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Rhea
Hai mai provato a disegnare il tuo personaggio per poi renderti conto di quanto possa essere complicato il processo? La creazione di un personaggio richiede molto lavoro, quindi può essere difficile sapere da dove cominciare. Fortunatamente, ci sono alcuni semplici consigli per la creazione di un personaggio che puoi usare per migliorare notevolmente i tuoi progetti!
Il character design ha sempre avuto un ruolo chiave nell’industria del concept-design. Che si tratti di progettazione per il cinema, la TV, i giochi, la pubblicità o un progetto personale, ci vuole molta creatività e abilità per creare un personaggio efficace.
Per capire come com’è un buon character design, basta guardare al lavoro della nota azienda di mass media Disney, i cui iconici personaggi sono conosciuti da tutti, nonostante alcuni di essi risalgano agli anni ’30.
Tuttavia, la Disney è solo un esempio: ci sono molti stili che possono essere utilizzati per creare personaggi efficaci, a patto che si sappia come usarli. Ecco quindi 39 consigli e trucchi per la creazione del personaggio per aiutarti a creare i tuoi fantastici personaggi!
Che tu utilizzi Adobe Illustrator, Photoshop, Procreate o qualsiasi altro software o mezzo, il processo di progettazione del personaggio inizierà dallo stesso punto!
La progettazione di ogni personaggio inizia con un’idea. Questa idea può spesso avere la forma di un’indicazione del cliente o anche di un progetto personale!
A volte trovare l’ispirazione per i propri disegni può sembrare impossibile! Ma non preoccuparti, ci sono diversi modi per liberare la tua creatività.
Guardare le incredibili opere dei tuoi artisti preferiti può davvero aiutare a migliorare la tua creatività e darti nuove tecniche e idee da provare sui tuoi lavori.
Ad esempio, il talentuoso artista Ross Tran, alias @rossdraws, è noto per i suoi dipinti digitali in cui prende immagini di se stesso o di oggetti quotidiani e li trasforma in scene fantastiche. Nell’immagine qui sotto, ha usato le caramelle a forma di cuore come ispirazione per una bellissima character art. Perché non provare a farlo utilizzando gli oggetti di casa tua?
La musica può essere un’altra fantastica valvola di sfogo creativa e per questo molti artisti la trovano di enorme ispirazione per la progettazione dei personaggi. Prendiamo ad esempio questo disegno di @the.flightless.artist, Isabel Burke. Isabel ha trasformato la canzone “A Burning Hill” di Mitski in questo splendido disegno!
Prendi le cuffie e ascolta la tua playlist preferita. Cerca di trovare canzoni che ti ricordino il tuo personaggio e lasciati ispirare dai testi e dalle melodie!
Quando è stata l’ultima volta che hai visitato una galleria d’arte? Sia l’arte tradizionale che quella contemporanea possono essere di grande ispirazione per la progettazione dei personaggi.
Molte gallerie d’arte offrono l’ingresso gratuito, perciò cerca una galleria locale e vai a vedere le opere esposte! Presta attenzione ai diversi stili, texture e colori utilizzati dagli altri artisti e inizia a pensare a quali tecniche puoi incorporare nei tuoi progetti.
A volte il miglior rimedio per un blocco artistico è prendersi una pausa dal lavoro e fare qualcosa di rilassante. L’aria aperta offre infinite forme di ispirazione, dalle persone che si vedono in città al bellissimo ambiente naturale.
Quindi, se stai lottando per definire i concetti finali del tuo progetto, fai una passeggiata e vedi quali nuove idee riesci a trovare!
Una volta che hai in mente un’idea di personaggio, il passo successivo dovrebbe essere quello di iniziare a fare ricerche. Poniti domande come:
Qual è il contesto del mio personaggio? Com’è il luogo in cui vive? Cosa indosserebbe per questo clima? In che epoca vive? Qual è il suo status socio-economico e come influenzerebbe il suo design?
Una volta risposto a queste domande, cerca di trovare quante più informazioni scritte e visive possibili. Compila delle moodboard e degli appunti a partire dalle tue scoperte.
Un personaggio ben studiato avrà molta più credibilità e toccherà davvero il suo pubblico. Una volta terminate le ricerche, dovresti avere abbastanza materiale di riferimento per iniziare a progettare il tuo personaggio.
Un buon esempio di come utilizzare le immagini di riferimento può essere visto in questo esempio tratto dal nostro corso “Come disegnare un personaggio dei cartoni animati” di Maria Lia Malandrino.
