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Design des personnages

39 conseils ultimes pour la conception de personnages pour les artistes débutants et avancés

Rhea
Jun 10, 2022
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Avez-vous déjà essayé de concevoir votre propre personnage et réalisé à quel point le processus peut être délicat ? Beaucoup de travail entre dans la conception d’un bon personnage, il peut donc être difficile de savoir par où commencer Heureusement, il y a quelques simples conseils de conception de personnages que vous pouvez utiliser pour améliorer considérablement vos conceptions! 

Conseils sur le design des personnages
Disney- Concept Design pour Moana (2016) 

Quelles sont les 7 étapes d’un bon design de personnage ?

  1. Découvrez ce qui vous motive !
  2. Faites beaucoup d’études d’anatomie et de texture.
  3. Considérez QUI est votre personnage ?
  4. Utilisez le langage des formes.
  5. Choisissez une pose expressive !
  6. élaborez un schéma de couleurs astucieux.
  7. Pratiquez, pratiquez, pratiquez !

Qu’est-ce que le Character Design? 

Le character design a toujours eu un rôle clé dans l’industrie du concept-design. Que vous conceviez pour un film, une émission de télévision, des jeux, de la publicité ou un projet personnel, il faut beaucoup de créativité et de compétences pour créer un personnage efficace.

Pour comprendre à quoi ressemblent les grands designs de personnages, il suffit d’observer le travail de la célèbre société de médias de masse Disney, dont les personnages emblématiques restent des noms communs dans les foyers, bien que certains d’entre eux aient été introduits dès les années 1930.

Disney-La Blanche-Neige et les Sept Nains(1937) 

Cependant, Disney n’est qu’un exemple – il existe de nombreux styles qui peuvent être utilisés pour créer des personnages efficaces, à condition de savoir comment utiliser ces styles. Voici donc 39 conseils et astuces de conception de personnages pour vous aider à créer vos propres personnages géniaux !

Comment commence la conception d’un personnage ?

Que vous utilisiez Adobe Illustrator, Photoshop, Procreate, ou tout autre logiciel ou support, votre processus de conception de personnage commencera au même endroit !

Tout design de personnage commence par une idée. Cette idée peut souvent prendre la forme d’un brief client ou même d’un projet personnel !

Comment trouver des idées de design de personnage?

Parfois, trouver de l’inspiration pour vos designs peut sembler impossible ! Mais ne vous inquiétez pas, il y a un tas de moyens différents pour débloquer votre créativité.

S’inspirer des artistes sur Instagram

Regarder les œuvres étonnantes de vos artistes préférés peut vraiment aider à améliorer votre créativité et vous donner de nouvelles techniques et idées à essayer dans votre propre travail.

Par exemple, l’artiste talentueux Ross Tran, alias @rossdraws, est bien connu pour ses peintures numériques dans lesquelles il prend des images de lui-même ou d’objets du quotidien et les transforme en scènes fantastiques. Dans l’image ci-dessous, il s’est inspiré de bonbons en forme de cœur pour créer de magnifiques personnages. Pourquoi ne pas faire un essai en utilisant des objets de votre propre maison? 

@rossdraws

Faites un dessin basé sur les paroles de votre chanson préférée

La musique peut être un autre exutoire créatif génial et pour cette raison, de nombreux artistes trouvent la musique incroyablement inspirante lorsqu’ils créent des dessins de personnages. Par exemple, prenez ce dessin de @the.flightless.artist, Isabel Burke. Isabel a transformé la chanson ‘A Burning Hill’ de Mitski en ce magnifique dessin !

Donc, prenez vos écouteurs et écoutez votre playlist préférée. Essayez de trouver des chansons qui vous rappellent votre personnage et laissez les paroles et les mélodies vous inspirer !

 @the.flightless.artist. Isabel Burke (2019) 

Faites un tour dans votre galerie d’art locale

C’est quand la dernière fois que vous êtes allé dans une galerie d’art ? L’art traditionnel et l’art contemporain peuvent être une grande source d’inspiration lors de la création de dessins de personnages.

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De nombreuses galeries d’art proposent une entrée gratuite. Alors, allez trouver une galerie locale et allez voir les œuvres qu’elle expose ! Prêtez attention aux différents styles, textures et couleurs que les autres artistes utilisent, et commencez à réfléchir aux techniques que vous pouvez incorporer dans vos propres créations. 

Une personne regardant des tableaux dans une galerie d'art
Photo de : AJ Brustein, Inside the Louvre. 

