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Disegno del personaggio

39 consigli per la creazione di personaggi per artisti da principianti ad avanzati

Rhea
Jun 10, 2022
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Avete mai provato a disegnare il vostro personaggio e vi siete resi conto di quanto possa essere complicato il processo? Il design di un personaggio richiede molto lavoro, quindi può essere difficile sapere da dove cominciare. Fortunatamente, ci sono alcuni semplici consigli per il design di un personaggio che potete usare per migliorare notevolmente i vostri progetti!

Character Design Tips
Disney- Concept Design per Moana (2016) 

Quali sono i 7 passi per un grande design dei personaggi?

  1. Trova ciò che ti motiva!
  2. Fai molti studi di anatomia e texture.
  3. Considera CHI è il tuo personaggio?
  4. Utilizza il linguaggio delle forme.
  5. Scegli una posa espressiva!
  6. Crea una combinazione di colori intelligente.
  7. Pratica, pratica, pratica!

Che cos’è il design dei personaggi? 

Il design dei personaggi ha sempre avuto un ruolo chiave nell’industria del concept-design. Che si tratti di design per il cinema, la TV, i giochi, la pubblicità o un progetto personale, ci vuole molta creatività e abilità per creare un personaggio efficace.

Per capire come appaiono i design dei grandi personaggi, basta guardare al lavoro della nota azienda di mass media Disney, i cui personaggi iconici rimangono nomi comuni, nonostante alcuni di essi siano stati introdotti già negli anni Trenta.

Disney- Biancaneve e i sette nani (1937) 

Tuttavia, la Disney è solo un esempio: ci sono molti stili che possono essere utilizzati per creare personaggi efficaci, a patto che si sappia come usarli. Ecco quindi 39 consigli e trucchi per il design dei personaggi per aiutarvi a creare i vostri fantastici personaggi!

Come nasce il design dei personaggi?

Che si utilizzi Adobe Illustrator, Photoshop, Procreate o qualsiasi altro software o mezzo, il processo di progettazione dei personaggi inizierà nello stesso punto!

La progettazione di ogni personaggio inizia con un’idea. Questa idea può spesso avere la forma di un brief del cliente o anche di un progetto personale!

Come trovare idee per il design dei personaggi?

A volte trovare l’ispirazione per i propri disegni può sembrare impossibile! Ma non preoccupatevi, ci sono diversi modi per liberare la vostra creatività.

Ispirati dagli artisti di Instagram

Guardare le incredibili opere dei vostri artisti preferiti può davvero aiutare a migliorare la vostra creatività e darvi nuove tecniche e idee da provare nel vostro lavoro.

Ad esempio, il talentuoso artista Ross Tran, alias @rossdraws, è noto per i suoi dipinti digitali in cui prende immagini di se stesso o di oggetti quotidiani e li trasforma in scene fantastiche. Nell’immagine qui sotto, ha usato le caramelle a forma di cuore come ispirazione per una bellissima character art. Perché non provare a farlo utilizzando gli oggetti di casa vostra?

@rossdraws

Fai un disegno basato sul testo della tua canzone preferita

La musica può essere un’altra fantastica valvola di sfogo creativa e per questo molti artisti la trovano incredibilmente ispirante per la creazione di disegni di personaggi. Prendiamo ad esempio questo disegno di @the.flightless.artist, Isabel Burke. Isabel ha trasformato la canzone ‘A Burning Hill’ di Mitski in questo splendido disegno!

Prendete le cuffie e ascoltate la vostra playlist preferita. Cercate di trovare canzoni che vi ricordino il vostro personaggio e lasciatevi ispirare dai testi e dalle melodie!

 @the.flightless.artist. Isabel Burke (2019) 

Viaggio nella galleria d’arte locale

Quando è stata l’ultima volta che siete andati in una galleria d’arte? Sia l’arte tradizionale che quella contemporanea possono essere di grande ispirazione per la creazione di disegni di personaggi.

Molte gallerie d’arte offrono l’ingresso gratuito. Quindi cercate una galleria locale e andate a vedere le opere esposte! Prestate attenzione ai diversi stili, texture e colori utilizzati dagli altri artisti e iniziate a pensare a quali tecniche potete incorporare nei vostri progetti

Una persona che guarda i dipinti in una galleria d'arte
Foto di: AJ Brustein, Inside the Louvre. 

