère.
avec la pose à droite, son action et son design restent clairs même en silhouette, transmettant beaucoup plus d’informations sur le personnage au spectateur.
En faisant des choix de pose forts pour vos personnages, vous améliorerez considérablement la lisibilité de votre personnage !
Vous avez déjà travaillé sur un dessin tellement longtemps que vous ne pouvez plus vraiment dire s’il a des erreurs ? C’est parfois difficile de repérer les défauts dans son propre travail, il est donc vraiment important d’avoir des retours !
Pour beaucoup de débutants, ces retours viennent de leurs professeurs. Mais même si vous n’êtes pas en cours d’études, vous pouvez demander des retours à vos amis, à votre famille ou même à d’autres artistes en ligne ! Il y a plein d’artistes sympas sur les réseaux qui seront ravis de vous aider !
Une fois votre design de personnage finalisé, vous pourrez penser aux couleurs que vous souhaitez utiliser dans votre illustration.
Les couleurs de votre personnage en diront beaucoup sur ce qu’ils sont et sur la manière dont ils se distinguent de leur environnement. Pour vous aider à choisir, vous pouvez sélectionner un schéma de couleurs.
La talentueuse Meike Schneider propose d’excellentes leçons sur la théorie des couleurs dans son cours Dessiner un personnage féminin qui vous aideront vraiment à comprendre ces combinaisons de couleurs !
Voici des superbes schémas de couleurs que vous pouvez essayer !
Les couleurs complémentaires se trouvent à l’opposé l’une de l’autre sur la roue chromatique. Cela crée un contraste fort et audacieux. Si vous voulez que votre personnage se démarque, un schéma de couleurs complémentaires est idéal !
Comme on le voit dans cet exemple, l’utilisation de couleurs complémentaires chez un personnage permet aux détails de bien ressortir ! C’est utile quand vous créez un protagoniste qui doit attirer l’attention dans votre dessin.
Un schéma de couleurs monochromes se limite aux nuances, teintes et tons d’une même couleur sur la roue chromatique. Cela donne un look unique et plein d’émotions. Si vous préférez des choix de couleurs simples, c’est une méthode idéale !
Ce schéma de couleurs fonctionne bien pour définir les traits d’un personnage qui peuvent être mieux exprimés avec une couleur spécifique. Si vous avez un personnage au design complexe, les couleurs monochromatiques peuvent simplifier son apparence et la rendre plus attrayante.
Utiliser un schéma de couleurs monochromatiques est également un bon moyen d’améliorer votre compréhension des valeurs lors de la coloration et de l’ombrage !
Pour apporter davantage de variété à votre palette de couleurs, la méthode triadique est une excellente option ! Elle consiste à utiliser trois couleurs également espacées sur le cercle chromatique.
Dans ce cas, privilégiez une couleur dominantes pour votre illustration, les deux autres serviront à mettre en valeur les détails.
Ce schéma de couleurs offre un rendu dynamique, même avec des tons doux. Il convient parfaitement aux personnages énergiques et ludiques, ce qui en fait un choix idéal pour les œuvres destinées à un public plus jeune !
En ce qui concerne les couleurs chaudes et froides, retenez que les objets chauds semblent plus proches du spectateur, tandis que les objets froids semblent plus éloignés.
Cela est dû à la perspective atmosphérique, l’effet des particules dans l’atmosphère renddnt les choses éloignées avec une teinte bleutée.
La température de couleur de vos personnages aura un effet similaire. Les personnages de couleur chaude se démarqueront et sembleront confiants, tandis que les personnages aux tons plus froids peuvent sembler plus fermés et mystérieux.
However, just like anything else in art, these rules can be broken if you feel like experimenting to create more unexpected designs!
Il y a deux grandes méthodes pour ajouter de la couleur à une illustration. La plus évidente, c’est d’appliquer directement la couleur, soit par-dessus, soit sous vos traits. C’est idéal si vous avez une idée précise des couleurs que vous souhaitez utiliser, et c’est un rendu assez proche de la peinture traditionnelle.
Une autre option consiste d’abord à peindre numériquement votre personnage en niveaux de gris, puis à utiliser une gamme de calques de fusion de couleur pour finaliser votre œuvre.
Cette méthode permet d’expérimenter davantage tout en obtenant les bonnes valeurs d’ombrage. Si vous essayez d’améliorer vos compétences en éclairage et en ombrage, je vous recommande vivement d’essayer cette méthode !
Maintenant que vous connaissez ces super conseils, vous êtes prêt à créer vos propres personnages ?
Si vous vouelz en savoir ENCORE PLUS, retrouvez nos cours géniaux mentionnés dans ce post !!
Une fois conscient de ces archétypes, vous pourrez créer des designs qui communiqueront clairement la personnalité de votre personnage. Si aucune de ces catégories ne convient, vous pouvez les combiner pour créer des designs uniques !
Quand on crée un personnage, il est important de savoir qui est son public cible. Par exemple, un design qui plaît aux enfants ne plaît pas toujours aux adultes, et vice versa. Avant de commencer votre design, prenez un moment pour réfléchir à votre public. Quel âge a-t-il ? De quel(s) genre(s) ? Où vit-il ? Répondre à ces questions vous permettra d’adapter vos designs et donc de garantir que votre personnage soit engageant.
Jetez un œil à ces deux designs de Raven des Teen Titans. Le premier design est destiné aux jeunes enfants tandis que le second est destiné aux adolescents. Des designs simplifiés sont préférables pour les jeunes téléspectateurs.
Le langage corporel est une technique qui communique des informations sur votre personnage en utilisant des formes basiques et familières. Les formes primaires que vous choisissez détermineront la façon dont votre public percevra votre personnage, il est donc important de prendre en considération la signification de chaque forme.
Le superbe livre de 21 Draw Le dessinateur de personnages est une excellente ressource si vous souhaitez en savoir plus sur la manière d’utiliser cette technique efficacement !
Le cercle : Les personnages ronds sont généralement amicaux et extravertis, le genre de personnages que vous avez envie de prendre dans vos bras. Cette forme est parfaite pour les Soignants, les enfants et autres personnages doux et innocents.
Le carré : Le langage corporel carré est idéal pour les personnages forts, fiables et confiants. Ce qui est intéressant avec cette forme, c’est qu’elle peut être utilisée pour créer des personnages intimidants ou réconfortants selon la manière dont vous l’utilisez. Vous trouverez souvent des carrés dans des héros ou des pères.