Va te promener

Parfois, le meilleur remède à un blocage artistique est de faire une pause dans votre travail et de faire quelque chose de relaxant. Le plein air fournit des formes d’inspiration infinies, des personnes que vous voyez en ville à l’environnement naturel magnifique.

Donc, si vous avez du mal à cerner les concepts finaux de votre design, allez vous promener et voyez quelles nouvelles idées vous pouvez trouver ! 

Faites vos recherches

Une fois que vous avez une idée de personnage en tête, votre prochaine étape devrait être de commencer à faire des recherches. Posez-vous des questions comme:

Quel est le contexte de mon personnage ? À quoi ressemble l’endroit où ils vivent ? Que porteraient-ils pour ce climat ? À quelle époque vivent-ils ? Quel est leur statut socio-économique et comment cela affecterait-il leur design ?

Exemple de la façon dont la recherche peut informer la conception d'un personnage
@art_bymemo

Une fois que vous avez répondu à ces questions, essayez de trouver autant d’informations écrites et visuelles que possible. Compilez des planches d’humeur et des notes à partir de vos trouvailles.

Un personnage bien documenté aura beaucoup plus de crédibilité et résonnera vraiment avec son public. Lorsque vous avez terminé vos recherches, vous devriez avoir suffisamment de matériel de référence pour commencer à concevoir votre personnage.

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Un bon exemple de la façon d’utiliser vos images de référence peut être vu dans cet exemple tiré de notre Cours “Comment dessiner un personnage de bande dessinée” par Maria Lia Malandrino.

Il s’agit d’un cours de dessin de personnages

Comment améliorer votre forme de dessin de personnages? 

Une partie essentielle de la création de bons personnages de dessins animés est d’avoir une bonne compréhension de la forme et de l’anatomie. Voici quelques exercices pour améliorer vos compétences : 

  1. Faire des études de dessin d’anatomie. 
  2. Prendre un cours de dessin de vie en personne ou en ligne. 
  3. Pratiquer le dessin des zones du corps que vous trouvez les plus difficiles- les mains, les pieds, etc. 
  4. Visiter un zoo ou un musée et dessiner les animaux. 
  5. Aller dans un parc et dessiner différentes plantes et personnes que vous voyez. 

L'étude de l'anatomie améliore les compétences en dessin
Leonardo Da Vinci. Études d’anatomie – Une vie en dessin Exposition à la Manchester Art Gallery

Les études de vie sont une pratique artistique séculaire qui est incroyablement efficace pour améliorer vos compétences en matière de conception de personnages. Les études d’anatomie de Léonard de Vinci en sont un exemple. Da Vinci se consacrait à l’acquisition d’une compréhension complète de la forme humaine pour améliorer son travail.

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Quel archétype correspond le mieux à votre personnage? 

Lorsque vous concevez un personnage, il existe une tonne d’archétypes différents dont vous pouvez vous inspirer. L’utilisation de ces types de personnages bien connus permet à vos créations d’être facilement comprises par leur public. De nombreux concepteurs de personnages utilisent des archétypes dans leurs conceptions !

Le cours de Randy Bishop, ‘Fundamentals of Character Design’ fait un excellent travail pour entrer dans le détail de tous ces archétypes et de la façon de les utiliser dans vos designs.

Types d'archétypes de personnages
DreamWorks Animation. Megamind (2010) 

Archétypes pour un design de personnage mémorable?

  1. Le héros ou le guerrier: Un personnage courageux et confiant qui œuvre pour aider une cause. Les héros sont généralement le personnage principal et vous verrez beaucoup de langage de forme carrée dans leurs designs. Cet archétype est parfait pour les personnages qui se démarquent et se soucient vraiment de protéger les autres. 

Exemple de l'archétype du personnage héros
Disney Pixar. Les Incroyables– M. Incroyable. (2004) 

  1. Le personnage rebelle ou hors-la-loi : Un personnage qui a du talent mais qui peut ne pas œuvrer pour une cause ou qui n’aime pas les figures d’autorité. Ce type de personnage est souvent connu comme un anti-héros, ils se démarquent toujours vraiment mais peuvent souvent être plus gris moralement que votre héros typique. Vous verrez beaucoup plus de langage de forme triangulaire utilisé dans cet archétype.

Exemple de l'archétype du personnage hors-la-loi
DreamWorks Animation. Megamind (2010) 

  1. L’explorateur : Ces personnages sont robustes,&nbsp ; libres d’esprit et masculins- toujours à la recherche de nouvelles découvertes. Les explorateurs sont généralement une combinaison de langage de formes carrées et triangulaires, ce qui leur offre beaucoup de possibilités de conception intéressantes !