Viaggiare a piedi

A volte il miglior rimedio per un blocco artistico è prendersi una pausa dal lavoro e fare qualcosa di rilassante. L’aria aperta offre infinite forme di ispirazione, dalle persone che si vedono in città al bellissimo ambiente naturale.

Quindi, se state lottando per definire i concetti finali del vostro progetto, fate una passeggiata e vedete quali nuove idee riuscite a trovare! 

Fai la tua ricerca

Una volta che avete in mente un’idea di personaggio, il passo successivo dovrebbe essere quello di iniziare a fare ricerche. Ponetevi domande come:

Qual è il contesto del mio personaggio? Com’è il luogo in cui vive? Cosa indosserebbero per questo clima? In che epoca vivono? Qual è il loro status socio-economico e come influenzerebbe il loro design?

Esempio di come la ricerca può informare il design dei personaggi

@art_bymemo

Una volta risposto a queste domande, cercate di trovare quante più informazioni scritte e visive possibili. Compilate delle tavole d’atmosfera e degli appunti a partire dalle vostre scoperte.

Un personaggio ben studiato avrà molta più credibilità e risuonerà davvero con il suo pubblico. Una volta terminate le ricerche, dovreste avere abbastanza materiale di riferimento per iniziare a disegnare il vostro personaggio.

Un buon esempio di come utilizzare le immagini di riferimento può essere visto in questo esempio tratto dal nostro corso “Come disegnare un personaggio dei cartoni animati” di Maria Lia Malandrino.

Come migliorare la tua forma di disegno di un personaggio?

Una parte fondamentale della creazione di buoni personaggi dei cartoni animati è una forte comprensione della forma e dell’anatomia. Alcuni esercizi per migliorare le vostre abilità sono: 

  1. Fare studi di disegno anatomico. 
  2. Fare un corso di disegno dal vero di persona o online. 
  3. Esercitarsi a disegnare le aree del corpo che si trovano più difficili – mani, piedi, ecc. 
  4. Visitare uno zoo o un museo e disegnare gli animali. 
  5. Andare in un parco e disegnare le diverse piante e persone che si vedono. 
Lo studio dell'anatomia migliora le capacità di disegno
Leonardo Da Vinci. Studi di anatomia – Una vita nel disegno, mostra alla Manchester Art Gallery

Lo studio della vita è una pratica artistica antica e incredibilmente efficace per migliorare le proprie capacità di progettazione dei personaggi. Un esempio sono gli studi di anatomia di Leonardo Da Vinci. Da Vinci si dedicò ad acquisire una comprensione completa della forma umana per migliorare il suo lavoro.

Quale archetipo si adatta meglio al tuo personaggio?

Quando si progetta un personaggio, ci sono una marea di archetipi diversi a cui ci si può ispirare. L’utilizzo di questi tipi di personaggi ben noti permette ai vostri progetti di essere facilmente compresi dal pubblico. Molti designer di personaggi utilizzano gli archetipi nei loro progetti!

Il corso di Randy Bishop, ‘Fundamentals of Character Design’ fa un ottimo lavoro di approfondimento su tutti questi archetipi e su come utilizzarli nei vostri progetti.

Tipi di archetipi di personaggi
DreamWorks Animation. Megamind (2010) 

Archetipi per un design memorabile dei personaggi?

  1. L’eroe o il guerriero: Un personaggio coraggioso e sicuro di sé che lavora per aiutare una causa. Gli eroi sono tipicamente il personaggio principale e nei loro disegni si vedrà molto linguaggio di forma quadrata. Questo archetipo è perfetto per i personaggi che si distinguono e che si preoccupano davvero di proteggere gli altri. 
Esempio di archetipo di personaggio eroe
Disney Pixar. Gli Incredibili – Mr Incredible. (2004) 
  1. Il personaggio ribelle o fuorilegge: Un personaggio che ha talento, ma che non lavora per nessuna causa o non ama le figure autoritarie. Questo tipo di personaggio è spesso conosciuto come un antieroe, ma spesso può essere più grigio moralmente del tipico eroe. Questo archetipo è caratterizzato da un linguaggio più triangolare.
Esempio di archetipo di personaggio fuorilegge
DreamWorks Animation. Megamind (2010) 