Le triangle : Connue comme la forme maléfique, les triangles sont généralement utilisés dans les personnages antagonistes. Le langage corporel triangulaire peut sembler assez agressif, c’est pourquoi ces personnages sont souvent considérés comme sinistres et imprévisibles. Il est important de noter que plus les formes triangulaires sont étirées, plus votre personnage aura l’air menaçant !
Remarque : Votre personnage ne doit pas inclure qu’une seule forme ! Les personnages complexes seront souvent une combinaison de deux formes. Par exemple, votre personnage peut être à la fois fort et gentil, ou maléfique et confiant.
Il existe de nombreux facteurs d’efficacité d’un design de personnage. Voici quelques conseils pour garantir de bons designs !
Tout d’abord, le croquis. Lorsque vous créez un personnage, il est très important de créer plusieurs versions. Ces petits croquis sont généralement appelés miniatures.
La création de plusieurs croquis permet d’affiner le design en identifiant les éléments les plus efficaces.
.com/andrew_erickson
Ce processus est indispensable chez les professionnels pour améliorer leur travail. Comme vous pouvez le voir dans ces miniatures d’Obsidian du designer Andrew Erickson, c’est une technique géniale pour tester plein d’idées.
Que cherchez-vous à communiquer avec votre design ?
Lorsque vous créez des personnages mémorables, il est super important de réfléchir à ce que vous essayez de communiquer avec votre design. Quelques facteurs que vous devrez prendre en considération sont l’exagération du personnage, le costume et les accessoires.
Si vous voulez que vos personnages laissent une impression forte et durable, il faudra exagérer vos designs. Accentuez certaines parties du personnage, simplifiez-en d’autres pour mieux transmettre leur personnalité.
Un bon design de personnage est reconnaissable même dans un style très simpliste. Par exemple, les super-héros populaires ont des caractéristiques distinctives qui restent identifiables quel que soit le style de dessin.!
Pour décider quelles parties de votre personnage exagérer, identifiez les traits principaux de sa personnalité et de son histoire. Par exemple, si votre personnage est timide et très à l’écoute, il pourrait avoir de grandes oreilles et une petite bouche.
Ou peut-être que votre personnage part en voyage mais qu’il est anxieux et essaie de se préparer trop, alors il a un sac à dos comiquement grand. Les possibilités de traits exagérés sont presque infinies et dépendent entièrement de ce que vous voulez mettre en avant chez votre personnage.
Une bonne façon de développer vos compétences en exagération est de pratiquer la création de dessins de style caricature à partir de références réelles. “Dessiner des caricatures” par LoopyDave est un cours excellent !
Le costume et les accessoires d’un personnage sont essentiels pour l’efficacité de votre design. Un bon design de personnage intègre un costume bien pensé qui reflète sa personnalité et son contexte.
Avant même de commencer à concevoir les vêtements de votre personnage, faites des recherches sur son environnement et ses activités. Le costume doit être fonctionnel.
Cela peut être un peu difficile lorsque vous débutez.Illustration numérique pour débutants de Laia Lopez est l’introduction parfaite à la conception de costumes !
Posez-vous des questions comme : Vivent-ils dans un climat froid ? Ont-ils besoin de vêtements ou d’accessoires spéciaux pour y vivre ? Leurs vêtements sont-ils adaptés à leur occupation ? Une fois que vous avez étudié tous ces facteurs, vous pourrez passer à l’ajout de personnalité à la conception du costume.
Quelles couleurs votre personnage aime-t-il ? Qu’est-ce qu’elles représentent sur le personnage ? Les couleurs, les motifs, les textures et les formes que vous utilisez dans les vêtements de votre personnage communiquent beaucoup de choses.
Quand vous créez des personnages, pensez à leur attitude générale. Imaginez comment ils se comporteraient au quotidien. Sont-ils timides, confiants, courageux, extravertis, paresseux, travailleurs, ou ont-ils une autre personnalité ? Comprendre la personnalité de votre personnage vous guidera dans le choix des poses et des expressions lors de l’illustration !
Bien que la personnalité soit stable, les émotions d’un personnage peuvent fluctuer. C’est quelque chose qui devrait transparaître dans vos créations. Par exemple, un personnage habituellement confiant peut parfois se sentir timide selon les circonstances.
Chaque personnage exprimera ses émotions différemment, il est donc important de le prendre en compte quand vous choisissez des expressions faciales !
Comme toute personne réelle, vos personnages ont des objectifs ou des désirs qu’ils cherchent à accomplir. Cela les rend bien plus captivants, avec un but à poursuivre !
Les désirs d’un personnage influenceront les actions qu’il est susceptible de poser, rendant ainsi plus facile le choix des poses clés pour illustrer votre personnage.
Pour en savoir plus sur la création de personnages expressifs avec des personnalités bien définies, consultez Créer des personnages expressifs par le designer Kenneth Anderson !
Quand vous créez vos personnages, il est utile de comprendre les principales différences entre les proportions et le langage des formes masculines et féminines.
Pour mieux saisir ces différences, rien de tel que d’étudier régulièrement des références photos ou de la vie réelle. Même si les proportions de chacun sont uniques et que tout le monde ne se conforme pas nécessairement à ces catégories de genre, il y a quelques règles de base que vous pouvez appliquer à votre travail pour rendre vos personnages plus masculins ou féminins.
Quand on dessine des visages, il y a quelques différences principales entre les visages masculins et féminins. Comparé à un visage féminin, un visage masculin aura tendance à avoir :
En revanche, les visages féminins ont tendance à avoir :
En raison des différences hormonales, les hommes et les femmes ont des morphologies différentes, notamment la répartition des graisses et la musculature.
Il est important de noter que, en raison de la diversité génétique, pas tous les hommes et femmes ne correspondent à ces règles. C’est une bonne nouvelle ! Une fois que vous comprenez ces caractéristiques, vous pouvez choisir celles qui conviennent le mieux à vos personnages !
Trouver les bonnes poses pour vos personnages est essentiel dans le processus de conception. La manière dont un personnage se tient en dit long sur sa personnalité !
Pour créer des poses de personnages incroyables, commencez par le dessin gestuel ! Le pratiquerl à partir de références de la vie réelle, de films ou de photos rend vos poses de personnages plus dynamiques. Chez 21 Draw, on propose un cours fantastique qui vous apprendra tout sur le dessin gestuel pour améliorer vos compétences !
Petits conseils pour le dessin gestuel
La pose de votre personnage en dit long sur sa personnalité, ses émotions et ses désirs.