Una parte fondamentale della creazione di buoni personaggi dei cartoni animati è una forte comprensione delle forme e dell’anatomia. Alcuni esercizi per migliorare le tue abilità sono:
Gli studio sulla vita sono una pratica artistica antica e incredibilmente efficace per migliorare le proprie capacità di progettazione dei personaggi. Un esempio sono gli studi di anatomia di Leonardo Da Vinci. Da Vinci si dedicò ad acquisire una comprensione completa della forma umana per migliorare il suo lavoro.
Quando si progetta un personaggio, ci sono una marea di archetipi diversi a cui ci si può ispirare. L’utilizzo di questi tipi di personaggi ben noti permette ai tuoi progetti di essere facilmente compresi dal pubblico. Molti designer di personaggi utilizzano gli archetipi nei loro progetti!
Il corso di Randy Bishop, “Fondamenti della creazione del personaggio” fa un ottimo lavoro di approfondimento su tutti questi archetipi e su come utilizzarli nei tuoi progetti.
Una volta conosciuti questi archetipi, sarai in grado di creare disegni che comunichino chiaramente la personalità del tuo personaggio. Se nessuna di queste categorie ti sembra adatta al tuo personaggio, puoi sempre combinare più tropi o sovvertirli completamente per creare disegni unici e infiniti!
Quando progetti un personaggio è importante sapere qual è il tuo pubblico. Ad esempio, un disegno che piace ai bambini non sempre piace agli adulti o viceversa. Quindi, prima di iniziare la progettazione, prenditi un momento per pensare al tuo pubblico. Quanti anni ha? Ha un sesso in particolare? Dove vive? Rispondere a queste domande ti permetterà di adattare i tuoi disegni al tuo pubblico e quindi di garantire che il tuo personaggio sia coinvolgente.
Guarda questi due disegni di Raven dei Teen Titans. Il primo disegno è rivolto ai bambini più piccoli, mentre il secondo è rivolto agli adolescenti. Come si può notare, quando si progetta per gli spettatori più giovani si preferiscono disegni più semplificati.
Il linguaggio delle forme è una tecnica che comunica informazioni sul personaggio utilizzando le forme di base con cui il nostro cervello ha familiarità. Le forme primarie che sceglierai decideranno molto su come il pubblico vedrà il tuo personaggio, quindi è importante prendere in considerazione il significato di ogni forma.
L’incredibile libro d’arte di 21 Draw “The Character Designer” è una grande risorsa se vuoi saperne di più su come usare questa tecnica in modo efficace nel tuo lavoro!
Cerchio: i personaggi che usano un linguaggio con forme circolari sono solitamente amichevoli ed estroversi, il tipo di personaggi che si desidera abbracciare. Questa forma è perfetta per aiutanti, bambini e altri personaggi gentili e innocenti.
Quadrato: il linguaggio con forme quadrate è ottimo per personaggi forti, affidabili e sicuri di sé. La cosa bella di questa forma è che può essere usata per creare personaggi davvero intimidatori o molto rassicuranti, a seconda di come la si usa. I quadrati sono spesso utilizzati per personaggi come eroi, padri e altri personaggi con un ruolo paterno simile.
Triangolo: conosciuto come la forma malvagia, il triangolo è solitamente utilizzato nei disegni dei personaggi antagonisti. La forma triangolare può sembrare piuttosto aggressiva, motivo per cui questi personaggi sono spesso considerati sinistri e imprevedibili. È importante notare che più le forme triangolari sono allungate, più il personaggio apparirà minaccioso!
Nota: il tuo personaggio non deve necessariamente includere solo una delle tre forme! I personaggi più complessi saranno spesso una combinazione delle due forme che più rappresentano! Per esempio, il tuo personaggio potrebbe essere sia forte che gentile, oppure malvagio e sicuro di sé.
Ci sono molti fattori diversi che contribuiscono all’efficacia del design di un personaggio. Ecco alcuni consigli per la progettazione dei personaggi che ti aiuteranno a crearne sempre di buoni!
Prima di tutto, parliamo degli schizzi. Quando si disegna un personaggio per la prima volta, è molto importante creare più iterazioni diverse. Questi dovrebbero essere piccoli schizzi e di solito vengono chiamati “thumbnail” del design.
Creare più schizzi del tuo personaggio ti permette di perfezionare il tuo progetto, in quanto ti aiuta a identificare gli elementi più efficaci in ogni iterazione.