  1. L’esploratore: Questi personaggi sono robusti, dallo spirito libero e mascolino, sempre alla ricerca di nuove cose. Gli esploratori sono tipicamente una combinazione di forme di linguaggio quadrate e triangolari, che offrono loro molte interessanti possibilità di design!
Esempio di archetipo di personaggio caregiver
DreamWorks Animation. Sinbad: La leggenda dei sette mari. (2003)
  1. Il Creatore: Un personaggio inventivo e creativo, spesso nerd e introverso. Lo stile di questo personaggio è caratterizzato da una combinazione di curve e forme angolari. È anche comune che i creatori abbiano una testa esagerata e di grandi dimensioni per comunicare la loro intellettualità.
Esempio di archetipo di personaggio creatore
Disney. Incontra i Robinson. (2007) 
  1. Il sovrano: Un personaggio leader che si concentra sul mantenimento dell’ordine. Questo archetipo di solito raffigura un personaggio dispotico con caratteristiche molto forti. Il linguaggio delle forme per questi personaggi può variare, tuttavia il linguaggio delle forme quadrate è sempre una base solida. 
Esempio di archetipo di personaggio dominatore
Sony Pictures. Spider-Man: Into the Spider-Verse. (2018) 
  1. Il Mago: Un personaggio eccentrico che è in grado di creare/manipolare la magia. Ci si può divertire molto con l’esagerazione in questi personaggi: le loro forme sono tipicamente spigolose e stravaganti.
Esempio di archetipo di personaggio mago
Disney. arte concettuale di Claire Keane per Frozen. (2013) 
  1. La badante: Un personaggio premuroso che ha un aspetto morbido e confortante. I disegni dei caregiver utilizzano principalmente forme circolari, che conferiscono loro un’estetica sana e coccolosa. Questi tratti li rendono un tipo di personaggio tipicamente carino.
Esempio di archetipo di personaggio caregiver
Disney. Big Hero 6. (2014) 
  1. Il Giullare: Un personaggio comico con un aspetto eccentrico e spesso accattivante. Questo è un altro archetipo in cui si può sperimentare con l’esagerazione! Il design del buffone spesso si allontana dai confini dello standard di bellezza ideale in un modo che può essere sia comico che confortante.
Esempio di archetipo di personaggio giullare
Disney. Lilo &; Stitch (2002) 
  1. L’amante: Un personaggio che si dedica a ciò che ama. Non esiste un modo corretto di rappresentare l’amante, poiché personaggi diversi saranno attratti da apparenze diverse. Tuttavia, se siete bloccati, usare le caratteristiche che di solito sono associate agli ideali di bellezza della società può essere un buon punto di partenza.
Esempio di archetipo di personaggio amante
Disney. Enchanted. (2007) 
  1. Il Saggio / Harold: Un personaggio che guida altri personaggi – tipicamente rappresentato come vecchio e saggio. Questo archetipo ha spesso una combinazione di linguaggio di forma circolare e angolare.
Esempio di archetipo di personaggio Sage o Harold
DreamWorks. Kung Fu Panda. (2008) 

Una volta conosciuti questi archetipi, sarete in grado di creare disegni che comunichino chiaramente la personalità del vostro personaggio. Se nessuna di queste categorie vi sembra adatta al vostro personaggio, potete sempre combinare più tropi o sovvertirli completamente per creare disegni unici e infiniti!

Chi è il tuo Demografico?

Quando si progetta un personaggio è importante sapere chi è il proprio pubblico. Ad esempio, un disegno che piace ai bambini non sempre piace agli adulti o viceversa. Quindi, prima di iniziare la progettazione, prendetevi un momento per pensare al vostro pubblico. Quanti anni hanno? Hanno un sesso in particolare? Dove vivono? Rispondere a queste domande vi permetterà di adattare i vostri disegni al vostro pubblico e quindi di garantire che il vostro personaggio sia coinvolgente.

Un personaggio con un cappuccio blu e una tunica
Warner Bros. Teen Titans Go & Team Titans

Guardate questi due disegni di Raven dei Teen Titans. Il primo disegno è rivolto ai bambini più piccoli, mentre il secondo è rivolto agli adolescenti. Come si può notare, quando si progetta per gli spettatori più giovani si preferiscono disegni più semplificati.