Par exemple, utiliser une ligne d’action concave (en forme de “c”) pour la pose de votre personnage peut lui donner l’air timide ou triste, tandis qu’une courbe convexe peut être utilisée pour le rendre plus confiant ou heureux.
Avant de choisir votre pose, réfléchissez à ce que vous souhaitez exprimer sur votre personnage et comment illustrer ces informations à travers les courbes, les inclinaisons et les expressions !
Il y a tellement de façons différentes de rendre la pose de votre personnage plus efficace. Si vous voulez améliorer vos poses, je vous recommande vivement le cours de Tony Bancroft sur Dessiner des poses qui ont de la personnalité !
Après avoir finalisé votre design, pensez à la pose de votre personnage. Un moyen simple de vérifier si la pose fonctionne est de créer une silhouette et de voir si elle reste lisible. Les bonnes poses sont facilement compréhensibles même en ombre chinoise !
Dans la pose de gauche, quand le personnage est en silhouette, ses pompons de pom-pom girl et une partie de son costume sont cachés à cause de la pose, ce qui rend difficile de comprendre son caractère.
avec la pose à droite, son action et son design restent clairs même en silhouette, transmettant beaucoup plus d’informations sur le personnage au spectateur.
En faisant des choix de pose forts pour vos personnages, vous améliorerez considérablement la lisibilité de votre personnage !
Vous avez déjà travaillé sur un dessin tellement longtemps que vous ne pouvez plus vraiment dire s’il a des erreurs ? C’est parfois difficile de repérer les défauts dans son propre travail, il est donc vraiment important d’avoir des retours !
Pour beaucoup de débutants, ces retours viennent de leurs professeurs. Mais même si vous n’êtes pas en cours d’études, vous pouvez demander des retours à vos amis, à votre famille ou même à d’autres artistes en ligne ! Il y a plein d’artistes sympas sur les réseaux qui seront ravis de vous aider !
Une fois votre design de personnage finalisé, vous pourrez penser aux couleurs que vous souhaitez utiliser dans votre illustration.
Les couleurs de votre personnage en diront beaucoup sur ce qu’ils sont et sur la manière dont ils se distinguent de leur environnement. Pour vous aider à choisir, vous pouvez sélectionner un schéma de couleurs.
La talentueuse Meike Schneider propose d’excellentes leçons sur la théorie des couleurs dans son cours Dessiner un personnage féminin qui vous aideront vraiment à comprendre ces combinaisons de couleurs !
Voici des superbes schémas de couleurs que vous pouvez essayer !
Les couleurs complémentaires se trouvent à l’opposé l’une de l’autre sur la roue chromatique. Cela crée un contraste fort et audacieux. Si vous voulez que votre personnage se démarque, un schéma de couleurs complémentaires est idéal !
Comme on le voit dans cet exemple, l’utilisation de couleurs complémentaires chez un personnage permet aux détails de bien ressortir ! C’est utile quand vous créez un protagoniste qui doit attirer l’attention dans votre dessin.
Un schéma de couleurs monochromes se limite aux nuances, teintes et tons d’une même couleur sur la roue chromatique. Cela donne un look unique et plein d’émotions. Si vous préférez des choix de couleurs simples, c’est une méthode idéale !
Ce schéma de couleurs fonctionne bien pour définir les traits d’un personnage qui peuvent être mieux exprimés avec une couleur spécifique. Si vous avez un personnage au design complexe, les couleurs monochromatiques peuvent simplifier son apparence et la rendre plus attrayante.
Utiliser un schéma de couleurs monochromatiques est également un bon moyen d’améliorer votre compréhension des valeurs lors de la coloration et de l’ombrage !
Pour apporter davantage de variété à votre palette de couleurs, la méthode triadique est une excellente option ! Elle consiste à utiliser trois couleurs également espacées sur le cercle chromatique.
Dans ce cas, privilégiez une couleur dominantes pour votre illustration, les deux autres serviront à mettre en valeur les détails.
Ce schéma de couleurs offre un rendu dynamique, même avec des tons doux. Il convient parfaitement aux personnages énergiques et ludiques, ce qui en fait un choix idéal pour les œuvres destinées à un public plus jeune !
En ce qui concerne les couleurs chaudes et froides, retenez que les objets chauds semblent plus proches du spectateur, tandis que les objets froids semblent plus éloignés.
Cela est dû à la perspective atmosphérique, l’effet des particules dans l’atmosphère renddnt les choses éloignées avec une teinte bleutée.
La température de couleur de vos personnages aura un effet similaire. Les personnages de couleur chaude se démarqueront et sembleront confiants, tandis que les personnages aux tons plus froids peuvent sembler plus fermés et mystérieux.
However, just like anything else in art, these rules can be broken if you feel like experimenting to create more unexpected designs!
Il y a deux grandes méthodes pour ajouter de la couleur à une illustration. La plus évidente, c’est d’appliquer directement la couleur, soit par-dessus, soit sous vos traits. C’est idéal si vous avez une idée précise des couleurs que vous souhaitez utiliser, et c’est un rendu assez proche de la peinture traditionnelle.
Une autre option consiste d’abord à peindre numériquement votre personnage en niveaux de gris, puis à utiliser une gamme de calques de fusion de couleur pour finaliser votre œuvre.
Cette méthode permet d’expérimenter davantage tout en obtenant les bonnes valeurs d’ombrage. Si vous essayez d’améliorer vos compétences en éclairage et en ombrage, je vous recommande vivement d’essayer cette méthode !
Maintenant que vous connaissez ces super conseils, vous êtes prêt à créer vos propres personnages ?
Si vous vouelz en savoir ENCORE PLUS, retrouvez nos cours géniaux mentionnés dans ce post !!
L’étude d’après nature est une pratique artistique ancienne et incroyablement efficace pour améliorer vos compétences en design de personnages. Par exemple, les études anatomiques de Leonard De Vinci. De Vinci a ainsi acquis une compréhension complète de l’anatomie humaine pour améliorer son travail.
Quand on crée un personnage, il existe une multitude d’archétypes dont on peut s’inspirer. Utiliser ces types de personnages bien connus permet à vos designs d’être facilement compris par leur public. De nombreux concepteurs de personnages utilisent ces archétypes !
Le cours de Randy Bishop, Les principes de la création de personnages, détaille brillamment tous ces archétypes et leur utilisation.
Une fois conscient de ces archétypes, vous pourrez créer des designs qui communiqueront clairement la personnalité de votre personnage. Si aucune de ces catégories ne convient, vous pouvez les combiner pour créer des designs uniques !