Exemple de l'archétype du personnage de l'aidant
DreamWorks Animation. Sinbad : la légende des sept mers. (2003)

  1. Le Créateur : Un personnage inventif et créatif- souvent ringard et introverti. Ce style de personnage aura généralement une combinaison de courbes et de langage de formes angulaires. Il est également courant pour les créateurs d’avoir une taille de tête exagérée et grande pour communiquer leur intellectualité.

Exemple de l'archétype du personnage créateur
Disney. Meet the Robinsons. (2007) 

  1. Le dirigeant : Un personnage de leader qui se concentre sur le maintien de l’ordre. Cet archétype dépeint généralement un personnage contrôlant avec des traits très forts. Le langage de forme pour ces personnages peut varier, cependant, le langage de forme carré est toujours une base solide. 

Exemple de l'archétype du personnage de la règle
Sony Pictures. Spider-Man : Into the Spider-Verse. (2018) 

  1. Le magicien : Un personnage excentrique qui est capable de créer/manipuler la magie. Vous pouvez vous amuser avec l’exagération chez ces personnages – leurs formes sont typiquement angulaires et fantaisistes.

Exemple d'archétype de personnage magicien
Disney. Frozen Concept Art par Claire Keane. (2013) 

  1. L’aidant : Un personnage attentionné qui a une apparence douce et réconfortante. Les designs de l’aidant utilisent principalement des formes circulaires, ce qui leur donne une esthétique saine et câline. Ces traits en font un type de personnage typiquement mignon.

Exemple d'archétype de personnage d'aidant
Disney.Big Hero 6. (2014) 

  1. Le bouffon : Un personnage de comédie avec une apparence excentrique souvent attachante. C’est un autre archétype où vous pouvez expérimenter avec l’exagération ! Le design du bouffon s’éloignera souvent des limites de la norme de beauté idéale d’une manière qui peut être à la fois comique et réconfortante.

Exemple de l'archétype du personnage du bouffon
Disney. Lilo &amp ; Stitch (2002) 

  1. L’Amoureux : Un personnage qui est dévoué à ce qu’il aime. Il n’y a pas de bonne façon de représenter l’amant, car différents personnages seront attirés par différentes apparences. Cependant, si vous êtes coincé, utiliser des caractéristiques qui sont généralement associées aux idéaux de beauté de la société peut être un bon point de départ.

Exemple d'archétype de personnage amoureux
Disney. Enchanté. (2007) 

  1. Le Sage / Harold: Un personnage qui guide les autres personnages – typiquement dépeint comme vieux et sage. Cet archétype a souvent une combinaison de langage de forme circulaire et angulaire.

Exemple d'archétype de personnage Sage ou Harold
DreamWorks.Kung Fu Panda. (2008) 

Une fois que vous connaissez ces archétypes, vous serez en mesure de créer des designs qui communiqueront clairement la personnalité de votre personnage. Si aucune de ces catégories ne vous semble tout à fait adaptée à votre personnage, vous pouvez toujours combiner plusieurs tropes, ou les subvertir complètement pour créer des designs uniques à l’infini !

Qui est votre Démographique

Lorsque vous concevez un personnage, il est important de savoir qui est votre public. Par exemple, un design qui plaît aux enfants ne plaira pas toujours aux adultes ou vice versa. Donc, avant de commencer votre conception, prenez un moment pour penser à votre public. Quel âge ont-ils ? Sont-ils d’un sexe en particulier ? Où vivent-ils ? Répondre à ces questions vous permettra d’orienter vos conceptions davantage vers votre public et donc de vous assurer que votre personnage est engageant.

Un personnage portant une capuche bleue et une robe
Warner Bros. Teen Titans Go &amp ; Team Titans

Jetez un coup d’œil à ces deux designs de Raven de Teen Titans. Le premier design est destiné aux jeunes enfants tandis que le second est destiné aux adolescents. Comme vous pouvez le voir, des designs plus simplifiés sont préférés lors de la conception pour les jeunes téléspectateurs.

Quel langage de forme devriez-vous utiliser? 

Cinq exemples d'utilisation du langage des formes dans la conception de personnages
21 Dessin. Le créateur de personnages. Kenneth Anderson @charactercube

Le langage des formes est une technique qui permet de communiquer des informations sur votre personnage en utilisant des formes de base que notre cerveau connaît bien. Les formes primaires que vous choisirez décideront en grande partie de la façon dont votre public percevra votre personnage, il est donc important de prendre en compte la signification de chaque forme.