Quale linguaggio di forma si dovrebbe usare? 

Cinque esempi di utilizzo del linguaggio delle forme nel design dei personaggi
21 Disegni. Il designer di personaggi. Kenneth Anderson @charactercube

Il linguaggio delle forme è una tecnica che comunica informazioni sul personaggio utilizzando le forme di base con cui il nostro cervello ha familiarità. Le forme primarie che sceglierete decideranno molto su come il pubblico vedrà il vostro personaggio, quindi è importante prendere in considerazione il significato di ogni forma.

L’incredibile libro d’arte di 21 Draw ‘The Character Designer’ è una grande risorsa se volete saperne di più su come usare questa tecnica in modo efficace nel vostro lavoro!

Le basi del linguaggio delle forme nel design dei personaggi
Walt Disney Museum. Risorse sul linguaggio delle forme.

Che forma avrà il tuo personaggio?

Cerchio: I personaggi che usano un linguaggio di forma circolare sono solitamente amichevoli ed estroversi, il tipo di personaggi che si desidera abbracciare. Questa forma è perfetta per badanti, bambini e altri personaggi gentili e innocenti.

Esempio di personaggio circolare o arrotondato
Disney Pixar. Monsters, Inc. (2001)

Quadrato: Il linguaggio a forma di quadrato è ottimo per personaggi forti, affidabili e sicuri di sé. La cosa bella di questa forma è che può essere usata per creare personaggi davvero intimidatori o molto rassicuranti, a seconda di come la si usa. I quadrati sono spesso utilizzati per personaggi come eroi, padri e altri personaggi con un ruolo paterno simile

Esempio di personaggio con forma quadrata
Disney Pixar. Monsters, Inc. (2001)  

Triangolo: Conosciuto come la forma malvagia, il triangolo è solitamente utilizzato nei disegni dei personaggi antagonisti. La forma triangolare può sembrare piuttosto aggressiva, motivo per cui questi personaggi sono spesso considerati sinistri e imprevedibili. È importante notare che più le forme triangolari sono allungate, più il personaggio apparirà minaccioso!

Esempio di triangolo su un personaggio
Disney Pixar. Monsters, Inc. (2001)

Nota: il vostro personaggio non deve necessariamente includere solo una delle tre forme! I personaggi più complessi saranno spesso una combinazione delle due forme che più rappresentano! Per esempio, il vostro personaggio potrebbe essere sia forte che gentile, oppure malvagio e sicuro di sé.

Buona e cattiva progettazione del personaggio 

Ci sono molti fattori diversi che contribuiscono all’efficacia del design di un personaggio. Ecco alcuni consigli per il design dei personaggi che vi aiuteranno a crearne sempre di buoni!

Prima di tutto, parliamo del thumbnailing. Quando si disegna un personaggio per la prima volta, è molto importante creare più iterazioni diverse. Questi dovrebbero essere piccoli schizzi e di solito vengono chiamati miniature del design.

Creare più schizzi del vostro personaggio vi permette di perfezionare il vostro design, in quanto vi aiuta a identificare gli elementi più efficaci in ogni iterazione.

Questo processo è utilizzato da molti disegnatori di personaggi professionisti per migliorare il proprio lavoro. Come si può vedere in queste miniature di concept art di ‘Obsidian’ del concept artist Andrew Erickson, il thumbnailing è una tecnica fantastica per testare una serie di idee per il proprio design. 

Cosa stai cercando di dire con il tuo design? 

Quando si creano personaggi memorabili è importantissimo pensare a cosa si sta cercando di comunicare con il proprio design. Alcuni fattori che dovrete considerare sono l’esagerazione del personaggio, i costumi e gli oggetti di scena. 

Esagerazione:

Esempio di uso dell'esagerazione nel design del personaggio
@loopydavestuff

Se volete che i vostri personaggi abbiano un’impressione forte e duratura sul pubblico, è importante utilizzare l’esagerazione nei vostri disegni. Considerate quali parti del vostro personaggio possono essere enfatizzate e quali semplificate per trasmettere al meglio la loro personalità.

Un buon disegno di personaggio è quello che può essere trasferito in uno stile molto semplicistico ed essere comunque identificabile – esempi di questo includono i disegni dei supereroi più popolari – che hanno caratteristiche facilmente leggibili indipendentemente dallo stile in cui sono disegnati!