Questo processo è utilizzato da molti disegnatori di personaggi professionisti per migliorare il proprio lavoro. Come si può vedere in queste miniature di concept art di “Obsidian” del concept artist Andrew Erickson, gli schizzi sono una tecnica fantastica per testare una serie di idee per il proprio progetto.
Quando si creano personaggi memorabili è importantissimo pensare a cosa si sta cercando di comunicare con il proprio disegno. Alcuni fattori che dovrai considerare sono l’esagerazione del personaggio, i costumi e gli oggetti di scena.
Se vuoi che i tuoi personaggi abbiano un impatto forte e duraturo sul pubblico, è importante utilizzare l’esagerazione nei tuoi disegni. Considera quali parti del tuo personaggio possono essere enfatizzate e quali semplificate per trasmettere al meglio la sua personalità.
Un personaggio è progettato bene quando può essere trasferito in uno stile molto semplicistico ed essere comunque identificabile. Esempi di questo includono i disegni dei supereroi più popolari, che hanno caratteristiche facilmente leggibili indipendentemente dallo stile in cui sono disegnati!
Per decidere quali parti del tuo personaggio esagerare, prova a identificare i tratti principali della sua personalità e della trama. Forse il tuo personaggio è un timido e un ottimo ascoltatore, quindi ha orecchie grandi e una bocca più piccola.
Oppure forse il tuo personaggio sta per partire per un viaggio, ma è ansioso e cerca di prepararsi troppo, quindi ha uno zaino comicamente grande. Le possibilità di esagerare le caratteristiche sono quasi infinite e dipendono completamente da ciò che si vuole enfatizzare del personaggio.
Un buon modo per migliorare le tue capacità di esagerazione è quello di esercitarti a creare disegni in stile caricatura partendo da riferimenti reali. “Disegnare caricature” di LoopyDave è un’ottima risorsa per chi vuole provare a farlo!
Il costume e gli oggetti di scena di un personaggio possono essere fondamentali per l’efficacia del design. Il design di un buon personaggio è caratterizzato da un costume ben studiato che riflette in modo significativo la sua personalità e il suo contesto.
Prima di iniziare a disegnare l’abbigliamento del tuo personaggio, fai delle ricerche sul luogo in cui vive e sul tipo di attività che dovrà svolgere. Un buon costume sarà funzionale all’ambientazione del personaggio.
Questo può essere un po’ complicato quando si è agli inizi. Fortunatamente, “Illustrazione digitale per principianti” di Laia Lopez, ti fornirà la perfetta introduzione al creazione del costume per i personaggi!
Fatti domande come: Vive in un clima freddo? Ha bisogno di un abbigliamento o di oggetti speciali per vivere lì? I suoi vestiti sono adatti alla sua occupazione? E così via. Una volta studiati tutti questi fattori, potrai passare ad aggiungere un po’ di personalità al design del costume.
Quali colori piacciono al tuo personaggio? Cosa rappresentano del personaggio? I colori, i modelli, le trame e le forme che utilizzi per l’abbigliamento del tuo personaggio hanno il potenziale per comunicare molto del tuo personaggio.
Quando crei dei personaggi, è importante considerare quale sarà la loro indole generale. Per deciderlo, pensa a quali comportamenti il tuo personaggio adotterebbe in un giorno qualsias. È timido, sicuro di sé, coraggioso, estroverso, pigro, laborioso o qualsiasi altra personalità di base che ti viene in mente? Capire la personalità del personaggio ti aiuterà a scegliere pose ed espressioni migliori durante l’illustrazione!
Mentre la personalità è statica, le emozioni di un personaggio possono sempre cambiare. Questo è un aspetto che dovrebbe essere rappresentato nei tuoi disegni. Per esempio, un personaggio che di solito è sicuro di sé avrà comunque dei momenti in cui si sentirà timido, a seconda delle circostanze.
Ogni personaggio esprimerà le proprie emozioni in modo diverso, quindi è importante tenerne conto quando scegli le espressioni facciali!
Proprio come ogni persona reale, i tuoi personaggi dovrebbero avere cose che desiderano davvero ottenere o raggiungere. Questi desideri li renderanno molto più interessanti per il pubblico, in quanto daranno ai personaggi qualcosa a cui lavorare!
I desideri di un personaggio determineranno le azioni che probabilmente eseguirà, rendendo molto più facile la scelta delle pose chiave per illustrare il tuo personaggio.
Per saperne di più sulla creazione di personaggi emotivi con personalità ben definite, dai un’occhiata a “Creare personaggi espressivi” del character designer Kenneth Anderson!