La langue des formes est une technique qui permet de communiquer des informations sur votre personnage en utilisant des formes de base que notre cerveau connaît

L’étonnant livre d’art de 21 Draw ‘The Character Designer’ est une excellente ressource si vous voulez en savoir plus sur la façon d’utiliser efficacement cette technique dans votre travail !

Les bases du langage des formes dans la conception des personnages
Walt Disney Museum. Ressources sur le langage des formes.

Quelle forme aura votre personnage ?

Cercle : Les personnages qui utilisent un langage de forme circulaire sont généralement amicaux et extravertis – le genre de personnages que vous avez vraiment envie de prendre dans vos bras. Cette forme est parfaite pour les soignants, les enfants et d’autres personnages doux et innocents.

Exemple de personnage circulaire ou arrondi
Disney Pixar. Monstres, Inc. (2001)

Square: Le langage de forme carré est idéal pour les personnages forts, fiables et confiants. La chose cool à propos de cette forme est qu’elle peut être utilisée pour créer des personnages vraiment intimidants ou très réconfortants selon la façon dont vous l’utilisez. Vous trouverez souvent des carrés utilisés dans des personnages tels que des héros, des pères et d’autres personnages ayant un rôle paternel similaire.

Exemple de personnage de forme carrée
Disney Pixar. Monsters, Inc. (2001)  

Triangle: Bien connu comme la forme maléfique, les triangles sont généralement utilisés dans les designs des personnages antagonistes. Le langage de forme triangulaire peut sembler assez agressif, ce qui explique pourquoi ces personnages sont souvent considérés comme sinistres et imprévisibles. Il est important de noter, que plus les formes triangulaires sont étirées, plus votre personnage aura l’air menaçant !

Exemple de triangle sur un personnage
Disney Pixar. Monsters, Inc. (2001)

Note : Votre personnage n’est pas obligé d’inclure une seule des trois formes ! Les personnages plus complexes seront souvent une combinaison des deux formes qu’ils représentent le plus ! Par exemple, ton personnage peut être à la fois fort et gentil, ou maléfique et confiant.

Bon contre mauvais design de personnage 

Il y a beaucoup de facteurs différents qui contribuent à l’efficacité d’un design de personnage. Voici quelques conseils sur le design des personnages pour vous aider à créer de bons designs de personnages à chaque fois !

Pour commencer, parlons de la vignette. Lorsque vous concevez un personnage pour la première fois, il est super important que vous créiez plusieurs itérations différentes. Celles-ci doivent être de petites esquisses et sont généralement appelées vignettes de conception.

Créer plusieurs esquisses de votre personnage vous permet d’affiner votre conception, car cela vous aide à identifier les éléments les plus efficaces dans chaque itération.

Il est important d’avoir une bonne idée de ce que vous voulez faire

Exemple de bon et mauvais design de personnage
Andrew Erickson : https://www.artstation.com/andrew_erickson 

Ce processus est quelque chose que beaucoup de character designers professionnels utilisent pour améliorer leur travail. Comme vous pouvez le voir dans ces vignettes de concept art de ‘Obsidian’ par le concept artist Andrew Erickson, le thumbnailing est une technique géniale pour tester un éventail d’idées pour votre design. 

Que tentez-vous de dire avec votre design? 

Lorsque vous créez des personnages mémorables, il est super important de penser à ce que vous essayez de communiquer avec votre design. Quelques facteurs que vous devrez prendre en compte sont l’exagération du personnage, le costume et les accessoires. 

Exagération:

Exemple d'utilisation de l'exagération dans la conception d'un personnage
@loopydavestuff

Si vous voulez que vos personnages aient une impression forte et durable sur leur public, il est important d’utiliser l’exagération dans vos créations. Réfléchissez aux parties de votre personnage qui peuvent être accentuées et à celles qui peuvent être simplifiées pour transmettre au mieux leur personnalité.

Un bon design de personnage est un design qui peut être transféré dans un style très simpliste tout en restant identifiable – des exemples de ceci incluent les designs de la plupart des super-héros populaires – qui ont des caractéristiques facilement lisibles quel que soit le style dans lequel ils sont dessinés !

Exemple d'utilisation de l'exagération pour concevoir un mauvais personnage
@loopydavestuff

Pour décider des parties de votre personnage à exagérer essayez d’identifier les traits primaires de sa personnalité et de son intrigue. Peut-être que votre personnage est un timide et un très bon auditeur, il a donc de grandes oreilles et une plus petite bouche.