Esempio dell'uso dell'esagerazione per disegnare un personaggio cattivo
@loopydavestuff

Per decidere quali parti del vostro personaggio esagerare, provate a identificare i tratti principali della sua personalità e della sua trama. Forse il vostro personaggio è un timido e un ottimo ascoltatore, quindi ha orecchie grandi e una bocca più piccola.

Oppure forse il vostro personaggio sta per partire per un viaggio, ma è ansioso e cerca di prepararsi troppo, quindi ha uno zaino comicamente grande. Le possibilità di esagerare le caratteristiche sono quasi infinite e dipendono completamente da ciò che si vuole enfatizzare del personaggio. 

Un buon modo per migliorare le proprie capacità di esagerazione è quello di esercitarsi a creare disegni in stile caricatura partendo da riferimenti reali. ‘Drawing Caricatures’ di LoopyDave è un’ottima risorsa per chi vuole provare a farlo!

Costumi e oggetti di scena

Il costume e gli oggetti di scena di un personaggio possono essere fondamentali per l’efficacia del design. Il design di un buon personaggio è caratterizzato da un costume ben studiato che riflette in modo significativo la sua personalità e il suo contesto.

Un personaggio in quattro diversi costumi e oggetti di scena
@art_bymemo

Prima di iniziare a disegnare l’abbigliamento del vostro personaggio, fate delle ricerche sul luogo in cui vive e sul tipo di attività che dovrà svolgere. Un buon costume sarà funzionale all’ambientazione del personaggio.

Questo può essere un po’ complicato quando si è agli inizi. Fortunatamente, ‘Illustrazione digitale per principianti’ di Laia Lopez, vi fornirà la perfetta introduzione al costume design per i personaggi!

Fatevi domande come:  Vivono in un clima freddo? Hanno bisogno di un abbigliamento o di oggetti speciali per vivere lì? I loro vestiti sono adatti alla loro occupazione? Ecc. Una volta studiati tutti questi fattori, potrete passare ad aggiungere un po’ di personalità al design del costume.

Quali colori piacciono al vostro personaggio? Cosa rappresentano del personaggio? I colori, i modelli, le trame e le forme che utilizzate per l’abbigliamento del vostro personaggio hanno il potenziale per comunicare molto sul vostro personaggio.

Un personaggio femminile vestito di pelle e pelliccia di animale blu
@charliebowater

Conosci il tuo personaggio

Personalità

Consigli per la progettazione del personaggio - Conosci il tuo personaggio
@charactercube

Quando si creano i personaggi, è importante considerare quale sarà la loro disposizione generale. Per deciderlo, pensate a quali comportamenti il vostro personaggio adotterebbe in un giorno medio. È timido, sicuro di sé, coraggioso, estroverso, pigro, laborioso o qualsiasi altra personalità di base che vi venga in mente? Capire la personalità del personaggio vi aiuterà a scegliere pose ed espressioni migliori durante l’illustrazione!

Emozioni

Un personaggio con emozioni felici e arrabbiate
@charactercube

Mentre la personalità è statica, le emozioni di un personaggio possono sempre cambiare. Questo è un aspetto che dovrebbe essere rappresentato nei vostri disegni. Per esempio, un personaggio che di solito è sicuro di sé avrà comunque dei momenti in cui si sentirà timido, a seconda delle circostanze.

Ogni personaggio esprimerà le proprie emozioni in modo diverso, quindi è importante tenerne conto quando si scelgono le espressioni facciali! 

Desiderio

Personaggio con una bolla di pensiero che indica il desiderio del personaggio
@charactercube

Proprio come ogni persona reale, i vostri personaggi dovrebbero avere cose che desiderano davvero ottenere o raggiungere. Questi desideri li renderanno molto più interessanti per il pubblico, in quanto daranno ai personaggi qualcosa per cui lavorare! 

I desideri di un personaggio determineranno le azioni che probabilmente eseguirà, rendendo molto più facile la scelta delle pose chiave per illustrare il vostro personaggio. 

Per saperne di più sulla creazione di personaggi emotivi con personalità ben definite, date un’occhiata a ‘Creating Expressive Characters’ del character designer Kenneth Anderson!

Quali sono le principali differenze tra la progettazione di personaggi maschili e femminili?