Quand on crée un personnage, il est important de savoir qui est son public cible. Par exemple, un design qui plaît aux enfants ne plaît pas toujours aux adultes, et vice versa. Avant de commencer votre design, prenez un moment pour réfléchir à votre public. Quel âge a-t-il ? De quel(s) genre(s) ? Où vit-il ? Répondre à ces questions vous permettra d’adapter vos designs et donc de garantir que votre personnage soit engageant.
Jetez un œil à ces deux designs de Raven des Teen Titans. Le premier design est destiné aux jeunes enfants tandis que le second est destiné aux adolescents. Des designs simplifiés sont préférables pour les jeunes téléspectateurs.
Le langage corporel est une technique qui communique des informations sur votre personnage en utilisant des formes basiques et familières. Les formes primaires que vous choisissez détermineront la façon dont votre public percevra votre personnage, il est donc important de prendre en considération la signification de chaque forme.
Le superbe livre de 21 Draw Le dessinateur de personnages est une excellente ressource si vous souhaitez en savoir plus sur la manière d’utiliser cette technique efficacement !
Le cercle : Les personnages ronds sont généralement amicaux et extravertis, le genre de personnages que vous avez envie de prendre dans vos bras. Cette forme est parfaite pour les Soignants, les enfants et autres personnages doux et innocents.
Le carré : Le langage corporel carré est idéal pour les personnages forts, fiables et confiants. Ce qui est intéressant avec cette forme, c’est qu’elle peut être utilisée pour créer des personnages intimidants ou réconfortants selon la manière dont vous l’utilisez. Vous trouverez souvent des carrés dans des héros ou des pères.
Le triangle : Connue comme la forme maléfique, les triangles sont généralement utilisés dans les personnages antagonistes. Le langage corporel triangulaire peut sembler assez agressif, c’est pourquoi ces personnages sont souvent considérés comme sinistres et imprévisibles. Il est important de noter que plus les formes triangulaires sont étirées, plus votre personnage aura l’air menaçant !
Remarque : Votre personnage ne doit pas inclure qu’une seule forme ! Les personnages complexes seront souvent une combinaison de deux formes. Par exemple, votre personnage peut être à la fois fort et gentil, ou maléfique et confiant.
Il existe de nombreux facteurs d’efficacité d’un design de personnage. Voici quelques conseils pour garantir de bons designs !
Tout d’abord, le croquis. Lorsque vous créez un personnage, il est très important de créer plusieurs versions. Ces petits croquis sont généralement appelés miniatures.
La création de plusieurs croquis permet d’affiner le design en identifiant les éléments les plus efficaces.
.com/andrew_erickson
Ce processus est indispensable chez les professionnels pour améliorer leur travail. Comme vous pouvez le voir dans ces miniatures d’Obsidian du designer Andrew Erickson, c’est une technique géniale pour tester plein d’idées.
Que cherchez-vous à communiquer avec votre design ?
Lorsque vous créez des personnages mémorables, il est super important de réfléchir à ce que vous essayez de communiquer avec votre design. Quelques facteurs que vous devrez prendre en considération sont l’exagération du personnage, le costume et les accessoires.
Si vous voulez que vos personnages laissent une impression forte et durable, il faudra exagérer vos designs. Accentuez certaines parties du personnage, simplifiez-en d’autres pour mieux transmettre leur personnalité.
Un bon design de personnage est reconnaissable même dans un style très simpliste. Par exemple, les super-héros populaires ont des caractéristiques distinctives qui restent identifiables quel que soit le style de dessin.!
Pour décider quelles parties de votre personnage exagérer, identifiez les traits principaux de sa personnalité et de son histoire. Par exemple, si votre personnage est timide et très à l’écoute, il pourrait avoir de grandes oreilles et une petite bouche.
Ou peut-être que votre personnage part en voyage mais qu’il est anxieux et essaie de se préparer trop, alors il a un sac à dos comiquement grand. Les possibilités de traits exagérés sont presque infinies et dépendent entièrement de ce que vous voulez mettre en avant chez votre personnage.
Une bonne façon de développer vos compétences en exagération est de pratiquer la création de dessins de style caricature à partir de références réelles. “Dessiner des caricatures” par LoopyDave est un cours excellent !
Le costume et les accessoires d’un personnage sont essentiels pour l’efficacité de votre design. Un bon design de personnage intègre un costume bien pensé qui reflète sa personnalité et son contexte.
Avant même de commencer à concevoir les vêtements de votre personnage, faites des recherches sur son environnement et ses activités. Le costume doit être fonctionnel.
Cela peut être un peu difficile lorsque vous débutez.Illustration numérique pour débutants de Laia Lopez est l’introduction parfaite à la conception de costumes !
Posez-vous des questions comme : Vivent-ils dans un climat froid ? Ont-ils besoin de vêtements ou d’accessoires spéciaux pour y vivre ? Leurs vêtements sont-ils adaptés à leur occupation ? Une fois que vous avez étudié tous ces facteurs, vous pourrez passer à l’ajout de personnalité à la conception du costume.
Quelles couleurs votre personnage aime-t-il ? Qu’est-ce qu’elles représentent sur le personnage ? Les couleurs, les motifs, les textures et les formes que vous utilisez dans les vêtements de votre personnage communiquent beaucoup de choses.
Quand vous créez des personnages, pensez à leur attitude générale. Imaginez comment ils se comporteraient au quotidien. Sont-ils timides, confiants, courageux, extravertis, paresseux, travailleurs, ou ont-ils une autre personnalité ? Comprendre la personnalité de votre personnage vous guidera dans le choix des poses et des expressions lors de l’illustration !
Bien que la personnalité soit stable, les émotions d’un personnage peuvent fluctuer. C’est quelque chose qui devrait transparaître dans vos créations. Par exemple, un personnage habituellement confiant peut parfois se sentir timide selon les circonstances.
Chaque personnage exprimera ses émotions différemment, il est donc important de le prendre en compte quand vous choisissez des expressions faciales !
Comme toute personne réelle, vos personnages ont des objectifs ou des désirs qu’ils cherchent à accomplir. Cela les rend bien plus captivants, avec un but à poursuivre !
Les désirs d’un personnage influenceront les actions qu’il est susceptible de poser, rendant ainsi plus facile le choix des poses clés pour illustrer votre personnage.
Pour en savoir plus sur la création de personnages expressifs avec des personnalités bien définies, consultez Créer des personnages expressifs par le designer Kenneth Anderson !
Quand vous créez vos personnages, il est utile de comprendre les principales différences entre les proportions et le langage des formes masculines et féminines.