Ou peut-être que votre personnage part en voyage mais qu’il est anxieux et essaie de trop se préparer, donc il a un sac à dos comiquement grand. Les possibilités de caractéristiques exagérées sont presque infinies et dépendent complètement de ce que vous voulez souligner à propos de votre personnage. 

Un bon moyen de travailler sur le renforcement de vos compétences en matière d’exagération est de vous entraîner à créer des dessins de style caricatural à partir de références réelles. ‘Drawing Caricatures’ par LoopyDave est une excellente ressource pour ceux qui veulent s’y essayer!

Costume et accessoires

Le costume et les accessoires d’un personnage peuvent être vitaux pour l’efficacité de votre design. Un bon design de personnage est celui dont le costume est bien réfléchi et reflète fortement à la fois sa personnalité et son contexte.

Un personnage dans quatre costumes et accessoires différents
@art_bymemo

Avant même de commencer à concevoir les vêtements de votre personnage, faites d’abord des recherches sur l’endroit où il vit et le type d’activités que votre personnage devra effectuer. Un bon costume sera fonctionnel dans le cadre du personnage.

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Ceci peut être un peu délicat lorsque vous débutez. Heureusement, ‘Illustration numérique pour débutants’ de Laia Lopez, vous fournira l’introduction parfaite à la conception de costumes pour les personnages!

Posez-vous des questions comme :&nbsp ; Vivent-ils dans un climat froid ? Ont-ils besoin de vêtements ou d’accessoires spéciaux pour y vivre ? Leurs vêtements sont-ils adaptés à leur profession ? Etc. Une fois que vous aurez recherché tous ces facteurs, vous pourrez passer à l’ajout d’un peu de personnalité à la conception du costume.

Quelles sont les couleurs que votre personnage aime ? Que représentent-elles à propos du personnage ? Les couleurs, les motifs, les textures et les formes que vous utilisez dans les vêtements de votre personnage ont le potentiel de communiquer beaucoup de choses sur votre personnage.

Un personnage féminin en tenue bleue en peau et fourrure d'animal
@charliebowater

Connaître son personnage

Personnalité

Conseils pour la création de personnages - Connaître son personnage
@charactercube

Lorsque vous créez des personnages, il est important de réfléchir à ce que sera la disposition générale de votre personnage. Pour décider de cela, pensez à quel type de comportements votre personnage aurait par défaut dans une journée moyenne. Est-il timide, confiant, courageux, extraverti, paresseux, travailleur, ou toute autre personnalité générale de base à laquelle vous pouvez penser ? Comprendre la personnalité de votre personnage vous aidera à choisir de meilleures poses et expressions lors de l’illustration ! 

Emotion

Un personnage avec des émotions de joie et de colère
@charactercube

Alors que la personnalité est statique, les émotions d’un personnage peuvent toujours changer. C’est quelque chose qui devrait être représenté dans vos dessins. Par exemple, un personnage qui est habituellement confiant aura toujours des moments où il se sentira timide, en fonction des circonstances.

Il y a aussi des moments où le personnage est timide

Chaque personnage exprimera ses émotions différemment, il est donc important d’en tenir compte lorsque vous choisissez les expressions faciales ! 

Désir

Personnage avec une bulle de pensée indiquant le désir du personnage
@charactercube

Comme toute personne réelle, vos personnages devraient avoir des choses qu’ils veulent vraiment obtenir ou réaliser. Ces désirs les rendront beaucoup plus intéressants pour votre public, car ils donnent à vos personnages quelque chose vers quoi travailler ! 

Les désirs d’un personnage détermineront les actions qu’il est susceptible d’effectuer, ce qui rendra beaucoup plus facile le choix des poses clés pour illustrer votre personnage. 

Les désirs d’un personnage déterminent les actions qu’il est susceptible d’effectuer

Pour en apprendre des tonnes sur la création de personnages émotifs avec des personnalités bien définies, consultez ‘Creating Expressive Characters’ par le concepteur de personnages Kenneth Anderson !

Quelles sont les principales différences entre la conception de personnages masculins &amp ; féminins?

Différence entre personnages masculins et féminins
@randybishopart

Lorsque vous concevez vos personnages, il est utile de comprendre certaines des principales différences entre les proportions et le langage des formes des hommes et des femmes.