Quando si disegnano i personaggi, è utile comprendere alcune delle principali differenze tra le proporzioni e il linguaggio delle forme maschili e femminili.
Un buon modo per comprendere queste differenze è studiare spesso riferimenti fotografici o reali. Anche se le proporzioni di ognuno sono totalmente uniche e non tutti rientrano in queste categorie di genere, ci sono alcune regole di base che puoi applicare alle tue opere per far apparire i tuoi personaggi più maschili o femminili.
Quando si tratta di illustrare i volti, ci sono alcune differenze fondamentali tra volti maschili e femminili. Rispetto a un volto femminile, un volto maschile tenderà ad avere:
Rispetto ai volti maschili, quelli femminili hanno generalmente:
A causa dei diversi livelli ormonali, uomini e donne avranno caratteristiche corporee diverse. Soprattutto per quanto riguarda la quantità di grasso e la quantità di muscoli. Alcune cose importanti da notare a questo proposito sono:
È importante notare che, a causa dell’impressionante diversità della genetica umana nel mondo, non molti uomini e donne corrisponderanno a tutte queste regole. Questa è un’ottima notizia! Significa che una volta ottenuta una comprensione generale di queste caratteristiche, potrai scegliere quali di questi tratti maschili e femminili si adattano meglio al design del tuo personaggio!
Usare correttamente la posa dei personaggi può essere una delle parti più importanti del processo di progettazione. La posa del personaggio può comunicare molto della sua personalità al pubblico!
Il primo passo verso la creazione di pose sorprendenti per i personaggi è il disegno dei gesti! Esercitarsi nel disegno dei gesti partendo da riferimenti dal vero, da film o da fotografie è un ottimo modo per rendere più dinamiche le pose dei personaggi. Qui su 21 Draw abbiamo un corso fantastico che ti insegnerà tutto sul “Il disegno dei gesti” e su come far crescere le tue abilità nel disegnare le pose!
Alcuni consigli sul disegno dei gesti per iniziare:
La posa che scegli per il tuo personaggio può comunicare molto sulla sua personalità, sulle sue emozioni e sui suoi desideri.
Per esempio, usare una linea d’azione concava (a forma di C) per la posa del personaggio può aiutarlo a sembrare timido o triste, mentre una curva convessa può essere usata per farlo sembrare più sicuro di sé o felice.
Quindi, prima di scegliere la posa, pensa a ciò che vuoi dire del tuo personaggio e a come puoi illustrare al meglio queste informazioni attraverso le curve, le inclinazioni e le espressioni!
Ci sono molti modi diversi per modificare la posa del personaggio e renderla più efficace. Se ti interessa migliorare le tue pose, Tony Bancroft ha un fantastico corso su “Disegnare pose di personaggi con personalità” che ti consiglio vivamente di seguire!
Una volta definito il disegno, puoi iniziare a pensare a come mettere in posa il personaggio. Un modo semplice per verificare se la posa funziona o meno è creare una silhouette della posa e vedere se si legge ancora bene. Le buone pose sono facilmente comprensibili anche quando sono in silhouette!
Come si può vedere nella posa a sinistra, quando il personaggio è in posa, i suoi pompon da cheerleader e la maggior parte del suo costume sono oscurati a causa della posa, rendendo difficile capire il suo carattere.
Nella posa di destra, invece, la sua azione e il suo design rimangono chiari anche quando è in silhouette, comunicando all’osservatore molte più informazioni sul personaggio.
Selezionando con decisione le pose dei tuoi personaggi, migliorerai notevolmente la leggibilità dei disegni dei tuoi personaggi!
Ti è mai capitato di lavorare su un pezzo per così tanto tempo da non riuscire più a capire se ci sono errori? Può essere molto difficile vedere gli errori nel proprio lavoro, quindi è molto importante cercare un feedback!
Per molti principianti, questo feedback arriverà dai loro insegnanti. Tuttavia, se non stai studiando, ci sono ancora alcuni modi per ottenere un feedback, come chiedere ad amici, familiari o persino ad altri artisti online! Ci sono tonnellate di artisti adorabili sui social media che saranno felici di aiutarti se glielo chiedi!
Una volta finalizzato il design del personaggio, potrai iniziare a pensare ai colori da utilizzare nella tua illustrazione.