Differenza tra personaggi maschili e femminili
@randybishopart

Quando si disegnano i personaggi, è utile comprendere alcune delle principali differenze tra le proporzioni e il linguaggio delle forme maschili e femminili.

Un buon modo per comprendere queste differenze è studiare spesso riferimenti fotografici o reali. Anche se le proporzioni di ognuno sono totalmente uniche e non tutti rientrano in queste categorie di genere, ci sono alcune regole di base che potete applicare al vostro lavoro per far apparire i vostri personaggi più maschili o femminili.

Fronti maschili e femminili

Character Design - Masculine vs Feminine Face
@jmr_art

Quando si tratta di illustrare i volti, ci sono alcune differenze fondamentali tra volti maschili e femminili. Rispetto a un volto femminile, un volto maschile tenderà ad avere: 

  • Naso più lungo/più largo. 
  • Maggiore distanza tra il naso e le labbra. 
  • Sopracciglia più dritte e spesse che si avvicinano agli occhi.
  • Ossa sopracciglia più prominenti.
  • Formi più squadrati con una struttura ossea prominente.
  • Mento prominente/area del mento più ampia.

Rispetto ai visi maschili, le femmine hanno generalmente: 

  • Occhi più arrotondati. 
  • Struttura ossea più morbida con una mascella più a forma di V. 
  • Labbra leggermente più piene in media. 
  • Sopracciglia più arcuate. 
  • Naso più stretto/piccolo.

Struttura corporea maschile vs femminile

Character Design - Masculine vs Feminine Character
@steverudeart e @artofwarrenlouw

A causa dei diversi livelli ormonali, uomini e donne avranno composizioni corporee diverse. Soprattutto per quanto riguarda la quantità di grasso e la quantità di muscoli. Alcune cose importanti da notare a questo proposito sono: 

  • I fianchi delle donne sono di solito la parte più larga del corpo, mentre per gli uomini l’area più larga sono le spalle.
  • Il girovita degli uomini è più basso di quello delle donne.
  • Poiché le donne tendono a trattenere naturalmente più grasso nel loro corpo, avranno in genere tratti più morbidi e sinuosi.
  • Gli uomini hanno in genere più massa magra, il che significa che avranno più tono muscolare, strutture ossee visibili e tratti angolari o squadrati.
  • Le donne hanno generalmente un peso maggiore sui fianchi e sulle cosce, mentre gli uomini lo hanno intorno all’addome. (Anche se questo varia da persona a persona).
  • Gli uomini hanno pezzi di cartilagine più grandi che circondano la loro scatola vocale, con conseguente pomo d’Adamo, mentre le donne di solito non hanno questo.
  • Gli uomini di solito hanno una peluria più folta e prominente.
I personaggi maschili e femminili hanno capelli di spessore diverso
@art_bymemo

È importante notare che, a causa dell’impressionante diversità della genetica umana nel mondo, non molti uomini e donne corrisponderanno a tutte queste regole. Questa è un’ottima notizia! Significa che una volta ottenuta una comprensione generale di queste caratteristiche, potrete scegliere quali di questi tratti maschili e femminili si adattano meglio al design del vostro personaggio!  

Stai scegliendo le pose giuste per i tuoi personaggi? 

Porre correttamente i personaggi può essere una delle parti più importanti del processo di progettazione. La posa del personaggio può comunicare molto della sua personalità al pubblico!

Disegno del gesto

Consigli per il design del carattere per scegliere il gesto giusto
@artofwarrenlouw

Il primo passo verso la creazione di pose sorprendenti per i personaggi è il disegno gestuale! Esercitarsi nel disegno dei gesti partendo da riferimenti dal vero, da film o da fotografie è un ottimo modo per rendere più dinamiche le pose dei personaggi. Qui a 21 Draw abbiamo un corso fantastico che vi insegnerà tutto sul ‘Disegno gestuale’ e su come far crescere le vostre abilità di disegno di pose!

Alcuni consigli sul disegno gestuale per iniziare: 

  • Iniziate il disegno della posa tracciando la linea d’azione. Questa linea seguirà in genere la curvatura della colonna vertebrale e rappresenterà la forma complessiva della posa. 
  • Mappate le parti principali del corpo usando forme e linee semplici. 
  • Focalizzatevi su quali linee devono essere diritte e quali curve per creare un disegno più dinamico.
  • Disegnate in modo sciolto, usando tutto il braccio per guidare la matita, seguendo il flusso generale della posa.
  • Controllate le proporzioni e gli angoli man mano che procedete. 