Une bonne façon d’acquérir une compréhension de ces différences est d’étudier fréquemment des références photographiques ou réelles. Bien que les proportions de chacun soient totalement uniques à soi et que tout le monde ne rentre pas dans ces catégories de genre, il existe quelques règles de base que vous pouvez appliquer à votre travail pour que vos personnages paraissent plus masculins ou féminins.

Faces masculines vs féminines

Character Design - Masculine vs Feminine Face
@jmr_art

Lorsqu’il s’agit d’illustrer des visages, il existe quelques différences essentielles entre les visages masculins et féminins. Par rapport à un visage féminin, un visage masculin aura tendance à avoir : 

  • Un nez plus long/plus large. 
  • Une plus grande distance entre leur nez et leurs lèvres. 
  • Des sourcils plus droits et plus épais qui se trouvent assez près de leurs yeux.  
  • Un arcade sourcilière plus proéminente.
  • Des traits plus carrés avec une structure osseuse proéminente. 
  • Un menton proéminent/une zone mentonnière plus large. 

Par rapport aux visages masculins, les femmes ont généralement: 

  • Des yeux plus arrondis. 
  • Une structure osseuse plus douce avec une mâchoire plus en forme de V. 
  • Des lèvres légèrement plus pulpeuses en moyenne. 
  • Des sourcils plus incurvés. 
  • Un nez plus étroit/petit.

Structure corporelle masculine vs féminine

Character Design - Masculine vs Feminine Character
@steverudeart et @artofwarrenlouw

En raison de niveaux hormonaux variables, les hommes et les femmes vont avoir des compositions corporelles différentes. Surtout quand il s’agit de savoir où nous sommes susceptibles de retenir la graisse et comment nous gagnons du muscle. Certaines choses importantes à noter à ce sujet sont : 

  • Les hanches des femmes sont généralement la partie la plus large de leur corps, alors que pour les hommes, la zone la plus large est leurs épaules.
  • La taille des hommes est plus basse que celle des femmes.
  • Comme les femmes ont tendance à retenir plus de graisse naturellement dans leur corps, elles auront généralement des traits plus doux et plus arrondis.
  • Les hommes ont généralement plus de masse maigre, ce qui signifie qu’ils auront plus de tonus musculaire, des structures osseuses visibles et des traits anguleux ou carrés.
  • Les femmes auront généralement plus de poids dans leurs hanches et leurs cuisses, tandis que les hommes auront le leur autour de leur abdomen. (Bien que cela varie d’une personne à l’autre.)
  • Les hommes ont de plus gros morceaux de cartilage entourant leur boîte vocale, ce qui entraîne la pomme d’Adam, alors que les femmes n’ont généralement pas cela.
  • Les hommes auront généralement des poils corporels plus épais et plus proéminents.

Les personnages masculins et féminins ont une épaisseur de cheveux différente
@art_bymemo

Il est important de noter, qu’en raison de l’impressionnante diversité de la génétique humaine dans le monde, peu d’hommes et de femmes répondront à chacune de ces règles. C’est une excellente nouvelle ! Cela signifie qu’une fois que vous avez une compréhension générale de ces caractéristiques, vous pouvez choisir lesquels de ces traits masculins et féminins correspondent le mieux à vos conceptions de personnages !  

Choisissez-vous les bonnes poses pour vos personnages ? 

Poser correctement vos personnages peut être l’une des parties les plus importantes du processus de conception. La pose de votre personnage peut communiquer beaucoup sur sa personnalité à votre public! 

Dessin de gestes

Conseils de conception de personnages pour choisir le bon geste
@artofwarrenlouw

La première étape pour créer des poses de personnages étonnantes est le dessin de gestes ! Pratiquer le dessin de gestes à partir de références de vie, de films ou de photographies est un excellent moyen de rendre vos poses de personnages plus dynamiques. Ici, à 21 Draw, nous avons un cours génial qui vous apprendra tout sur ‘Gesture Drawing’ et comment développer vos compétences en dessin de pose !

Quelques conseils de dessin de gestes pour vous aider à démarrer: 

  • Débutez votre dessin de pose en traçant laligne d’action. Cette ligne suivra typiquement la courbure de la colonne vertébrale et représentera la forme globale de la pose. 
  • Cartographiez les principales parties du corps en utilisant des formes et des lignes simples. 
  • Focalisez vous sur les lignes qui doivent être droites et celles qui sont courbes pour créer un travail de ligne plus dynamique. 
  • Dessinez librement, en utilisant tout votre bras pour guider le crayon, en suivant le flux global de la pose. 
  • Vérifiez à nouveau vos proportions et vos angles au fur et à mesure. 