Pour mieux saisir ces différences, rien de tel que d’étudier régulièrement des références photos ou de la vie réelle. Même si les proportions de chacun sont uniques et que tout le monde ne se conforme pas nécessairement à ces catégories de genre, il y a quelques règles de base que vous pouvez appliquer à votre travail pour rendre vos personnages plus masculins ou féminins.
Quand on dessine des visages, il y a quelques différences principales entre les visages masculins et féminins. Comparé à un visage féminin, un visage masculin aura tendance à avoir :
En revanche, les visages féminins ont tendance à avoir :
En raison des différences hormonales, les hommes et les femmes ont des morphologies différentes, notamment la répartition des graisses et la musculature.
Il est important de noter que, en raison de la diversité génétique, pas tous les hommes et femmes ne correspondent à ces règles. C’est une bonne nouvelle ! Une fois que vous comprenez ces caractéristiques, vous pouvez choisir celles qui conviennent le mieux à vos personnages !
Trouver les bonnes poses pour vos personnages est essentiel dans le processus de conception. La manière dont un personnage se tient en dit long sur sa personnalité !
Pour créer des poses de personnages incroyables, commencez par le dessin gestuel ! Le pratiquerl à partir de références de la vie réelle, de films ou de photos rend vos poses de personnages plus dynamiques. Chez 21 Draw, on propose un cours fantastique qui vous apprendra tout sur le dessin gestuel pour améliorer vos compétences !
Petits conseils pour le dessin gestuel
La pose de votre personnage en dit long sur sa personnalité, ses émotions et ses désirs.
Par exemple, utiliser une ligne d’action concave (en forme de “c”) pour la pose de votre personnage peut lui donner l’air timide ou triste, tandis qu’une courbe convexe peut être utilisée pour le rendre plus confiant ou heureux.
Avant de choisir votre pose, réfléchissez à ce que vous souhaitez exprimer sur votre personnage et comment illustrer ces informations à travers les courbes, les inclinaisons et les expressions !
Il y a tellement de façons différentes de rendre la pose de votre personnage plus efficace. Si vous voulez améliorer vos poses, je vous recommande vivement le cours de Tony Bancroft sur Dessiner des poses qui ont de la personnalité !
Après avoir finalisé votre design, pensez à la pose de votre personnage. Un moyen simple de vérifier si la pose fonctionne est de créer une silhouette et de voir si elle reste lisible. Les bonnes poses sont facilement compréhensibles même en ombre chinoise !
Dans la pose de gauche, quand le personnage est en silhouette, ses pompons de pom-pom girl et une partie de son costume sont cachés à cause de la pose, ce qui rend difficile de comprendre son caractère.
avec la pose à droite, son action et son design restent clairs même en silhouette, transmettant beaucoup plus d’informations sur le personnage au spectateur.
En faisant des choix de pose forts pour vos personnages, vous améliorerez considérablement la lisibilité de votre personnage !
Vous avez déjà travaillé sur un dessin tellement longtemps que vous ne pouvez plus vraiment dire s’il a des erreurs ? C’est parfois difficile de repérer les défauts dans son propre travail, il est donc vraiment important d’avoir des retours !
Pour beaucoup de débutants, ces retours viennent de leurs professeurs. Mais même si vous n’êtes pas en cours d’études, vous pouvez demander des retours à vos amis, à votre famille ou même à d’autres artistes en ligne ! Il y a plein d’artistes sympas sur les réseaux qui seront ravis de vous aider !
Une fois votre design de personnage finalisé, vous pourrez penser aux couleurs que vous souhaitez utiliser dans votre illustration.
Les couleurs de votre personnage en diront beaucoup sur ce qu’ils sont et sur la manière dont ils se distinguent de leur environnement. Pour vous aider à choisir, vous pouvez sélectionner un schéma de couleurs.
La talentueuse Meike Schneider propose d’excellentes leçons sur la théorie des couleurs dans son cours Dessiner un personnage féminin qui vous aideront vraiment à comprendre ces combinaisons de couleurs !
Voici des superbes schémas de couleurs que vous pouvez essayer !
Les couleurs complémentaires se trouvent à l’opposé l’une de l’autre sur la roue chromatique. Cela crée un contraste fort et audacieux. Si vous voulez que votre personnage se démarque, un schéma de couleurs complémentaires est idéal !
Comme on le voit dans cet exemple, l’utilisation de couleurs complémentaires chez un personnage permet aux détails de bien ressortir ! C’est utile quand vous créez un protagoniste qui doit attirer l’attention dans votre dessin.
Un schéma de couleurs monochromes se limite aux nuances, teintes et tons d’une même couleur sur la roue chromatique. Cela donne un look unique et plein d’émotions. Si vous préférez des choix de couleurs simples, c’est une méthode idéale !
Ce schéma de couleurs fonctionne bien pour définir les traits d’un personnage qui peuvent être mieux exprimés avec une couleur spécifique. Si vous avez un personnage au design complexe, les couleurs monochromatiques peuvent simplifier son apparence et la rendre plus attrayante.
Utiliser un schéma de couleurs monochromatiques est également un bon moyen d’améliorer votre compréhension des valeurs lors de la coloration et de l’ombrage !
Pour apporter davantage de variété à votre palette de couleurs, la méthode triadique est une excellente option ! Elle consiste à utiliser trois couleurs également espacées sur le cercle chromatique.
Dans ce cas, privilégiez une couleur dominantes pour votre illustration, les deux autres serviront à mettre en valeur les détails.
Ce schéma de couleurs offre un rendu dynamique, même avec des tons doux. Il convient parfaitement aux personnages énergiques et ludiques, ce qui en fait un choix idéal pour les œuvres destinées à un public plus jeune !
En ce qui concerne les couleurs chaudes et froides, retenez que les objets chauds semblent plus proches du spectateur, tandis que les objets froids semblent plus éloignés.
Cela est dû à la perspective atmosphérique, l’effet des particules dans l’atmosphère renddnt les choses éloignées avec une teinte bleutée.
La température de couleur de vos personnages aura un effet similaire. Les personnages de couleur chaude se démarqueront et sembleront confiants, tandis que les personnages aux tons plus froids peuvent sembler plus fermés et mystérieux.
However, just like anything else in art, these rules can be broken if you feel like experimenting to create more unexpected designs!
Il y a deux grandes méthodes pour ajouter de la couleur à une illustration. La plus évidente, c’est d’appliquer directement la couleur, soit par-dessus, soit sous vos traits. C’est idéal si vous avez une idée précise des couleurs que vous souhaitez utiliser, et c’est un rendu assez proche de la peinture traditionnelle.