Cosa dice la tua posa sul tuo personaggio?

Esempio di posa con spalla alzata "aggressiva" e spalla abbassata "passiva"
@pumbaaguy

La posa che scegli per il tuo personaggio può comunicare molto sulla sua personalità, sulle sue emozioni e sui suoi desideri.

Per esempio, usare una linea d’azione concava (a forma di C) per la posa del personaggio può aiutarlo a sembrare timido o triste, mentre una curva convessa può essere usata per farlo sembrare più sicuro di sé o felice.

Quindi, prima di scegliere la posa, pensate a ciò che volete dire del vostro personaggio e a come potete illustrare al meglio queste informazioni attraverso le curve, le inclinazioni e le espressioni!

Un personaggio sei pose sedute
@pumbaaguy

Ci sono molti modi diversi per modificare la posa del personaggio e renderla più efficace. Se siete interessati a migliorare la vostra posa, Tony Bancroft ha un fantastico corso su ‘Disegnare pose di personaggi con personalità’ che vi consiglio vivamente di seguire!

Creare una posa con una silhouette leggibile!

Una volta definito il disegno, si può iniziare a pensare a come mettere in posa il personaggio. Un modo semplice per verificare se la posa funziona o meno è creare una silhouette della posa e vedere se si legge ancora bene. Le buone pose sono facilmente comprensibili anche quando sono in silhouette!

Suggerimenti per la creazione di caratteri con silhouette leggibile
@rheatibbey

Come si può vedere nella posa a sinistra, quando il personaggio è in posa, i suoi pon-pon da cheerleader e la maggior parte del suo costume sono oscurati a causa della posa, rendendo difficile capire il suo carattere.

Nella posa di destra, invece, la sua azione e il suo design rimangono chiari anche quando è in silhouette, comunicando all’osservatore molte più informazioni sul personaggio.

Selezionando con decisione le pose dei vostri personaggi, migliorerete notevolmente la leggibilità dei disegni dei vostri personaggi!

Consigli per il design del personaggio per una buona silhouette
@pumbaaguy

Trova una nuova prospettiva! 

Vi è mai capitato di lavorare su un pezzo per così tanto tempo che non riuscite più a capire se ci sono errori? Può essere molto difficile vedere gli errori nel proprio lavoro, quindi è molto importante cercare un feedback!

Per molti principianti, questo feedback arriverà dai loro insegnanti. Tuttavia, se non stai studiando, ci sono ancora alcuni posti dove puoi ottenere un feedback, come chiedere ad amici, familiari o persino ad altri artisti online! Ci sono tonnellate di artisti adorabili sui social media che saranno felici di aiutarvi se glielo chiedete!

Come scegliere la combinazione di colori

Una volta finalizzato il design del personaggio, sarete pronti per iniziare a pensare ai colori da utilizzare nella vostra illustrazione.

I colori che scegliete per il vostro personaggio possono indicare molto sul tipo di personaggio e sul modo in cui si distinguerà dall’ambiente a cui è destinato. Per facilitare questa decisione, potreste scegliere uno schema di colori specifico per il vostro progetto.

La talentuosa artista Meike Schneider ha lezioni straordinarie sulla teoria del colore nel suo corso ‘Disegnare un personaggio femminile’ che vi aiuterà davvero a capire queste combinazioni di colori!

Ecco alcuni dei fantastici schemi di colore che potreste voler provare! 

Colori complementari

I colori complementari sono l’esatto opposto l’uno dell’altro sulla ruota dei colori. In questo modo si ottiene un aspetto fortemente contrastante e deciso. Se volete che il vostro personaggio si distingua, uno schema di colori complementari è perfetto!

Schema di colori complementari
@meikearts

Come si può vedere nell’esempio qui sotto, l’uso di colori complementari per il disegno di un personaggio permette davvero di far risaltare i dettagli nell’illustrazione! Questo può essere uno strumento utile quando si crea un protagonista che deve essere il fulcro del disegno. 