Que dit votre pose sur votre personnage ?

Exemple de poses épaule haute "agressive&quot ; et épaule basse "passive&quot ;
@pumbaaguy

La pose que vous choisissez pour votre personnage peut communiquer beaucoup sur sa personnalité, ses émotions et ses désirs.

Par exemple, l’utilisation d’une ligne d’action concave (en forme de c,) pour la pose de votre personnage peut l’aider à paraître timide ou triste, tandis qu’une courbe convexe peut être utilisée pour le faire paraître plus confiant ou heureux.

Donc, avant de choisir votre pose, réfléchissez à ce que vous voulez dire de votre personnage et à la meilleure façon d’illustrer cette information par des courbes, des inclinaisons et des expressions !

Un personnage six poses assises
@pumbaaguy

Il y a tellement de façons différentes de modifier la pose de votre personnage pour la rendre plus efficace. Si vous êtes intéressé à améliorer votre pose, Tony Bancroft a un cours incroyable sur ‘Drawing Character Poses with Personality’ que je recommande fortement de vérifier!

Créer une pose avec une silhouette lisible !

Une fois votre design cloué sur place, vous pouvez commencer à réfléchir à la façon dont vous allez poser votre personnage. Un moyen facile de vérifier si votre pose fonctionne ou non est de créer une silhouette de la pose et de voir si elle se lit toujours bien. Les bonnes poses sont facilement compréhensibles même lorsqu’elles sont silhouettées !

Conseils pour créer des personnages à la silhouette lisible
@rheatibbey

Comme vous pouvez le voir avec la pose de gauche, lorsque la pose du personnage est silhouettée, ses pompons de pom-pom girls et la plupart de son costume sont masqués en raison de la pose, ce qui rend difficile d’avoir un aperçu de son caractère.

Par contre, dans la pose de droite, son action et son design restent clairs, même lorsqu’elle est silhouettée – communiquant beaucoup plus d’informations sur le personnage au téléspectateur.

En faisant des choix de pose forts pour vos personnages, vous améliorerez considérablement la lisibilité de vos dessins de personnages ! 

Conseils de création de personnages pour une bonne silhouette
@pumbaaguy

Trouver une nouvelle perspective! 

Vous avez déjà travaillé sur une pièce pendant si longtemps que vous ne pouvez plus vraiment dire s’il y a des erreurs ? Il peut être vraiment difficile de voir les erreurs dans votre propre travail, il est donc vraiment important de chercher à obtenir du feedback!

Pour beaucoup de débutants, ce feedback viendra de leurs professeurs. Cependant, si vous n’étudiez pas, il y a encore quelques endroits où vous pouvez obtenir du feedback, notamment en demandant à vos amis, à votre famille, ou même à d’autres artistes en ligne ! Il y a des tonnes d’artistes adorables sur les médias sociaux qui seront heureux de vous aider si vous le demandez !

Comment choisir votre palette de couleurs

Une fois que vous avez finalisé le design de votre personnage, vous serez prêt à commencer à réfléchir aux couleurs que vous voulez utiliser dans votre illustration.

Les couleurs que vous choisissez pour votre personnage peuvent dicter beaucoup de choses sur le type de personnage qu’il est ainsi que sur la façon dont il se démarquera de son environnement prévu. Pour faciliter cette décision, vous pouvez choisir un schéma de couleurs spécifique pour votre conception.

L’artiste talentueuse Meike Schneider a des leçons incroyables sur la théorie des couleurs dans son cours ‘Dessiner un personnage féminin’ qui vous aideront vraiment à comprendre ces combinaisons de couleurs !

Voici quelques-unes des combinaisons de couleurs géniales que vous pourriez vouloir essayer! 

Couleurs complémentaires

Les couleurs complémentaires sont l’exact opposé l’une de l’autre sur la roue chromatique. Cela donne un aspect très contrasté et audacieux. Si vous voulez que votre personnage se démarque, un schéma de couleurs complémentaires est parfait !

Schéma de couleurs complémentaires
@meikearts

Comme vous pouvez le voir dans l’exemple ci-dessous, l’utilisation de couleurs complémentaires pour le design d’un personnage permet vraiment de faire ressortir les détails dans l’illustration ! Cela peut être un outil utile lorsque vous créez un protagoniste qui doit être le centre d’intérêt de votre dessin. 