Une autre option consiste d’abord à peindre numériquement votre personnage en niveaux de gris, puis à utiliser une gamme de calques de fusion de couleur pour finaliser votre œuvre.
Cette méthode permet d’expérimenter davantage tout en obtenant les bonnes valeurs d’ombrage. Si vous essayez d’améliorer vos compétences en éclairage et en ombrage, je vous recommande vivement d’essayer cette méthode !
Maintenant que vous connaissez ces super conseils, vous êtes prêt à créer vos propres personnages ?
Si vous vouelz en savoir ENCORE PLUS, retrouvez nos cours géniaux mentionnés dans ce post !!
Vous avez déjà essayé de créer votre propre personnage et réalisé à quel point le processus peut être difficile ? Beaucoup de travail est nécessaire pour concevoir un bon personnage, et c’est délicat de savoir par où commencer. Heureusement, on a des astuces simples pour améliorer vos créations !
Le design de personnages a toujours été crucial dans l’industrie. Que ce soit pour le cinéma, la télévision, les jeux vidéo, la publicité ou un projet personnel, cela demande beaucoup de créativité et de compétences pour créer un personnage efficace.
Pour comprendre à quoi ressemblent de grands design de personnages, il suffit de regarder le travail de Disney, studio incontournable de l’industrie dont les personnages emblématiques sont connus de tous, certains datant des années 1930.
Mais Disney n’est qu’un exemple. Il existe de nombreux styles pour créer des personnages efficaces. Voici 39 astuces et conseils de design pour vous aider à créer vos propres personnages exceptionnels !
Que vous utilisiez Illustrator, Photoshop, Procreate, tout autre logiciel ou médium, le processus de conception commencera de la même façon !
Chaque design commence par une idée. Cette idée peut souvent se présenter sous la forme d’un briefing client ou même d’un projet personnel !
Parfois, trouver l’inspiration pour vos créations peut sembler impossible ! Mais pas de panique, il existe plusieurs façons de libérer votre créativité.
Regarder les créations de vos artistes préférés peut améliorer votre créativité et vous apporter de nouvelles techniques et idées à essayer dans votre propre travail.
Par exemple, le talentueux Ross Tran, alias @rossdraws, est connu pour ses peintures numériques dans lesquelles il prend des images de lui-même ou d’objets du quotidiens et les transforme en scènes fantastiques. Dans l’image ci-dessous, il a utilisé des bonbons en forme de cœur comme inspiration. Pourquoi ne pas essayer en utilisant des objets de chez-vous ?
La musique peut être une excellente source d’inspiration, plein d’artistes la trouvent incroyablement inspirante quand ils créent des personnages. Par exemple, prenez ce dessin de @the.flightless.artist, Isabel Burke. Isabel a transformé la chanson A Burning Hill de Mitski en ce magnifique design !
Alors, prenez vos écouteurs et écoutez votre playlist préférée. Essayez de trouver des chansons qui vous rappellent votre personnage et laissez les paroles et les mélodies vous inspirer !
Quand avez-vous été pour la dernière fois dans une galerie d’art ? L’art traditionnel et contemporain peut être une grande source d’inspiration pour créer vos personnages.
Beaucoup de musées sont gratuits. Trouvez-en un près de chez vous et allez voir les œuvres exposées ! Observez les différents styles, textures et couleurs utilisés par d’autres artistes, et réflechissez aux techniques que vous pouvez incorporer dans vos propres designs.
Parfois, le meilleur remède contre le blocage artistique est de faire une pause dans votre travail et de faire quelque chose de relaxant. La nature offre une multitude de sources d’inspiration, des personnes que vous voyez en ville à la belle nature environnante.
Si vous avez du mal à finaliser les concepts de votre design, faites une promenade et faites le plein d’idées !
Une fois que vous avez une idée de personnage en tête, la prochaine étape est de faire des recherches. Posez-vous des questions comme :
Quel est le contexte ? Où vit mon personnage ? Que porte-t-il dans ce climat ? À quelle époque vit-il ? Quel est sa classe sociale et comment cela impacte son design ?
Une fois que vous avez répondu à ces questions, essayez de trouver des informations écrites et visuelles. Créez des planches d’ambiance et des notes à partir de vos découvertes.
Un personnage bien documenté aura beaucoup plus de crédibilité et touchera son public. Ces recherches terminées, vous aurez suffisamment de références pour commencer à créer votre personnage.
Un bon exemple des images de référence est abordé dans notre cours Dessiner un personnage de dessin animé par Maria Lia Malandrino.
Une partie essentielle de la création de bons personnages de dessins animés est de bien comprendre la forme et l’anatomie. Voici quelques exercices pour améliorer vos compétences :
L’étude d’après nature est une pratique artistique ancienne et incroyablement efficace pour améliorer vos compétences en design de personnages. Par exemple, les études anatomiques de Leonard De Vinci. De Vinci a ainsi acquis une compréhension complète de l’anatomie humaine pour améliorer son travail.
Quand on crée un personnage, il existe une multitude d’archétypes dont on peut s’inspirer. Utiliser ces types de personnages bien connus permet à vos designs d’être facilement compris par leur public. De nombreux concepteurs de personnages utilisent ces archétypes !
Le cours de Randy Bishop, Les principes de la création de personnages, détaille brillamment tous ces archétypes et leur utilisation.
Une fois conscient de ces archétypes, vous pourrez créer des designs qui communiqueront clairement la personnalité de votre personnage. Si aucune de ces catégories ne convient, vous pouvez les combiner pour créer des designs uniques !
Quand on crée un personnage, il est important de savoir qui est son public cible. Par exemple, un design qui plaît aux enfants ne plaît pas toujours aux adultes, et vice versa. Avant de commencer votre design, prenez un moment pour réfléchir à votre public. Quel âge a-t-il ? De quel(s) genre(s) ? Où vit-il ? Répondre à ces questions vous permettra d’adapter vos designs et donc de garantir que votre personnage soit engageant.
Jetez un œil à ces deux designs de Raven des Teen Titans. Le premier design est destiné aux jeunes enfants tandis que le second est destiné aux adolescents. Des designs simplifiés sont préférables pour les jeunes téléspectateurs.
Le langage corporel est une technique qui communique des informations sur votre personnage en utilisant des formes basiques et familières. Les formes primaires que vous choisissez détermineront la façon dont votre public percevra votre personnage, il est donc important de prendre en considération la signification de chaque forme.