I colori che scegli per il tuo personaggio possono indicare molto sul tipo di personaggio e sul modo in cui si distinguerà nell’ambiente a cui è destinato. Per facilitare questa decisione, potresti scegliere uno schema di colori specifico per il tuo progetto.
La talentuosa artista Meike Schneider dà lezioni straordinarie sulla teoria del colore nel suo corso “Disegnare un personaggio femminile” che ti aiuterà davvero a capire queste combinazioni di colori!
Ecco alcuni dei fantastici schemi di colore che potresti voler provare!
I colori complementari sono l’esatto opposto l’uno dell’altro sulla ruota dei colori. In questo modo si ottiene un aspetto fortemente contrastante e deciso. Se vuoi che il tuo personaggio spicchi, uno schema di colori complementari è perfetto!
Come si può vedere nell’esempio qui sotto, l’uso di colori complementari per il disegno di un personaggio permette davvero di far risaltare i dettagli nell’illustrazione! Questo può essere uno strumento utile quando si crea un protagonista che deve essere il fulcro del disegno.
Una combinazione di colori monocromatica utilizza solo i toni, le tinte e le sfumature di una singola tonalità della ruota dei colori. Questo crea un aspetto davvero unico e spesso emotivo in un’illustrazione. Se vuoi fare scelte cromatiche relativamente semplici, questo potrebbe essere il metodo migliore per te!
Questo schema di colori è ottimo per creare personaggi con tratti ben definiti che possono essere espressi al meglio attraverso un colore specifico. Se il design di un personaggio è molto complesso, i colori monocromatici possono anche aiutare a semplificarne l’aspetto e a renderlo visivamente più attraente.
Una combinazione di colori monocromatici è anche un’ottima scelta se stai cercando di migliorare la tua comprensione dei valori quando colori e ombreggi i tuoi lavori!
Se vuoi variare un po’ di più il tuo schema di colori, il metodo triadico potrebbe fare al caso tuo! Queste combinazioni di colori utilizzano 3 colori equidistanti tra loro sulla ruota dei colori.
Quando si usano i colori triadici, è meglio sceglierne uno dei tre affinché sia il più prominente nelle tue illustrazioni e usare gli altri due per evidenziare dettagli più piccoli.
Questo schema di colori crea un aspetto molto vivace, anche quando i colori sono attenuati. È ideale per i personaggi con un’energia giocosa, poiché queste combinazioni di colori possono spesso sembrare molto giovanili. Questo rende i colori triadici perfetti per i personaggi destinati a un pubblico più giovane!
Quando si tratta di usare colori caldi o freddi, ci sono alcune cose fondamentali da considerare. Quando vengono aggiunti a un’illustrazione, gli oggetti dai colori caldi sembreranno più vicini all’osservatore, mentre quelli freddi sembreranno più lontani.
Questo è dovuto alla prospettiva atmosferica, che è essenzialmente l’effetto delle particelle nell’atmosfera che fanno sì che le cose più lontane abbiano una tonalità bluastra.
La temperatura del colore dei personaggi avrà un effetto simile, per esempio, i personaggi dai colori più caldi si distingueranno e si sentiranno sicuri, mentre i personaggi dai toni più freddi potrebbero apparire più chiusi e misteriosi.
Tuttavia, come per qualsiasi altra cosa nell’arte, queste regole possono essere infrante se hai voglia di sperimentare per creare disegni più inaspettati!
Ci sono due modi principali con cui gli artisti aggiungono il colore alle loro illustrazioni. Il primo, probabilmente il metodo più ovvio, è quello di iniziare subito con il colore o sotto le linee. Questo metodo è ottimo quando sai già quali colori vuoi usare e dà una sensazione simile alla colorazione o alla pittura tradizionale.
Tuttavia, un’altra opzione è quella di dipingere digitalmente il personaggio in scala di grigi prima di utilizzare una serie di livelli di fusione del colore per finalizzare l’aspetto del lavoro.
Questo metodo consente di sperimentare maggiormente con i colori del disegno, pur ottenendo i valori corretti nell’ombreggiatura. Se stai cercando di migliorare le tue capacità di illuminazione e di ombreggiatura, ti consiglio di provare questo metodo!
Quindi, ora che hai tutti questi fantastici consigli per la progettazione del personaggio, puoi iniziare a creare i tuoi personaggi!
Se vuoi imparare ancora DI PIÙ, puoi trovare i fantastici corsi citati in questo post qui!
Rhea
Rhea è una concept artist australiana che attualmente studia alla Griffith University. La sua passione consiste nel diffondere il suo amore per l'arte.
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