Un design de personnage avec un schéma de couleurs complémentaires
@meikearts

Couleurs monochromes

Un schéma de couleurs monochromatiques utilise uniquement les tons, teintes et nuances d’une seule teinte sur la roue chromatique. Cela crée un aspect vraiment unique et souvent émotif dans une illustration. Si vous cherchez à faire des choix de couleurs relativement simples, cette méthode pourrait être la meilleure pour vous! 

Schéma de couleurs monocromatique
@meikearts

Ce schéma de couleurs est idéal pour créer des personnages aux traits bien définis qui peuvent être mieux exprimés par une couleur spécifique. Si vous avez un design de personnage très complexe, les couleurs monochromatiques peuvent également aider à simplifier leur apparence et à la rendre plus attrayante sur le plan visuel.

Un schéma de couleurs monochromatiques est également un excellent choix si vous cherchez à améliorer votre compréhension des valeurs lors de la coloration et de l’ombrage de votre travail! 

Exemple de personnage en couleur monochrome
@meikearts

Couleurs triadiques

Si vous cherchez à avoir un peu plus de variation dans votre palette de couleurs, la méthode triadique pourrait être ce qu’il vous faut ! Ces combinaisons de couleurs utilisent 3 couleurs qui sont également espacées sur la roue chromatique.

Lorsqu’il s’agit d’utiliser des couleurs triadiques, il est préférable de choisir l’une des trois pour être la plus proéminente dans vos illustrations et d’utiliser les 2 autres pour mettre en valeur les petits détails. 

Schéma de couleurs triadiques
@meikearts

Cette combinaison de couleurs crée un look très vivant, même lorsque les couleurs sont atténuées. Il est mieux utilisé pour les personnages ayant une énergie ludique, car ces combinaisons de couleurs peuvent souvent donner une impression de jeunesse. Les couleurs triadiques sont donc parfaites pour les personnages destinés à un public plus jeune !

Exemple de schéma de couleurs triadiques
@meikearts 

Couleurs chaudes VS couleurs froides

Cool vs Warm Colors
@meikearts 

Lorsqu’il s’agit d’utiliser des couleurs chaudes par rapport à des couleurs froides, il y a quelques éléments clés à prendre en compte. Lorsqu’ils sont ajoutés à une illustration, les objets de couleur chaude sembleront généralement plus proches du spectateur, tandis que les objets plus froids sembleront plus éloignés.

Cela est dû à la perspective atmosphérique, qui n’est essentiellement que l’effet des particules dans l’atmosphère faisant que les choses plus éloignées ont une teinte bleutée.

La température de couleur de vos personnages aura un effet similaire, par exemple, les personnages aux couleurs plus chaudes se démarqueront et se sentiront en confiance, tandis que les personnages aux tons plus froids pourront paraître plus fermés et mystérieux. 

Cependant, comme toute chose en art, ces règles peuvent être brisées si vous avez envie d’expérimenter pour créer des designs plus inattendus !

Méthodes pour ajouter de la couleur à votre design

Conseils pour ajouter de la couleur à vos créations
@philipsue_art

Il y a deux façons principales pour les artistes d’ajouter de la couleur à leurs illustrations. La première, probablement la méthode la plus évidente, est de commencer tout de suite avec de la couleur ou en dessous de votre dessin au trait. Cette méthode est excellente lorsque vous savez déjà quelles couleurs vous voulez utiliser et elle donne une sensation similaire à celle de la coloration ou de la peinture traditionnelle. 

Cependant, une autre option de coloration consiste à d’abord peindre numériquement votre personnage en niveaux de gris avant d’utiliser une gamme de couches de mélange de couleurs pour finaliser l’aspect de votre pièce.

Cette méthode vous permet d’expérimenter davantage avec les couleurs de votre dessin, tout en obtenant les valeurs correctes dans votre ombrage. Si vous essayez actuellement d’améliorer vos compétences en matière d’éclairage et d’ombrage, je vous recommande vraiment d’essayer cette méthode !co

Alors, maintenant que vous avez tous ces conseils géniaux sur la conception de personnages, êtes-vous prêt à commencer à créer vos propres personnages ?

Si vous voulez en apprendre ENCORE PLUS, vous pouvez trouver les cours géniaux mentionnés dans ce post ici!

Rhea
Rhea

Rhea est une artiste conceptuelle australienne qui étudie actuellement à l'université Griffith. Elle est passionnée par la diffusion de son amour de l'art auprès des autres.

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Comment faire une feuille de conception de personnage !
1 commentaire
Jesus Cerda
June 29, 2022

These are excellent tips. I feel grateful that I had the opportunity to read this post!

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