Le superbe livre de 21 Draw Le dessinateur de personnages est une excellente ressource si vous souhaitez en savoir plus sur la manière d’utiliser cette technique efficacement !
Le cercle : Les personnages ronds sont généralement amicaux et extravertis, le genre de personnages que vous avez envie de prendre dans vos bras. Cette forme est parfaite pour les Soignants, les enfants et autres personnages doux et innocents.
Le carré : Le langage corporel carré est idéal pour les personnages forts, fiables et confiants. Ce qui est intéressant avec cette forme, c’est qu’elle peut être utilisée pour créer des personnages intimidants ou réconfortants selon la manière dont vous l’utilisez. Vous trouverez souvent des carrés dans des héros ou des pères.
Le triangle : Connue comme la forme maléfique, les triangles sont généralement utilisés dans les personnages antagonistes. Le langage corporel triangulaire peut sembler assez agressif, c’est pourquoi ces personnages sont souvent considérés comme sinistres et imprévisibles. Il est important de noter que plus les formes triangulaires sont étirées, plus votre personnage aura l’air menaçant !
Remarque : Votre personnage ne doit pas inclure qu’une seule forme ! Les personnages complexes seront souvent une combinaison de deux formes. Par exemple, votre personnage peut être à la fois fort et gentil, ou maléfique et confiant.
Il existe de nombreux facteurs d’efficacité d’un design de personnage. Voici quelques conseils pour garantir de bons designs !
Tout d’abord, le croquis. Lorsque vous créez un personnage, il est très important de créer plusieurs versions. Ces petits croquis sont généralement appelés miniatures.
La création de plusieurs croquis permet d’affiner le design en identifiant les éléments les plus efficaces.
.com/andrew_erickson
Ce processus est indispensable chez les professionnels pour améliorer leur travail. Comme vous pouvez le voir dans ces miniatures d’Obsidian du designer Andrew Erickson, c’est une technique géniale pour tester plein d’idées.
Que cherchez-vous à communiquer avec votre design ?
Lorsque vous créez des personnages mémorables, il est super important de réfléchir à ce que vous essayez de communiquer avec votre design. Quelques facteurs que vous devrez prendre en considération sont l’exagération du personnage, le costume et les accessoires.
Si vous voulez que vos personnages laissent une impression forte et durable, il faudra exagérer vos designs. Accentuez certaines parties du personnage, simplifiez-en d’autres pour mieux transmettre leur personnalité.
Un bon design de personnage est reconnaissable même dans un style très simpliste. Par exemple, les super-héros populaires ont des caractéristiques distinctives qui restent identifiables quel que soit le style de dessin.!
Pour décider quelles parties de votre personnage exagérer, identifiez les traits principaux de sa personnalité et de son histoire. Par exemple, si votre personnage est timide et très à l’écoute, il pourrait avoir de grandes oreilles et une petite bouche.
Ou peut-être que votre personnage part en voyage mais qu’il est anxieux et essaie de se préparer trop, alors il a un sac à dos comiquement grand. Les possibilités de traits exagérés sont presque infinies et dépendent entièrement de ce que vous voulez mettre en avant chez votre personnage.
Une bonne façon de développer vos compétences en exagération est de pratiquer la création de dessins de style caricature à partir de références réelles. “Dessiner des caricatures” par LoopyDave est un cours excellent !
Le costume et les accessoires d’un personnage sont essentiels pour l’efficacité de votre design. Un bon design de personnage intègre un costume bien pensé qui reflète sa personnalité et son contexte.
Avant même de commencer à concevoir les vêtements de votre personnage, faites des recherches sur son environnement et ses activités. Le costume doit être fonctionnel.
Cela peut être un peu difficile lorsque vous débutez.Illustration numérique pour débutants de Laia Lopez est l’introduction parfaite à la conception de costumes !
Posez-vous des questions comme : Vivent-ils dans un climat froid ? Ont-ils besoin de vêtements ou d’accessoires spéciaux pour y vivre ? Leurs vêtements sont-ils adaptés à leur occupation ? Une fois que vous avez étudié tous ces facteurs, vous pourrez passer à l’ajout de personnalité à la conception du costume.
Quelles couleurs votre personnage aime-t-il ? Qu’est-ce qu’elles représentent sur le personnage ? Les couleurs, les motifs, les textures et les formes que vous utilisez dans les vêtements de votre personnage communiquent beaucoup de choses.
Quand vous créez des personnages, pensez à leur attitude générale. Imaginez comment ils se comporteraient au quotidien. Sont-ils timides, confiants, courageux, extravertis, paresseux, travailleurs, ou ont-ils une autre personnalité ? Comprendre la personnalité de votre personnage vous guidera dans le choix des poses et des expressions lors de l’illustration !
Bien que la personnalité soit stable, les émotions d’un personnage peuvent fluctuer. C’est quelque chose qui devrait transparaître dans vos créations. Par exemple, un personnage habituellement confiant peut parfois se sentir timide selon les circonstances.
Chaque personnage exprimera ses émotions différemment, il est donc important de le prendre en compte quand vous choisissez des expressions faciales !
Comme toute personne réelle, vos personnages ont des objectifs ou des désirs qu’ils cherchent à accomplir. Cela les rend bien plus captivants, avec un but à poursuivre !
Les désirs d’un personnage influenceront les actions qu’il est susceptible de poser, rendant ainsi plus facile le choix des poses clés pour illustrer votre personnage.
Pour en savoir plus sur la création de personnages expressifs avec des personnalités bien définies, consultez Créer des personnages expressifs par le designer Kenneth Anderson !
Quand vous créez vos personnages, il est utile de comprendre les principales différences entre les proportions et le langage des formes masculines et féminines.
Pour mieux saisir ces différences, rien de tel que d’étudier régulièrement des références photos ou de la vie réelle. Même si les proportions de chacun sont uniques et que tout le monde ne se conforme pas nécessairement à ces catégories de genre, il y a quelques règles de base que vous pouvez appliquer à votre travail pour rendre vos personnages plus masculins ou féminins.
Quand on dessine des visages, il y a quelques différences principales entre les visages masculins et féminins. Comparé à un visage féminin, un visage masculin aura tendance à avoir :
En revanche, les visages féminins ont tendance à avoir :
En raison des différences hormonales, les hommes et les femmes ont des morphologies différentes, notamment la répartition des graisses et la musculature.
Il est important de noter que, en raison de la diversité génétique, pas tous les hommes et femmes ne correspondent à ces règles. C’est une bonne nouvelle ! Une fois que vous comprenez ces caractéristiques, vous pouvez choisir celles qui conviennent le mieux à vos personnages !