Un disegno di carattere con combinazione di colori complementari
@meikearts

Colori monocromatici

Una combinazione di colori monocromatica utilizza solo i toni, le tinte e le sfumature di una singola tonalità della ruota dei colori. Questo crea un aspetto davvero unico e spesso emotivo in un’illustrazione. Se volete fare scelte cromatiche relativamente semplici, questo potrebbe essere il metodo migliore per voi!

Schema di colori monocromatico
@meikearts

Questo schema di colori è ottimo per creare personaggi con tratti ben definiti che possono essere espressi al meglio attraverso un colore specifico. Se il design di un personaggio è molto complesso, i colori monocromatici possono anche aiutare a semplificarne l’aspetto e a renderlo visivamente più attraente.

Una combinazione di colori monocromatici è anche un’ottima scelta se state cercando di migliorare la vostra comprensione dei valori quando colorate e ombreggiate il vostro lavoro! 

Esempio di personaggio in colore monocromatico
@meikearts

Colori tridimensionali

Se volete variare un po’ di più la vostra combinazione di colori, il metodo triadico potrebbe fare al caso vostro! Queste combinazioni di colori utilizzano 3 colori equidistanti tra loro sulla ruota dei colori.

Quando si tratta di usare i colori triadici, è meglio scegliere uno dei tre per essere il più prominente nelle vostre illustrazioni e usare gli altri due per evidenziare dettagli più piccoli. 

Schema di colori triadici
@meikearts

Questa combinazione di colori crea un aspetto molto vivace, anche quando i colori sono attenuati. È ideale per i personaggi con un’energia giocosa, poiché queste combinazioni di colori possono spesso sembrare molto giovanili. Questo rende i colori triadici perfetti per i personaggi destinati a un pubblico più giovane!

Esempio di schema di colori triadico
@meikearts 

Colori caldi e colori freddi

Cool vs Warm Colors
@meikearts 

Quando si tratta di usare colori caldi o freddi, ci sono alcune cose fondamentali da considerare. Quando vengono aggiunti a un’illustrazione, gli oggetti dai colori caldi sembreranno più vicini all’osservatore, mentre quelli freddi sembreranno più lontani.

Questo è dovuto alla prospettiva atmosferica, che è essenzialmente l’effetto delle particelle nell’atmosfera che fanno sì che le cose più lontane abbiano una tonalità bluastra.

La temperatura di colore dei personaggi avrà un effetto simile, per esempio, i personaggi dai colori più caldi si distingueranno e si sentiranno sicuri, mentre i personaggi dai toni più freddi potrebbero apparire più chiusi e misteriosi. 

Tuttavia, come per qualsiasi altra cosa nell’arte, queste regole possono essere infrante se si ha voglia di sperimentare per creare disegni più inaspettati!

Metodi per aggiungere colore al vostro disegno

Consigli per aggiungere colore ai tuoi progetti
@philipsue_art

Ci sono due modi principali in cui gli artisti aggiungono il colore alle loro illustrazioni. Il primo, probabilmente il metodo più ovvio, è quello di iniziare subito con il colore o sotto le linee. Questo metodo è ottimo quando si sa già quali colori si vogliono usare e dà una sensazione simile alla colorazione o alla pittura tradizionale. 

Tuttavia, un’altra opzione di colorazione è quella di dipingere digitalmente il personaggio in scala di grigi prima di utilizzare una serie di livelli di fusione del colore per finalizzare l’aspetto del pezzo.

Questo metodo consente di sperimentare maggiormente con i colori del disegno, pur ottenendo i valori corretti nell’ombreggiatura. Se state cercando di migliorare le vostre capacità di illuminazione e di ombreggiatura, vi consiglio di provare questo metodo!

Quindi, ora che avete tutti questi fantastici consigli per il design dei personaggi, siete pronti per iniziare a creare i vostri personaggi?

Se volete imparare ancora di più, potete trovare i fantastici corsi citati in questo post qui!

Rhea
Rhea

Rhea è una concept artist australiana che attualmente studia alla Griffith University. È appassionata di diffondere il suo amore per l'arte agli altri.

15 Suggerimenti e trucchi di Procreate per principianti
Come creare un foglio di disegno del personaggio!
1 commento
Jesus Cerda
June 29, 2022

These are excellent tips. I feel grateful that I had the opportunity to read this post!

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