Trouver les bonnes poses pour vos personnages est essentiel dans le processus de conception. La manière dont un personnage se tient en dit long sur sa personnalité !
Pour créer des poses de personnages incroyables, commencez par le dessin gestuel ! Le pratiquerl à partir de références de la vie réelle, de films ou de photos rend vos poses de personnages plus dynamiques. Chez 21 Draw, on propose un cours fantastique qui vous apprendra tout sur le dessin gestuel pour améliorer vos compétences !
Petits conseils pour le dessin gestuel
La pose de votre personnage en dit long sur sa personnalité, ses émotions et ses désirs.
Par exemple, utiliser une ligne d’action concave (en forme de “c”) pour la pose de votre personnage peut lui donner l’air timide ou triste, tandis qu’une courbe convexe peut être utilisée pour le rendre plus confiant ou heureux.
Avant de choisir votre pose, réfléchissez à ce que vous souhaitez exprimer sur votre personnage et comment illustrer ces informations à travers les courbes, les inclinaisons et les expressions !
Il y a tellement de façons différentes de rendre la pose de votre personnage plus efficace. Si vous voulez améliorer vos poses, je vous recommande vivement le cours de Tony Bancroft sur Dessiner des poses qui ont de la personnalité !
Après avoir finalisé votre design, pensez à la pose de votre personnage. Un moyen simple de vérifier si la pose fonctionne est de créer une silhouette et de voir si elle reste lisible. Les bonnes poses sont facilement compréhensibles même en ombre chinoise !
Dans la pose de gauche, quand le personnage est en silhouette, ses pompons de pom-pom girl et une partie de son costume sont cachés à cause de la pose, ce qui rend difficile de comprendre son caractère.
avec la pose à droite, son action et son design restent clairs même en silhouette, transmettant beaucoup plus d’informations sur le personnage au spectateur.
En faisant des choix de pose forts pour vos personnages, vous améliorerez considérablement la lisibilité de votre personnage !
Vous avez déjà travaillé sur un dessin tellement longtemps que vous ne pouvez plus vraiment dire s’il a des erreurs ? C’est parfois difficile de repérer les défauts dans son propre travail, il est donc vraiment important d’avoir des retours !
Pour beaucoup de débutants, ces retours viennent de leurs professeurs. Mais même si vous n’êtes pas en cours d’études, vous pouvez demander des retours à vos amis, à votre famille ou même à d’autres artistes en ligne ! Il y a plein d’artistes sympas sur les réseaux qui seront ravis de vous aider !
Une fois votre design de personnage finalisé, vous pourrez penser aux couleurs que vous souhaitez utiliser dans votre illustration.
Les couleurs de votre personnage en diront beaucoup sur ce qu’ils sont et sur la manière dont ils se distinguent de leur environnement. Pour vous aider à choisir, vous pouvez sélectionner un schéma de couleurs.
La talentueuse Meike Schneider propose d’excellentes leçons sur la théorie des couleurs dans son cours Dessiner un personnage féminin qui vous aideront vraiment à comprendre ces combinaisons de couleurs !
Voici des superbes schémas de couleurs que vous pouvez essayer !
Les couleurs complémentaires se trouvent à l’opposé l’une de l’autre sur la roue chromatique. Cela crée un contraste fort et audacieux. Si vous voulez que votre personnage se démarque, un schéma de couleurs complémentaires est idéal !
Comme on le voit dans cet exemple, l’utilisation de couleurs complémentaires chez un personnage permet aux détails de bien ressortir ! C’est utile quand vous créez un protagoniste qui doit attirer l’attention dans votre dessin.
Un schéma de couleurs monochromes se limite aux nuances, teintes et tons d’une même couleur sur la roue chromatique. Cela donne un look unique et plein d’émotions. Si vous préférez des choix de couleurs simples, c’est une méthode idéale !
Ce schéma de couleurs fonctionne bien pour définir les traits d’un personnage qui peuvent être mieux exprimés avec une couleur spécifique. Si vous avez un personnage au design complexe, les couleurs monochromatiques peuvent simplifier son apparence et la rendre plus attrayante.
Utiliser un schéma de couleurs monochromatiques est également un bon moyen d’améliorer votre compréhension des valeurs lors de la coloration et de l’ombrage !
Pour apporter davantage de variété à votre palette de couleurs, la méthode triadique est une excellente option ! Elle consiste à utiliser trois couleurs également espacées sur le cercle chromatique.
Dans ce cas, privilégiez une couleur dominantes pour votre illustration, les deux autres serviront à mettre en valeur les détails.
Ce schéma de couleurs offre un rendu dynamique, même avec des tons doux. Il convient parfaitement aux personnages énergiques et ludiques, ce qui en fait un choix idéal pour les œuvres destinées à un public plus jeune !
En ce qui concerne les couleurs chaudes et froides, retenez que les objets chauds semblent plus proches du spectateur, tandis que les objets froids semblent plus éloignés.
Cela est dû à la perspective atmosphérique, l’effet des particules dans l’atmosphère renddnt les choses éloignées avec une teinte bleutée.
La température de couleur de vos personnages aura un effet similaire. Les personnages de couleur chaude se démarqueront et sembleront confiants, tandis que les personnages aux tons plus froids peuvent sembler plus fermés et mystérieux.
However, just like anything else in art, these rules can be broken if you feel like experimenting to create more unexpected designs!
Il y a deux grandes méthodes pour ajouter de la couleur à une illustration. La plus évidente, c’est d’appliquer directement la couleur, soit par-dessus, soit sous vos traits. C’est idéal si vous avez une idée précise des couleurs que vous souhaitez utiliser, et c’est un rendu assez proche de la peinture traditionnelle.
Une autre option consiste d’abord à peindre numériquement votre personnage en niveaux de gris, puis à utiliser une gamme de calques de fusion de couleur pour finaliser votre œuvre.
Cette méthode permet d’expérimenter davantage tout en obtenant les bonnes valeurs d’ombrage. Si vous essayez d’améliorer vos compétences en éclairage et en ombrage, je vous recommande vivement d’essayer cette méthode !
Maintenant que vous connaissez ces super conseils, vous êtes prêt à créer vos propres personnages ?
Si vous vouelz en savoir ENCORE PLUS, retrouvez nos cours géniaux mentionnés dans ce post !!
Rhea
Rhea est une artiste conceptuelle australienne qui étudie actuellement à l'université Griffith. Elle est passionnée par la diffusion de son amour de l'art auprès des autres.
Cartes cadeau